Nepo Sandkuhl

ESPERANTE, NO TAN PRONTO HAGAS DE MÍ UN AUSENTE

2011-06-28T19:23:00.001-07:00

Imágenes sublimes, textos tristes

"Esperante, no tan pronto hagas de mi un ausente" es un drama onírico que repasa las dificultades de un escritor a la hora de llevar a cabo su último escrito. Su escritura será su manera de batallar con la ausencia de su gran amor y los sucesos que desencadenan sus recuerdos.

La obra narra las batallas íntimas de un escritor encerrado en una pensión intentando terminar sus escritos.

En una pensión añeja se encuentra el escritor. Se debate con sus recuerdos intentando culminar su novela. Una novela escrita sólo para él como recurso reparador de las ausencias que ha sufrido a lo largo de su vida. Su escritura es el móvil de acción; como la maquinaria de Lázaro, intenta revivir en la ficción el recuerdo de su padre, de Elena y de un entrañable amigo de la infancia. Asistimos entonces a la puesta en acto de los procedimientos creativos que lo asaltan, lo desmembran y finalmente liberan.

En este camino de construcción poética vibra la profundidad de los textos de Macedonio Fernandez. Sus escritos atraviezan los recuerdos autobiográficos del actor y el director dándo vida a la obra. Recuperando así, y a modo de homenaje tácito, los últimos años de vida de Macedonio, su relación con la escritura y su particular metafísica en la tríada Vida, Muerte y Amor. De este modo, el escritor descubrirá el camino que lo lleve a sentirse realizado. Por fin encontrara en su escribir, la manera de reencontrarse con su único amor.

"Esperante, no tan pronto hagas de mi un ausente" es un texto de Eliseo Barrionuevo y Francisco Grassi, y dirigida por el propio Grassi. Uno se pregunta, ¿Quiénes son ellos? ¿Por qué menciono sus nombres primeros?

Me llamó mucho la atención que en "Esperante, no tan pronto hagas de mi un ausente" contenga imágenes tan consistentes y sean sublimes a la vez. El espectáculo contiene mucha pregnancia con pocos recursos luminotécnicos; esto se debe a que la obra parte desde la hipótesis que el eje central del teatro, en la representación, es el actor; por lo tanto, Francisco Grassi y Eliseo Barrionuevo explotan al límite esa hipótesis y lo hacen muy bien.

La puesta en escena nos propone un juego sólo para los sentido de la vista y del oído. "Esperante, no tan pronto hagas de mi un ausente" es una historia muy conmovedora, cuya crueldad está encerrada, pero latente en cada palabra, en cada cigarrillo, en cada silencio, en cada papel.

En "Esperante, no tan pronto hagas de mi un ausente" el actor con mucho ritmo expulsa las palabras en el momento adecuado. Se nota el trabajo de “la escucha” en el “aquí y el ahora”. Construye a un personaje escritor desde parámetros comunes, clichés míticos, y románticos; pero maximizan los detalles, utilizan el desorden de pensamientos en los papeles como un lugar dramático, el cigarrillo constante como arma de destrucción de las palabras, entre otros.

La propuesta escénica de "Esperante, no tan pronto hagas de mi un ausente" nos induce hacia el caos, hacia el descontrol que oprime al personaje, por lo tanto, él siempre está buscando, una luz, alguna iluminación en la palabra que produce sus deseos y sus frustraciones para poder ser libre. Una lucha con un enemigo que es uno mismo y a la vez una fuerza superior a él, que está escondida como “el recuerdo de su gran amor”.

Para encontrarse con "Esperante, no tan pronto hagas de mi un ausente" y vivir esa lucha que atemoriza a un escritor por un amor, sólo tiene que ir los domingos a las 21:00 a Elefante – Club de Teatro, en Soler 3964, reservas al 4821-4425.

Ficha técnico artística

Sobre textos de: Macedonio Fernández
Dramaturgia: Eliseo Barrionuevo, Francisco Grassi
Actúa: Eliseo Barrionuevo
Iluminación: Yamil Chiapa
Asistente de producción: Emilia Sonzogni
Prensa: Ezequiel Hara Duck
Producción: Anahi Garcia Cascabelo
Dirección: Francisco Esteban Grassi

JAULA PARA 4

2011-06-18T17:50:00.000-07:00

El Desgarre de los deseos

Vivimos entre la chatarra, el cáncer es nuestra medicina, bebemos y comemos nuestros excrementos, nos revolcamos en la putrefacción de la tierra, escuchamos los gritos de terror sin pena y no nos enojamos ni con 15 puñaladas encima. Definitivamente Vizconde, al público le va a gustar nuestra felicidad.

Atentamente, su amiga.

La Marquesa.

Obra inspirada en el libro: Las amistades peligrosas de Chordelos de Laclos y Cuarteto de Muller.

“Jaula Para Cuatro”, escrita y dirigida por Javier Soria, expone la violencia del deseo, materializa la oscuridad de los espíritus que se van presentando, transforma el amor y el odio en objetos, todo en un abstracto juego de poder y de puesta en escena.

“Jaula Para Cuatro” nos muestra unos personajes oscuros, que están hechos de la misma materialidad que los rodea. Personajes que tienen un juego perverso y constantemente están al acecho del dolor ajeno, de la diversión del momento. Personajes siniestros construidos con mucha energía por parte de Sherry Denis y Nibaldo Maturana; actores con mucha presencia, dispuestos a todo por el juego propuesto.

En “Jaula Para Cuatro” no hay lugar para el descanso, desde el momento en que uno se sienta y se apagan las luces el espacio, la música y el clima gestante llenan completamente todo los sentidos. Un espacio minimalista, deteriorado, con una estética “futurista apocalíptica”, símil a un basurero de acero. Un lugar que se va transformando desde el cuarto de una virgen hasta la oficina de una Marquesa. Un espacio que respira junto a los personajes.

“Jaula Para Cuatro” es una extraña obra para la escena porteña, pero es una propuesta para un domingo a las 20:30 en el Teatro El Espión, Sarandí 766, reservas al 4943-6516

Ficha técnico artística

Autoría: Javier Soria
Actuan: Sherry Denis, Nibaldo Maturana
Vestuario: Mariana Arzola
Escenografía: Johanna Vanesa Ward
Música: Claudio Cabello
Operación de luces: Ana Siniego
Fotografía: Davide Casali
Diseño gráfico: Natalia Pena

EL DIARIO DE CARMEN

2011-06-14T13:46:00.000-07:00

La búsqueda de una voz incesante

“No hice una obra de teatro ´acerca de´ un diario íntimo; me planteé las condiciones potenciales que ofrecía un diario íntimo para la experiencia del teatro.

El diario íntimo es un espacio donde el que escribe se representa a sí mismo. Donde cuenta qué hizo, qué le pasó, pero a la vez no es fácil saber qué grado de ficción interviene ahí.

¿Es acaso un monólogo?

Hay además un hipotético lector, un espectador cómplice de poder descubrir y espiar todo lo que hallara escrito…

En mi obra tomé un diario íntimo (´El diario de Carmen´) como si fuera una escena. De manera que Carmen tiene un dominio arbitrario del lugar y puede repetir a voluntad momentos del día, cambiar finales, hacer variantes sobre lo que padeció...

La costumbre de hacer anotaciones cotidianas tiene hoy también la forma pública del blog. En mi obra usamos el modelo previo, el cuaderno físico. Sospecho que esa forma de soledad es distinta, aunque sigua encontrando espectadores que se vinculen ¿desde el propio retraimiento?

No elegí como protagonista a una mujer, no recuerdo cómo resultó tener esa voz, el nombre ´Carmen´, y hasta el sobrenombre que no le gusta que le pongan… Solo sabemos de ella en base a pocos elementos que hay en su diario, algunos rasgos cotidianos que en la obra no están en primer plano. Que vive en un barrio, que trabaja hasta las 5 de la tarde en una empresa que ´tiene muchos pisos´, que le gusta caminar y aprender el nombre de las calles, que toma subte, que se sienta en una plaza que queda atrás de un supermercado, que para en un bar en una esquina por donde pasa una línea de colectivos, que vive en una casa a la que se entra por un pasillo... Lo vital es que antes del inicio de la obra (uno o dos meses antes) vio un accidente en la calle.

Pienso que en las obras teatrales hay muchos y diversos temas. En ´El diario de Carmen´ empezamos (al ver el espectáculo) con una casa que no es completamente una casa y que parece rodeada de sombra... Ahí aparece un tema, un tema dramático que emana de la representación. No quisiera apresurarme a nombrarlo y definirlo porque la experiencia escénica es tanto más variada, y más interesante que la enunciación. Desde luego, en ´El diario de Carmen´ hay incluso un tema central, pero ese tema deriva de su naturaleza como obra: se trata de un diario, un diario íntimo, una práctica en soledad, a cierta distancia de los hechos. De esa acción surge un tema que podemos nombrar según queramos.

Todos los aspectos artísticos que aparecen en el montaje me resultan igualmente necesarios. No hay acentos deliberados que quiera enfatizar o subrayar. Pienso en el montaje como una simple condensación que resulta del material de trabajo. Montaje es ´dar forma´. Dar forma a una ficción para aludir a imágenes en la mente del público, imágenes que cada espectador construirá con inapreciable intensidad.

(Dicen que una casa moldea a los que viven.) Bueno, en mi obra, la puerta no abre nunca. Prácticamente no hay objetos, apenas dos o tres, y demasiado estilizados. Luego falta el cable del teléfono… En realidad, todo lo que está en escena sirve antes que nada ¡al juego!

Cada obra que hice fue una búsqueda de definir un mundo, de reconocerlo. También, indispensablemente, una intención de vincularme con la gente que irá a verla.

El teatro es una forma de relacionarse. Pienso que cada obra propone un trato particular con el espectador.

No tengo demasiado interés en los procedimientos de mis trabajos anteriores; probablemente por eso no hay otras semejanzas más que mi torpeza o aquellas decisiones que todavía no logro llevar hasta un plano mucho más y más intenso de teatralidad.

Uno, como dramaturgo o director, hace montajes del mundo. La técnica es la manera de organizar el juego. Podríamos decir que el tema del juego también es el mundo, y que todos los argumentos son visiones de mundo.

Y al igual que el diario íntimo, la dramaturgia es un aparato del mundo.” Luis Cano

“El Diario de Carmen” es una puesta en escena que al principio, uno cree que hay que tomar con pinzas, poco a poco se va descubriendo el divertimento en la palabra, el reflejo en el espacio, los caprichos de los personajes, el goce del silencio en la repetición.

“El Diario de Carmen”, escrita y dirigida por Luis Cano, a un principio nos lleva por una verbosidad excesiva cuya métrica crea una musicalidad repetitiva en el texto, después, esa manera de decir las palabras nos conduce a algo mecánico -por llamarlo de alguna manera-, ese efecto mecánico produce una sensación de extrañamiento en las palabras, crea dudas; pero, todo nos señala que hay algo perturbador en el relato.

Lo mecánico de la obra, que en un principio está en el texto se va trasportando a la escenografía, al vestuario, a las luces, a la música de la puesta en escena. Vale decir, que “El Diario de Carmen” es una puesta en escena muy completa para los sentidos; hay mucho equilibrio en cuanto a colores, texturas y movimientos en el espacio; visualmente es una puesta agradable para contemplar; un buen trabajo de escenografía, vestuario y puesta de luces. El espacio está reflejando ciertas características del personaje de Carmen, como si ella y el lugar fueran un solo ser. O si el espacio fuese la página en blanco llena de renglones donde ella está escribiendo en el ahora.

Los personajes de “El Diario de Carmen” juegan desde las contradicciones. Por un lado, está Carmen, quien tiene el placer de estar en ese lugar, el divertimento de jugar con su “invitado”, con las historias, con el dolor de la búsqueda del gato; por el otro lado, Juan, quien constantemente está dudando, explicita más la perturbación, llega a cargar con el peso de Carmen que tiene al parecer con Bianco (el gato). Además, los dos actores en escena dicen las didascalias.

“El Diario de Carmen” hasta el 30 de junio está los JUEVES a las 21:00 en el ElKafka Espacio teatral. Lambaré 866. Reservas al 4862-5439

DESDE EL 2 DE JULIO está los sábados a las 23:00 en NoAvestruz, Humboldt 1857. Reservas al 4862-5439

LOS POLLERUDOS

2011-06-14T12:32:00.000-07:00

Un espectáculo del Grupo Los Pollerudos

Dos guapos, Julián y Julián, encerrados en un taller de corte y confección, esperan el momento apropiado para entregarse. El Afuera es incierto y hostil. Obligados a escapar del mundo real, se revela entre ellos una hermandad a través de las mujeres que han compartido; y crean en ese espacio atemporal su propio universo, en donde con el baile, los recuerdos y la confección de sus propios trajes, intentarán ocultar hasta el absurdo la complicidad de un secreto innombrable.

El grupo se reúne con el objetivo de generar un espectáculo teatral utilizando los códigos y la iconografía del tango, que hable de la condición del hombre frente a la mujer, o mejor dicho frente a la ausencia de la mujer. Situación que se da en el tango como en ningún otro universo.

Gerardo Baamonde (actor y acróbata) y Héctor Díaz (bailarin de tango y actor), improvisaron durante más de ocho meses bajo la mirada del director que ofició de dramaturgo, (Sergio D’Angelo) aportando textos y organizando fragmentos. Así se fue revelando una obra que siempre estuvo escrita en el imaginario de los tres, y que resultó ser el cruce y la confluencia de sus fantasmagorías.

Los Pollerudos, es un espectáculo con códigos muy particulares, en donde los textos son aparentemente repetitivos y superficiales, pero dejan entrever la angustia, la soledad y la incapacidad desesperante de estos personajes de una manera irónica y grotesca; en donde el baile es una manera más de crear un mundo ilusorio que les permite engañar a la muerte.

“Los Pollerudos” es una manifestación ecléctica para los sentidos. Hay una propuesta escénica que surge desde el ritmo del relato de la obra. El ritmo provoca la fragmentación en los personajes; creando esas situaciones cortas que irrumpe los diálogos.

“Los Pollerudos” es un trabajo que denota mucho contacto al minimalismo; el espacio encadena una serie de elementos que buscan completar a una mujer que no está presente. Los trajes sombríos de los personajes, que define el carácter, conlleva a la incertidumbre de los hechos, de la apariencia; donde uno de los personajes llamado Julián puede ser culpable como inocente; porque cada Julián va transformándose en el otro Julián.

“Los Pollerudos” está muy bien interpretado por actores de oficio, con las características pequeñas que sazonan a cada uno de los personajes que los distingue. La acrobacia es un aditamento que al relato policial produce efecto que irrumpe en el discurso, dándole así, agilidad.

“Los Pollerudos” está los viernes a las 23:00, en el Portón de Sánchez, Sánchez de Bustamante 1034, reservas al 4863-2848.

FICHA TÉCNICA

Autores: Sergio D’Angelo, Héctor Díaz, Gerardo Baamonde

Actores: Gerardo Baamonde, Héctor Díaz

Coreografía: Héctor Díaz

Prensa: Simkin & Franco

Iluminación, Banda de Sonido y Dirección: Sergio D’Angelo

LA IDEA FIJA

2011-03-14T20:07:00.000-07:00

La Naturaleza Mecánica

No son esos cuerpos sin pudor, impúdicos, no son objetos, son cuerpos secos y furiosos. Encuentros casuales que revelarán la impersonal mecánica del sexo. Y es una suerte que Raffaella Carrá bajó del cielo para ayudar. El cuerpo se guarda lo que las palabras dicen abiertamente. Hay que perdonarse, no ser tan duro con uno mismo, si al final se sigue tan solo como cuando todo empezó. Violar. La tristeza de lo que es de un modo sin cambio. Frotarse hasta que se encienda algo, hasta que tu cuerpo se encienda. Siempre quisiste bailar en una disco tenebrosa subido a un parlante, agitando la peluca como una loca. Es un tema de amor, y el amor es lo que siempre deseaste. Pero sólo queda bailar hasta que la noche se acabe, y de vuelta a tocarse pecaminosamente bajo las sábanas.

“La Idea Fija” es un magnífico trabajo donde los cuerpos, mediante un mecanismo, ponen en movimientos estados, fuerzas y energías que desbordan la imaginación. “La Idea Fija” es un magnífico trabajo donde las luces crean el espacio sutil donde suceden y están presentes los cuerpos. “La Idea Fija” es un magnífico trabajo donde la música contiene y modifica cruelmente a ese espacio y a esos cuerpos.

En “La Idea Fija” está la presencia de lo masculino y lo femenino, de la energía y de la flaqueza, de la sensualidad y de la brutalidad. “La Idea Fija” es una constante paradoja que desemboca en el cansancio muscular, en la explotación del cuerpo, del aire, de la voz; es una propuesta que no margina ninguno de los sentidos del espectador.

“La Idea Fija” es la propuesta que provoca el fuego interno que nosotros llevamos, no lo racionalizamos, lo estudiamos, lo denominamos, lo significamos y relacionamos con todo, pero en el fondo es sólo una mecanización de nuestra energía.

“La Idea Fija” es un magnífico trabajo que puede apreciar los sábados a las 21:00 en el Portón de Sánchez, en Sánchez Bustamante 1034, reservas al 4863-2848.

Intérpretes:

Alfonso Barón, Rosaura García,

Vanina García, Juan González,

Mariano Kodner

Música original:

Gastón Taylor

Música:

Giogio Moroder, Raffaella Carrá,

Georgy Sviridov, Alter Ego

Diseño de vestuario:

Gabriela A. Fernández

Asistencia de vestuario:

Estefanía Bonessa

Escenografía:

Mirella Hoijman

Iluminación:

Fernando Berreta

Texto:

Pablo Rotemberg

Entrenamiento vocal:

Mecu Bello, Claudio Pirotta

Entrenamiento actoral:

Valeria Grossi

Diseño gráfico:

Gabriela Melcón

Fotografía:

Coni Rosman

Prensa:

Julia Laurent

Asistencia coreográfica:

Ayelén Clavin, Marina Otero

Dirección: Pablo Rotemberg

EL DEALER MANDA

2011-03-14T20:05:00.000-07:00

Rítmica y ágil

Esteban es el dueño de un restaurante y el organizador de partidas de póker que todos los domingos se desarrollan en el sótano de su local, de las cuales participan su hijo (Carlos) y sus empleados (Sweeney –el cocinero-, Maxi y Fran – los mozos). La acción se desarrolla en tres actos, el primero antes de que el local abra sus puertas, el segundo cuando el local está cerrando y el tercero es la partida de póker en el sótano. Hay un sexto personaje en la obra, su nombre es Ash, y se presenta como un amigo de Carlos, cuando en realidad descubriremos que es su acreedor. Un domingo como cualquier otro. Sin embargo…

“El Dealer Manda” de Patrick Marber, quien es más conocido por su trabajo “Closer” está en la escena porteña bajo la dirección de Leonardo Kreimer. Quien a una primera impresión hizo un excelente trabajo con los actores, comenzando por el casting.

“El Dealer Manda” es una puesta en escena que en un principio muestra dos espacios en un restaurante, pero a su vez, esos espacios nos exponen a un grupo de personas que al parecer se llevan mal pero se comportan como una familia, al desear ayudar al otro; dentro de esa familia, hay dos núcleos que mueven a los personajes, los deseos y la adrenalina, pero para conseguirlo, el único medio es el póker. El póker es el tercer espacio, es el lugar oscuro donde se manifiesta lo peor de cada uno pero que siempre lo esconde e irónicamente donde pueden convivir más.

Uno puede darle múltiples lecturas a esta gran puesta en escena de Leonardo Kreimer, pero la obra se sostiene por los personajes, donde los objetivos, las necesidades y las urgencias están muy bien trabajadas, creando matices y presencias, trabajo de mucha energía y generando ritmos y tensiones en las situaciones y así producir las atmósferas.

“El Dealer Manda” está los jueves a las 21:30 en El Camarín de Las Musas, Mario Bravo 960, reservas 4862-0655.

Autoría: Patrick Marber
Actuan: Mariano Caligaris, Giancarlo Pia Mangione, Fernando Margenet, Nicolás Martini, Nicolás Mateo, Gabriel Paez
Escenografía: Andrea Patron
Iluminación: Andrea Patron
Asesoramiento: James Omid Ghaemmaghami, Luciano Leyrado
Asistencia de dirección: Cristina Ferrajoli
Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin
Producción ejecutiva: Elisabetta Riva
Producción general: Pier Paolo Olcese
Dirección: Leonardo Kreimer

HAZAÑAS

2011-03-14T20:02:00.000-07:00

Los Clowns son cosa seria

Un numeroso grupo de clowns acompañados por una banda de música se embarca en una aventura que pone en juego sus propios límites e invitan al espectador a vibrar con ellos frente a cada desafío.

La gloria o el fracaso esperan. La risa y la emoción están garantizadas.

Un espectáculo que combina la poesía, el suspenso, la música y el humor en un sinfín de situaciones en los que el riesgo y las habilidades más delirantes generan una explosión de sensaciones.

“Hazañas” es un vértigo constante que causa hilaridad, preocupación porque llega a conmover. “Hazañas” bajo la dirección de Marcos Arano y Marcelo Katz nos motiva a pensar en lo simple que es la cotidianidad; nos ejemplifica que cada uno tiene sus propias hazañas que podemos superar nuestras virtudes y reírnos de nuestras vicisitudes.

“Hazañas” es un congreso extraordinario de humildad, donde el error es el plato fuerte, donde la equivocación es la provocación para que cada uno de ellos, los 21 personajes en escena, sr superen a sí mismo, así, cuando las hazañas aparecen bien ejecutadas en su forma más simple son aplaudidas y apreciadas por el público. Algunas llegaron a sorprender.

“Hazañas” es un juego divertido, que cumple una premisa básica: entretener, pero no sólo por el hecho de hacerlo, sino porque se están jugando la vida por realizarlo, donde hay un esfuerzo de creatividad para volver las cosas sencillas en algo increíble.

“Hazañas” está los viernes y sábados a las 19:30, y los domingos a las 19:00 en el Centro Cultural Recoleta, calle Junín 1930, reservas al 4803-1040.

Actuan: Elsa Agras, Sofia Boretskaia, Cecile Caillon, Carlos Castro, Lidia Epsztejn, Marta Esandi, María Milagros Fabricio, Claudia Frantz, Manuel Gutiérrez Arana, Natalia Imbrosciano, Pablo Marín, Javier Nichela, Juliana Ramirez Gisbert, Marcos Retamero, Mariano Russo, Alejandro Talarico
Músicos: Ezequiel Adá, Marta Esandi, Gabriela Goldenberg, Lautaro Sandoval, Guido Turdera
Música original: Pablo De Nicotti
Fotografía: José Luis Soengas
Utilero: Analía Gaguin
Diseño gráfico: Diego Heras
Supervisión de vestuario: Analía Gaguin
Asistencia de dirección: Lucas Silvani
Prensa: Daniel Franco, Walter Simkin
Jefe técnico: Gabriel Diaz
Dirección: Marcos Arano, Marcelo Katz

INFORME PARA UNA ACADEMIA

2011-03-14T18:23:00.000-07:00

El Propósito crítico

INFORME PARA UNA ACADEMIA es el relato de alguien que fue mono y que, por la imperiosa necesidad de sobrevivir, se incorpora al mundo de los humanos y se instala firmemente en él.

Metáfora de la lucha interna de cada individuo, el texto de Kafka plantea una mirada sombría sobre los conceptos de libertad y necesidad en relación a la voluntad de acción como concepto vital del hombre.

Como parte de los festejos por los 15 años de la Compañía El Muererío Teatro, este premiado monólogo escrito y dirigido por Diego Starosta, vuelve a presentarse todos los sábados de marzo y abril en un escenario emblemático de la ciudad de Buenos Aires.

“Informe para una academia” es la muestra corporal y la presencia de un actor con oficio.

En un ámbito con algunas características minimalistas es el espacio donde juega a la animalidad Diego Starosta. “Informe para una academia” presupone una constante crítica, donde el ser que nos habla no parece ser tan iluminado, pero nos dicen las cosas como son; ya desde el cuento de Kafka nos componen esa discriminación a este ser que es un sujeto muy autorreferencial en muchos aspectos y que sólo busca paz.

“Informe para una academia” es una propuesta donde Diego Starosta expone momentos latentes, imágenes fuertes, palabras claras y sencillez escénica, donde la acción está junto al relato.

“Informe para una academia” está los sábados de marzo y abril a las 21:00 en el teatro Payró, Calle San Martín 766, reservas al 4312-5922 o El Muererío Teatro Av. Córdoba 5520

info@elmuererioteatro.com.ar

www.elmuererioteatro.com.ar

http://diegostarosta.blogspot.com

Actuación, dramaturgia y dirección: Diego Starosta
Dispositivo escénico: Diego Starosta / El Muererío Teatro
Asistencia y producción ejecutiva: Lucía Abreu
Diseño Grafico: Mauro Oliver
Prensa: Claudia Mac Auliffe
Producción general: El Muererío Teatro

A DONDE VAN LOS MUERTOS (LADO B)

2011-03-14T17:40:00.000-07:00

Sencillo y Creativo

Los integrantes del Grupo Krapp son bailarines, actores y músicos que desde el año 2000 trabajan juntos orientando su actividad a la investigación creativa. Sus obras, fueron presentadas en Argentina y en importantes festivales de Latinoamérica, Europa y EEUU. Krapp dictó workshops y realizó residencias en la Universidad de Austin (Texas-USA), ADF (Durhaim-EEUU), Colgate University (New York-EEUU), Ann Arbor University (Michigan-EEUU) entre otras.

ADONDE VAN LOS MUERTOS (lado B), es una obra que habla de otra obra, de una obra del futuro, de una obra sobre la muerte.

Este trabajo se apropia de la futura obra y la presenta en una sucesión de escenas compuestas por material en bruto casi sin editar, exponiendo sin pudor sus mecanismos de construcción, develando sus herramientas, sus pruebas fallidas, las dudas, las preguntas más íntimas, el fracaso completo.

Si la muerte es el motivo principal de aquella obra del futuro, la imposibilidad de representarla es el problema de ésta.

¿Es cierto que lo primero que se olvida de alguien que muere, es el sonido de su voz? ¿A quién vería por última vez? ¿Qué prefiere: bailar la muerte o matar la danza? ¿Es la muerte parte de un plan? ¿Dormir es parecido a morir?

Si uno mira “Adonde Van Los Muertos (Lado B)” desde el lado de una presencia escénica de manera clásica, donde los cuerpos están latentes y sólo pertenecen y funcionan en ese mundo de la historia, uno podría encontrarse perdido ante esta obra, pero la va a disfrutar.

“Adonde Van Los Muertos (Lado B)” es la creación del Grupo Krapp, donde proponen interrogantes ocultos en otras interrogantes, preguntas capciosas dentro de otras aún más engañosas, que al final uno no deja de pensar en lo simple y lo complejo que resulta una propuesta así. Ese es el punto de “Adonde Van Los Muertos (Lado B)”, dejar al espectador con preguntas más que respuestas.

“Adonde Van Los Muertos (Lado B)” es una propuesta muy llamativa, donde la apuesta de la puesta en escena está en el juego entre el silencio y el ruido, lo mecánico y lo improvisado, en el encuentro del momento, en lo que parece ser un evento, pero todo está planificado. Siempre crea inquietud y esa es la virtud de “Adonde Van Los Muertos (Lado B)”.

“Adonde Van Los Muertos (Lado B)” está los miércoles a las 21:00 en Espacio Callejón, calle Humahuaca 3759, reservas al 4862-1167.

EQUIPO
Creación e interpretación
Luciana Acuña, Gabriel Almendros, Luis Biasotto, Edgardo Castro, Fernando Tur

Coreografía y Dirección
Luciana Acuña, Luis Biasotto

Música original en vivo
Gabriel Almendros, Fernando Tur

Escenografía
Mariana Tirantte
Asistente escenográfico
Gonzalo Córdoba Estévez

Iluminación
Matías Sendón
Dirección video y montaje
Alejo Moguillansky

Asistencia video
Santiago Esteves

Sonido video y sonido en vivo
Rodrigo Sanchez Marino

Iluminación video
Agustín Mendilaharzu

Prensa
Claudia Mac Auliffe

Entrevistados

Julián Tello, Gabriel Barredo, Horacio Barredo, Rodrigo Sanchez Mariño, María Villar, Alejandro Karasik, Nele Wohlatz, Luciana Kirschenbaum, Sebastián Lingiardi, Maitina De Marco, Ambra Maniscalco, Ivan Rudnitzky, Claudia Schijman, Natalí Claut, Gaston Claut, Nicolás Claut, Luis Fernandez Arroyo, Ema Fernandez Arroyo, Martín Sandoval, Guilherme Morais.

Creación GRUPO KRAPP

LA ANTICRISTA Y LAS LANGOSTAS CONTRA LOS VÍRGENES ENCRATITAS

2011-03-14T17:35:00.000-07:00

Entre el Verso Intenso y el Cuerpo Latente

“Como los Rolling Stones, la leyenda cuenta de la Gobernadora de una provincia imaginaria llamada Santiago del Heztero en un país imaginario llamado Harjentina quien se hace periódicas transfusiones de sangre para rejuvenecer. Ella no lidera una banda de rock, sino un territorio arrasado por sí misma primero y por una plaga de langostas después. Se encuentra sola en la casa de gobierno, sin servidores ni transfusiones. Como Fausto, pacta con el Diablo, quien le envía dos langostas como agentes. Los bichos le señalan dónde obtener más sangre para que siga gobernando: la única chacrita que las langostas no pudieron devorar, por ser vivienda de un padre santo y tres hijos varones vírgenes. Los chicos nunca vieron una mujer en su vida y la milenaria gobernadora-vampira será su esperpéntico debut.

¿Logrará la satánica mujer chupar la sangre de los gauchitos? ¿Podrá el Tata combatir esta infección en su modesto y pequeño mundo privado? ¿Se liberará por fin Santiago del Heztero de su tiranía?”

Con un texto escrito en verso y retomando el auto sacramental, esta propuesta escénica, nos introduce en un mundo devastado por sus gobernantes y una plaga de langostas; como una metáfora crítica donde uno realmente piensa si el eufemismo creativo es sólo un juego provocativo; también, lo interesante es la manera en que se narra la acción a través de un texto, que a pesar de ser humorístico, que uno cree que se presenta como un pretexto deja entrever una opinión sobre la sociedad Argentina.

“La Anticrista Y Las Langostas Contra Los Vírgenes Encratitas” está dotada de actuaciones expresionistas y un elenco muy comprometido con un buen trabajo actoral; todos ellos apoyados por un músico en vivo que aporta de manera precisa y exquisita a los acontecimientos que la obra expone. Este montaje propone quiebres de música, manteniendo la atención del espectador en todo momento.

“La Anticrista Y Las Langostas Contra Los Vírgenes Encratitas” es una obra fresca, con un texto interesante y con actuaciones lúdicas. El lugar donde se están dando las funciones es en la Ex fábrica IMPA, ubicada en la calle Querandíes 4290, zona de Almagro.

Ficha técnica

Elenco:

Omar Calicchio ● Daniel Campomenosi ● Marco Antonio Caponi ● Gerónimo Espeche ● Alejandro Ibarra ● Jorge Priano ● Pedro Velásquez ● Hernán Vives ● Fanny Bianco

Música y Tiorba: Hernán Vives

Coreografía: Alejandro Ibarra

Escenografía e Iluminación: Gonzalo Córdova

Vestuario: Sofía Di Nunzio

Asist. de Iluminación y escenografía: Facundo Estol

Pelucas: Alejandro Granado

Preparación Vocal: Lucila Gandolfo

Arte: Diego Freijomil

Asistente de dirección: Florencia Ravera

Texto y dirección: Gonzalo Demaría

CURUPAYTY

2010-11-21T11:41:00.000-08:00

Trascendencia de una cultura.

Por: SATINE

Mediante un procedimiento de reconversión de documentos varios sobre "la guerra de la triple alianza" llegamos a ficcionalizar un hecho. Tomamos la odisea del pueblo paraguayo en aquel genocidio pensando así: CURUPAYTY, el mapa no es un territorio.

Donde el pasado fantasmagóricamente testimonia lo que el presente genera como pensamiento dramático.

Curupayty, es una experiencia conmovedora que propone un acercamiento a la devastación del pueblo paraguayo como consecuencia de su participación en la guerra de la Triple Alianza. La puesta de la obra se constituye como una imagen viva del campo de batalla, donde los cuerpos ya fragmentados, luchan por la trascendencia de su cultura. La sensorialidad de cada escena, lograda a partir de la elección y combinación de diversos sonidos, potencia el clima de guerra y sumerge al espectador en un ritmo variable que se modifica de acuerdo al grado de tensión que exige la escena.

Molina, captura la esencia del suceso histórico y trabaja en varios planos para trasladar dicha esencia a la puesta de la obra. Propone un clima donde el silencio es transgredido por sonidos tales como el impacto de una pisada en la superficie de paja, el eco de un quejido desgarrador, el golpe seco de una lanza, el traslado de un cuerpo sin vida; paralelamente a estos sonidos que se diluyen y se reiteran en acciones concretas, se percibe con claridad, el sonido del arpa y la cadencia propia de la lengua Guaraní que fluyen intensamente sin interrupciones y representan lo autóctono del pueblo paraguayo, como símbolo inalterable de la herencia cultural. Por otro lado, se apropia del espacio implementando determinados mecanismos que instalan a los actores en escena y promueven una secuencia de desplazamientos que se llevan a cabo a través de movimientos sutiles y precisos. Éstos generan un efecto de rotación que convoca al portador de la palabra y se alteran a medida que aumentan los cuerpos sin vida. El espacio sufre distintas modificaciones que derivan del cambio en la disposición de los cuerpos. La posición y el estado de éstos se transforman durante el transcurso la obra; se pierde el equilibrio en el momento en que se percibe que la cantidad de hombres muertos supera a la de hombres vivos. Se reclama un estado inicial que nunca podrá ser recuperado. Al finalizar la obra, se distinguen en escena dos mujeres, que ahogadas en la desesperación, extienden su mirada por encima de los hombres caídos.

Los actores transmiten la tristeza, la desesperación, y la impotencia que les genera la situación de guerra a la vez que se mantienen firmes proyectando la valentía y los ideales de su pueblo. Las escenas parecieran estar enmarcadas por la narración de un actor, Mario Alfano, que mantiene cierta distancia respecto del derramamiento de sangre y asume el rol de historiador. Tiene por objeto contextualizar los hechos, enunciar las internas políticas y ofrecer la certeza en la que se constituye la historia oficial. Esta mirada se pierde en la intensidad de los actores que reconstruyen los sucesos desde el campo de batalla y le proporcionan sus testimonios al espectador, invitándolo a vivir la guerra desde adentro.

Gran parte de la obra es hablada en Guaraní, lo que resulta muy interesante y útil a la vez para afirmar después de una experiencia así, que más allá del significado literal de las palabras, hay algo que trasciende esa convención, que es, en este caso, la sensación, emoción o sentimiento que nos transmiten el actores

Curupayty está los domingos a las 18:00 hs, Del Borde Espacio Teatral, Chile 630 C.A.B.A.

ESTÚPIDAMENTE MEDEA –TRAGEDIA CABARET

2010-11-10T13:34:00.000-08:00

Seis actores en búsqueda de una dirección

La clásica tragedia griega de Medea y Jasón se reconstruye a través de estos dos personajes más la Nodriza, quien cumplirá a lo largo de la obra el papel de ser la que escucha. Los protagonistas buscan encontrarse a través de las escenas y en este devenir no logran reconocerse.

Con Estúpidamente Medea no sólo queremos manifestar la extrañeza que se patentiza en las relaciones que formamos con los demás, sino también cuestionar cómo se visualizan las mismas en la afectación que provocan en uno y en los otros, y resignificar la sensibilidad de los vínculos por medio del humor y el disfrute que estallan en la escena.

Dice José Maldonado:

Las líneas de fuga y fisuras que nos ofrece el mito de Medea nos facilitan hablar en dos niveles: el del mito mismo y el de nuestro background personal, desde los cuales, como grupo cosmopolita, nos preguntamos quién es el extranjero; topo que se desarrolla en el tratamiento de una micropolítica, en la relación sentimental de un ámbito doméstico.

“Estúpidamente Medea” bajo la supuesta dirección de José Maldonado, digo supuesta porque es una puesta en escena sin ningún rumbo, hay mucha energía y entrega en los actores pero lo que ellos hacen es performance sin ninguna contención.

Lo que más se destaca, lo mejor de toda la obra son esas seis energías, los actores, que en todas esas intenciones están jugando, hay mucha entrega y compromiso por el compañero y le otorgan mucha vida, emociones y energía a cada suceso. También destaco la forma del programa de mano, una bolsa lleno de pochoclo.

En “Estúpidamente Medea” hay muy buenas ideas de puesta en escenas, nada nuevas pero muy buenas, pero se queda sólo en eso, en las ideas que no son profundizadas y sólo quedan como una simple enunciación.

Uno no sabe de qué se trata la obra, A un principio parece tener la intención de un cabaret, luego pasa a ser una transposición del relato mítico a la vida del extranjero en Buenos Aires, ahí se queda, no sucede nada más que esa enunciación; la intención de musical, la intención de performativo, la intención de stand up comedy, la intención de la teatralidad, del absurdo, del simbolismo, de etc, etc.

Es como si se jugara “el cadáver exquisito” por una hora, qué también se puede jugar por dos o tres horas y más, pero ¿cuál es la finalidad de jugar? La diversión, ¿pero de quién? Así de conceptual es. Tal vez “Estúpidamente Medea” esté sólo en la cabeza del director. O tal vez por la falta de sal a los pochoclos le sentí un sin sabor a la tragedia de Medea y no vi la estupidez.

“Estúpidamente Medea” está los sábados a las 23 hs, sólo quedan cinco funciones en Espacio Cultural Pata de Ganso, Pasaje Zelaya 3122, reservas al 48620209.

Intérpretes:

Sherry Denis (México)

Melissa Aranibar (Perú)

Nibaldo Maturana (Chile)

Christian Nieves (Puerto Rico)

Javier Soria (Bolivia)

Con la actuación especial de:

Helgalís (Puerto Rico)

Diseño de Escenografía:

José J. Maldonado

Coaching Escenográfico:

Norberto Laino

Vestuario:

Mariana Arzola

Iluminación

José J. Maldonado

Producción:

Nibaldo Maturana, Helgalís Ramos y José J. Maldonado

Prensa:

Claudia Mac Auliffe

Asesor Training

Alan Robinson

Asesoría Teórica:

Isabel Crubellier

Martín Rodríguez

Diseño Grafico

Renata Cymlich (Pagina Nomade)

Fotografía:

Davide Casali

Asistencia de Dirección:

Helgalís Ramos

Dramaturgia

Isabel Crubellier

José J. Maldonado

Dirección:

José J. Maldonado

AMAR

2010-11-05T20:31:00.000-07:00

La oscuridad radiante del amor

“Dos sillas, una rama de árbol, unos trípodes de micrófono y unas linternas. Entran seis actores, tres hombres y tres mujeres vestidos como para salir de copas. Poco puede imaginarse de lo que allí sucederá. Pero bastará que la luz se apague y que unos actores comiencen a actuar, iluminados por otros actores, para que el proceso de sus seres nos introduzca, capture y lleve por el derrotero de una noche intensa y descarriada.”

“Amar” de Alejandro Catalán es la propuesta que provoca reflexionar sobre las conductas humanas en su propia naturaleza; las relaciones sociales, los vínculos y ese transtorno por no hundirse en la soledad son las excusas perfectas para esta puesta en escena.

“Amar” pone énfasis en los deseos, en las decepciones, en los vínculos y sobre todo en el proceso de la cruda aceptación de lo que cada uno es para los demás. En “Amar” se crea un mundo infeccioso y vertiginoso con muy pocos elementos, donde los sentimientos y los vínculos personales están constantemente a la deriva, no hay un puerto a donde llegar, o al menos eso se muestra; lo terrible es descubrir que cada personaje se encuentra en un puerto no deseado; ¿harán algo para cambiar?

“Amar” realmente es una de esas obras que si uno se la toma en serio se deprime; refleja muy bien la crudeza del ser humano; dibuja muy bien las relaciones de amistad y de pareja. No sólo tiene muy buenas y contundentes actuaciones, también hay mucha creatividad en el juego teatral donde nos proponen un mundo sin narraciones, ni grandes artificios de escenografías. Donde el realismo del lugar está dado por el espacio que generan los actores, la luz y el sonido.

Es una obra donde se tiene que ver, porque es lo único que realmente se puede ver. Y, para ver este increíble y aparentemente simple juego teatral llamado “Amar” hay que ir los jueves y los viernes a las 23:00; en El Camarín de las Musas, Mario Bravo 960, informes y reservas al 4862-0655, o www.elcamarindelasmusas.com, o http://www.alecatalan.blogspot.com/

Actúan:

Edgardo Castro

Lorena Vega

Natalia López

Toni Ruiz

Federico Liss

Paula Manzone

Ficha Técnica

Iluminación: Matías Sendón y Alejandro Catalán

Musicalización, diseño sonoro y operación: Bruno Luciani

Asesoramiento sonoro y musical (efecto mar): Sergio Catalán

Vestuario: Ana Press

Realización Escenográfica: Mariano Sivack

Asistente de producción: Jorge Eiro

Asistente Artística: Felicitas Kamien

Fotos: María Sábato

Diseño: Verónica Rositto Gritti

Prensa: Claudia Mac Auliffe

Asistente de Dirección: Rita González

Dirección: Alejandro Catalán

LOS PROPIETARIOS

2010-11-05T20:23:00.000-07:00

La pertenencia en la familia

Frío. Un perro le ladra a un galpón, al costado de la ruta. No hay puertas ni camas, ni lugar donde sentarse. No hay casa. Sólo este galpón al costado de una ruta en el medio mismo de la nada. A lo lejos, un radar. A su alrededor, puro pasto y cielo. Y la ruta desolada. Entre cajas que no deben abrir y un televisor donde siempre se ve el mismo canal, tres jóvenes esperan la llegada del padre. Motivados por miles de promesas soportan el aislamiento y la soledad compartida. Cuando el padre finalmente llega, trae las manos vacías y una camioneta repleta de guitarras. Los hechos y las promesas jamás se tocan. Las esperanzas no nacen de la realidad y entonces ésta no puede matarlas. Una avalancha de desgracias no evitará que sigamos creyendo que algún día, tal vez lejano, podamos emprender nuestro propio camino.

“Los Propietarios” de Aldana Cal nos habla desde la consigna del lugar que uno ocupa y quiere situarse en la familia. Habla sobre los deseos y las relaciones familiares. De los valores y las decisiones que uno toma, por el bien personal o por el bien de todos.

“Los Propietarios” está expuesta desde el realismo porteño, donde el espacio es el interior de un galpón abandonado; los actores se comportan como en la vida real y hablan con el volumen cotidiano, no hay nada que muestre la teatralidad. Con esa reglas ellos se desenvuelven muy bien, junto a otros elementos de detalles que juega la iluminación, la escenografía y el vestuario.

En esa propuesta escénica, la historia de “Los Propietarios” tienen muchos vacíos, que provocan algunas incomprensiones de ciertas situaciones; el espacio está muy bien jugado, pero determina mucho ciertas acciones a los actores, y no a los personajes, provocando ciertos ruidos en la comunicación de las sensaciones de la obra.
“Los Propietarios” está los domingos a las 20:30 en Puerta Roja, Lavalle 3636, reservas 4867- 4689

ACTÚAN
Matías De Padova
Verónica Hassan
Julián Larquier Tellarini
Javier Niklison

FICHA TÉCNICA

DISEÑO DE VESTUARIO
Paola Delgado
DISEÑO ESPACIAL
Rosaura Flynn
COLABORACIÓN
Diego Martinsen
DISEÑO DE ILUMINACION
José Pigu Goméz
COLABORACIÓN
Caro Rolandi
DISEÑO SONORO
Martín Santabaya
DISEÑO GRÁFICO
Mariana Rovito
FOTOGRAFÍA
José Pigu Gómez – Marianella Portillo
PRENSA
Claudia Mac Auliffe
ASISTENCIA DE DIRECCIÓN
Martín Santabaya
DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN
Aldana Cal

MANOS TRASLÚCIDAS EN FIEBRE DE OLVIDO

2010-10-17T13:40:00.000-07:00

UNA MIRADA HACIA LO MARGINAL.

Por: SATINE

“2do Premio Mejor Dramaturgia Fondo Nacional de las Artes 2007

Todos hemos sentido alguna vez que los acontecimientos de nuestras vidas parecen determinados por la pluma de un escritor, la extraña sensación de ser el personaje de un caprichoso mundo ficticio que nos domina. Las sospechas que surgen de ese teléfono que suena siempre en el momento justo (o injusto), esa persona que te cruzás en el instante menos deseado, aquella actitud que nos brotó tan naturalmente y que nos parece más propia de cualquier otro sujeto que de la persona que porta nuestro cuerpo.

Juan y Emilia son una joven pareja que vive en un barrio de casas bajas del conurbano bonaerense. El es un pequeño distribuidor de drogas, única alternativa que encuentra para lograr un mínimo ascenso social. En vísperas de Navidad, un allanamiento policial llega a su departamento donde sólo se halla su mujer adolescente y su pequeña bebé. Durante el procedimiento, la beba cae de los brazos de su madre. En ese marco, aparece Mariana, la hermana mayor de Emilia.”

La obra refleja con naturalidad la situación en la que vive una pareja de clase baja. Se ponen de manifiesto las contradicciones que experimentan a partir de la carencia cotidiana que desemboca en un único porvenir: el estancamiento social. Propone dirigir una mirada hacia lo bajo y contemplar aquello que también forma parte de nuestra realidad. Se dan a conocer estados de extrema tensión que se traducen como acciones desmedidas y hasta inconscientes que emergen de situaciones asfixiantes en las que no hay alternativas.

Los actores pasan de un estado neutral a un estado emocional determinado, pudiendo establecer ese salto con profesionalidad. Por momentos, asumen el rol del narrador de la historia, que es cuando se conviertien en observadores y miran los sucesos desde afuera, con objetividad; otras veces, encarnan los personajes de esa misma historia adecuándose a sus particularidades. Pareciera que la voz del narrador es el eje que organiza el discurso; así como también recurre a cierta zona del lenguaje, utilizando metáforas y valiéndose de imágenes poéticas, para decir aquello que los personajes son incapaces de decir.

Fernández Chapo encuentra una forma bella de aludir a lo bajo, lo marginal, logrando dar a conocer los códigos y el estilo de vida propios de una condición social ignorada por la clase media. Trabaja con la estética del lenguaje y obtiene un lenguaje rico que remite a una vida de pobreza y a la imposibilidad de progreso. Es interesante el contraste que se produce entre esa voz poética y la voz vulgar de los personajes que se reconocen en su propia jerga.

La puesta incluye la proyección de un video que conecta las escenas entre sí; así como también aporta detalles a través de imágenes concretas, que refuerzan el contexto de situación y el clima dramático. Es un recurso novedoso que permite adoptar una mirada totalizadora en relación a lo que se plantea en escena y respecto a lo que propone Gabriel Fernández Chapo con su escritura.

“Manos Traslúcidas En Fiebre De Olvido” está los sábados a las 20:00 en el Teatro del Pueblo, Av. Roque Saénz Peña 943, reservas al 4326-3606 / 4394-2639.

AMANDA Y EDUARDO

2010-10-17T13:35:00.000-07:00

Lo Proxémico de la Miseria

“Amanda y Eduardo” sin ser un grotesco, género característico en la obra de este gran dramaturgo, presenta uno de los temas fundamentales en Discépolo: la percepción de la miseria.

Miseria material y moral: una oposición presente en todas las épocas y que nunca se resuelve. De ahí la vigencia de este texto, estrenado en 1931 en Barcelona (cuando España se hizo república) y al año siguiente en Buenos Aires y representado en muy pocas ocasiones en nuestro país, a partir de esa fecha.

“Amanda Y Eduardo” de Armando Discépolo es la propuesta que nos trae Adrián Canale en un trabajo espacial muy intenso.

En “Amanda Y Eduardo”, Adrián Canale pone mucho acento en la proxemia entre los personajes, cuando hay distancia entre ellos se crean las tensiones y el desafío; cuando están cercas, los personajes provocan peligro e inestabilidad al otro; es muy interesante y muy bien lograda esta propuesta escénica.

“Amanda Y Eduardo” de Armando Discépolo, en la versión de Canale juega mucho con elementos minialistas tanto en los personajes como del espacio; creando la manifestación de la miseria a cada momento, a cada encuentro, en cada escena.

“Amanda Y Eduardo” está los sábados a las 22:30 en Puerta Roja, Lavalle 3636, reservas al 4867-4689 o a http://puerta-roja.blogspot.com

LOS SUEÑOS DE COHANACO

2010-10-17T13:25:00.000-07:00

¿Policial?, ¿comedia?, ¿crítica social?

“Promedia el siglo XIX, en la Patagonia profunda… Un grupo de tehuelches liderados por su cacique Cohanaco recorren esos territorios extremos persiguiendo la caza y protagonizando verdaderas epopeyas indígenas. Pero en la aventura no están sólo ellos. Se suman Mr. Sheffer, un marino inglés al que tienen cautivo, y Antonio Lista, un temible criminal chileno que ha escapado del presidio de Punta Arenas y visitará a los indios urdiendo engaños y generando los principales conflictos de la trama. Pero esta obra no sólo imagina una ficción situada en el pasado, sino que también invita a indagar en la actualidad a través de los sueños del cacique. De alguna manera, mientras hoy soñamos con Cohanaco, él se nos muestra a su vez soñándonos a nosotros.” Mariana Chaud

“Los Sueños De Cohanaco”, de Leandro Halperín y Mariana Chaud, quien también es la directora, es la puesta en escena donde juegan a hacer teatro en el espacio con elementos del Cine Negro, códigos de construcción del teatro del Absurdo y mucha agudeza en las actuaciones.

“Los Sueños De Cohanaco” es una propuesta teatral, donde lo terrible está implícito; cuya energía provoca cuestionamientos sobre algunos hechos actuales por ciertas acciones en el pasado. En “Los Sueños De Cohanaco” nos habla sobre los vínculos, la amistad, sobre el alcoholismo, la manipulación, el poder y por sobre todo la génesis de la destrucción de un grupo de personas, que es una denuncia teatral muy interesante de observar.

“Los Sueños De Cohanaco” tiene muy buenas interpretaciones, que están en constante conjugación entre realista y algo caricaturesca –por llamarlo de alguna manera- que tiene mucha coherencia con la puesta en escena. “Los Sueños De Cohanaco” es una obra muy concreta y cerrada que pregunta vertiginimosamente por algunas problemáticas humanas.

“Los Sueños De Cohanaco” está los domingos a las 20:30 en El Camarín de las Musas, Mario Bravo 960, reservas al 4862-0655.

ACTÚAN:
Santiago Gobernori
Luciana Acuña
Claudia Mac Auliffe
Ezequiel Díaz
Lalo Rotavería
William Prociuk
Mariana Chaud

FICHA TÉCNICA

Música original: Emilio Haro

Vestuario: Carolina Sosa Loyola

Iluminación: Matías Sendón

Escenografía: Alicia Leloutre

Asistencia de dirección: Laura López Moyano

Dramaturgia: Leandro Halperín y Mariana Chaud

Dirección general: Mariana Chaud

UNA FAMILIA DENTRO DE LA NIEVE

2010-10-13T14:08:00.000-07:00

DESAFÍO LÚDICO

Por: SATINE

“Una de las mucamas del hotel de la avenida tiene un hijo inteligente y está preocupada. Además tiene otras cuatro hijas mujeres que funcionan como hijas y sobrinas, como primas y nietas con sus respectivas relaciones parentales.

Las cuatro hijas mujeres, de una de las mucamas del hotel de la avenida, evocan a su padre ausente con un muñeco al que hacen vivir dentro de la réplica de una ciudad rusa que hicieron con las cajas de un medicamento que usan para las enfermedades de su piel.

El hijo inteligente, de una de las mucamas del hotel de la avenida, abandona definitivamente la práctica de la escritura al cumplirse la hora cero de su decimotercero año de vida y, decidido, se aboca a la talla y coloreo de vistosos ideogramas que representan lo que él mismo dio en llamar mi pensamiento abstracto puro.”

Esta obra nos propone utilizar el humor y la parodia como recursos válidos para referirnos a aquellos sucesos que causan dolor. En vez de caer en la depresión y pensar que todo podría haber sido distinto, la risa surge como alternativa para enfrentar la desgracia. Explotando al máximo la capacidad de imaginar, de proyectar, de especular y de desear es posible otorgar consistencia y legitimar mediante una lógica autónoma e irreproducible, una realidad que resulta ser más tolerable que la habitual.

Diego Brienza nos ofrece una puesta muy atractiva, confeccionada a partir del detalle exhaustivo. Es interesante advertir la selección y distribución de pequeños objetos que otorgan sentido a la cotidianeidad en la que están sumergidos los personajes. En el centro del escenario, acapara la atención del espectador, una maqueta, que es la fiel representación del imaginario de las hijas. Luces, colores y esperanzas titilan en ésta ciudad en miniatura que aparenta ser más prometedora que la realidad circundante. Fue construida con absoluta delicadeza por quienes han dedicado su tiempo y han encontrado una alternativa para escapar al dolor. Esa obsesión por alcanzar la perfección extrema que se visualiza en la prolijidad del detalle, se corresponde con la obsesión de la ausencia paterna y la configuración de una vida a partir de esa falta.

El espacio está divido en tres partes, a través de las cuales se alude de distinta forma a una única realidad que remite con insistencia, al vacío que dejó el padre. Una de esas perspectivas la proporciona la madre (Andrea Jaet), que tiñe su discurso con una tenue melancolía, evitando así caer en una manifestación desmedida e insólita producto de tantos años de incertidumbre, de soledad y sobre todo, de abandono. Su visión está impregnada de dolor y resentimiento. Por otro lado, están las hijas, ofreciendo una mirada que concilia la imaginación, la frustración del presente y sus propios deseos. A través de distintas asociaciones, ocurrencias e hipótesis que están próximas a considerarse delirios, consolidan un universo simbólico donde es posible encontrar la respuesta a cada interrogante y vivir en una especie de ensoñación con el fin de disminuir el sabor amargo de dicha ausencia. Dedican todo su esfuerzo en la constitución de ésta realidad paralela que se materializa en la maqueta diseñada y construida por ellas mismas. Sus acciones, pensamientos y sentimientos giran en torno a los sucesos que allí tienen lugar. La otra mirada es la del hijo inteligente, que se ubica en otro plano, observa la realidad desde arriba, manteniendo una distancia prudente con su entorno y concibiendo la falta del padre desde una perspectiva racional. Estos tres sectores claramente delimitados se quiebran con la llegada del padre (Eduardo Peralta), quien irrumpe en el espacio con un rostro que condensa el paso del tiempo y escenifica el único presente.

Las actuaciones están en consonancia con esa parte de la totalidad que les toca representar a cada uno. Las hijas se desplazan en el espacio mediante movimientos coreográficos que coordinan con precisión y naturalidad. Parecieran constituir un único bloque que irradia color, alegría y que sumerge al espectador en un ritmo vertiginoso. Sus cuerpos están dotados de cierta mecanicidad que ordena el discurso y las acciones. Èsto se identifica mediante determinados hábitos y modos de juego, que hacen a la dinámica propuesta. Por más absurdo que parezca, reafirman con una sonrisa en el rostro e implementando diversos gestos, la intención de burlarse de su propia desgracia a la vez que evidencian la satisfacción que les genera su elección. El padre altera el equilibrio que se ha logrado instaurar a partir de su ausencia a la vez que desvanece la idealización que sus hijas hicieron de él. Llega deteriorado por el paso del tiempo; no se parece ni en lo más mínimo al muñeco con el cual fue representado. Es ajeno a la realidad en la que se inserta y se expresa con un lenguaje residual que mezcla varias lenguas y que es difícil de decodificar. Lo que prevalece en este intento de comunicación es la intención; la cual es reconocida por toda la familia. Es una interpretación muy bien lograda que pone de manifiesto el deseo de adecuación y el interés por recuperar el tiempo perdido.

Los viernes a las 23:15 en Beckett Teatro, Guardia Vieja 3556, reservas al 4867-5185, o http://www.unafamiliadentrodelanieve.blogspot.com

Carla Vidal
Voz en Off: Jesús Villegas

FICHA TÉCNICA

Vestuario: Cecilia Zuvialde
Escenografía: Cecilia Zuvialde
Diseño de utileria: Cecilia Zuvialde
Diseño de luces: Mariano Arrigoni
Realización de dispositivos lumínicos: Mariano Arrigoni, Guillermo Dramisino
Fotografía: Jorge Marino
Diseño gráfico: Bárbara Delfino
Asistencia de escenografía: Andres Rasdolsky
Asistencia de dirección: Gonzalo Uva
Prensa: Carolina Alfonso
Colaboración general: Vìctor Salvatore
Coreografía: Barbara Hang

Autoría:Guillermo Arengo

Dirección: Diego Brienza

FLORENCIA NAFTULEWICZ

2010-10-06T18:17:00.000-07:00

LA DORA QUE IRRUMPE SOBRE LA NEUROSIS

N. S: En este momento, ¿como se define, usted y su estética?

F.N: No me puedo definir. Se me hace difícil, y mas explicar mi estética. No se, la verdad.

N. S: ¿Tiene alguna filosofía en el teatro que nos quiera compartir?

F. N: Mi única filosofía es poner el cuerpo en el escenario y jugar. No creo en las filosofías del teatro. Es subir y hacer.

N.S: ¿Cómo llegó a la escena? Es decir, ¿cómo llegó a hacer teatro?

F. N: A los 6 años pedía en casa que pongan videos de Enrique Pinti y otros, me pasaba hora sentada frente a la tele mirando esos videos de comedias musicales. Después me encerraba en mi cuarto y reproducía todo lo que me acordaba. Así pase toda mi infancia. Hasta que a los 12 años le dije a mi mamá que quería estudiar comedia musical. Me anotó en la escuela de Ricky Pashkus. Estudie un año en la escuela. Ahí me di cuenta que lo que quería realmente era actuar. Así que deje la comedia por el teatro.

N.S: ¿Hay trabajos que le gustó y que hubiera querido ser partícipe?

F.N: ¡Por supuesto!... ¡Toda obra que me gusta, o que disfruto de ver, o leer! ¡Lo que quiero es estar arriba de un escenario! Cada vez que veo algo que me gusta o grandes actores haciendo grandes cosas, me dan ganas de subir y estar ahí. No puedo especificar por qué me pasa constantemente. Y tengo el deseo de trabajar con muchos actores.

N.S: ¿Cómo decide que material puede trabajar? La elección del proyecto

Generalmente no lo elegimos los actores. Uno se tiene que adaptar a lo que le ofrecen o a lo que surge. No siempre tenemos la posibilidad de elegir

Cuando la tengo me fijo en la obra, que me pasa cuando la leo. Cuando leo un material que me interesa al instante me doy cuenta por que empiezo a imaginar todo acerca de la obra.

Creo que es una sensación interna que me cuesta explicar

N.S: En este caso particular, ¿cómo encontró el personaje? ¿Cómo fue la búsqueda?

Fue un proceso muy largo e intenso. Ensaye todos los días durante varios meses.

Fue un proceso hermoso por que no tratamos de “hacer” nada, ni de llegar a ningún resultado. Creo que el objetivo era investigar, trabajar, hacer, jugar. Nunca me divertí tanto en un proceso de búsqueda.

Era jugar constantemente sin prejuicio con mis compañeros. Poner el cuerpo y ver que pasa… y eso es lo que más me gusta. Así llegamos a Dora.

N. S: ¿Qué o cuales son los primeros impulsos o pulsiones para comenzar un nuevo proceso de trabajo? ¿Por dónde realiza la exploración de su trabajo?

F. N: Creo que tiene que ver con la respuesta anterior. Nunca quise armar un personaje. Fue una búsqueda mía interna. La búsqueda fue trabajada con total verdad. Y poniendo el cuerpo, sin pensar, ni juzgar nada.

N.S: ¿Los impulsos, la gesta de las imágenes, la poética escénica, cómo van construyendo?

F. N: Todo es un proceso, un camino que se va generando. Llega cuando tiene que llegar con trabajo.

N. S: ¿Un ensayo en particular?

F. N: En este momento no podría decirlo. Porque se me vienen muchos ensayos, o casi todos. Por que realmente fue un placer. En todos o casi en todos, se encontraban cosa nuevas.

Investigábamos, discutíamos… realmente un placer….. y más cuando se tiene un equipo de trabajo extraordinario. Y actores y una directora que son un placer.

LAS NEUROSIS SEXUALES DE NUESTROS PADRES

Sala: CELCIT, Moreno 431

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EL PASADO

2010-10-06T17:50:00.000-07:00

APARIENCIA Y REALIDAD

Por: SATINE

EL PASADO es el primer texto de Sánchez que toma contacto con el mundo de la burguesía y atraviesa el tema del amor ilegítimo en el seno de una familia de fuerte poder económico. En la trama, el accionar de la madre desencadena la tragedia que irremediablemente desvanecerá moralmente el universo de una familia acomodada.

En la puesta de Julieta De Simone los personajes masculinos son transformados en femeninos haciendo visible una familia matriarcal en donde las normas impuestas por los hombres –ausentes, en este caso- son asumidas y llevadas a la acción por las mujeres.

La obra pone de manifiesto cómo los preceptos morales, los valores y conductas de cuatro mujeres vinculadas por un lazo sanguíneo, son puestos en duda; y a la vez que se cuestiona esa base aparentemente sólida que rige sus principios de clase, se evidencia la distorsión de un presente que se construye sobre la infortunada elección de un pasado bochornoso. La interacción entre ellas se articula a partir de lo no dicho; lo que se refleja en el andar de los cuerpos, que magistralmente sostienen el peso de lo inconfesable y el temor que les produce el escándalo social.

La elección y disposición de los objetos que consolidan ésta singular puesta realista, configuran desde el detalle exhaustivo, una propuesta espacial muy interesante. Los personajes se esfuerzan por mantener el prestigio y fortalecer la apariencia legitimada por su condición de clase e intentan ocultar detrás de sus pertenecías, el estado de decadencia en el que se encuentran y el desvanecimiento de su moral. Hacia la última escena se torna insostenible seguir encubriendo la verdad y resulta imprescindible quitar el velo, mirar de frente a la realidad y aceptar la repercusión de ese oscuro secreto.

Florencio Sánchez nos proporciona un lenguaje muy cuidado, preciso, refinado y culto que está en consonancia con el ambiente burgués logrado en escena; se corresponde con el estatus social y con la intención de demostrar cierta superioridad fundada en los privilegios de clase. Pareciera que a través de la adjetivación y de la construcción de frases, las palabras refieren las pasiones manteniendo una distancia prudente. Como si éstas no se quisieran impregnar de esa bajeza e ilegalidad de la que tienen que dar cuenta.

Las actuaciones están muy bien logradas; se entrelazan en una totalidad orgánica que se contempla en lo visible así como también se percibe en las acciones internas de cada personaje. Es interesante ver cómo los cuerpos, en constante tensión, se trasladan en el espacio mediante movimientos frenéticos, representando el impacto que produce el choque con ese límite que fue atravesado de manera irremediable. La propuesta del director incluye poner a la vista del espectador el cambio de vestuario y el estado de las actrices fuera de escena, invitándolo a ser testigo de la “transformación” que experimentan al aceptar que les suceda lo que el texto propone.

“El Pasado” está los viernes de septiembre, octubre, noviembre y diciembre a las 21. Apacheta Sala Estudio, Pasco 623.

Actúan

Roberta Blázquez Caló

Luciana Cruz

Mercedes Torre

Sabrina Zelaschi

Ficha Técnica

Diseño de iluminación: Leandro Crocco

Diseño y realización de vestuario: Lara Sol Gaudini

Diseño y realización de escenografía: Paula Molina

Diseño sonoro: Christian Silvosa

Producción: La Compañía Filodramática

Dirección: Julieta de Simone

PROYECTO VESTUARIO

2010-09-19T20:46:00.000-07:00

Comedias despiadadas desde el subsuelo

“Vestuarios es un proyecto que consta de dos obras independientes entre sí, Vestuario de hombres y Vestuario de mujeres. Sin duda existe algo, y no poco, que las relaciona.

Sinopsis

En ambas obras, la anécdota básica es idéntica.

Un equipo amateur de un club de barrio, que practica un deporte llamado Lacrosse, ha logrado clasificar para participar del mundial de clubes de ese deporte que se celebra en una perdida ciudad de Hungría. Y tanta es su suerte que logra llegar a la final.

Cada espectáculo se divide en dos escenas. Una, antes de la final, la otra, una vez terminado el partido. El espacio donde se desarrollan ambas escenas es un vestuario, ese lugar donde lo público y lo privado ocupan lugares inéditos. Los vínculos entre los miembros del equipo y su entrenador, en donde se mezclan afectos, celos y competencias varias, son territorio fértil para que cualquier cosa pueda ocurrir, más allá del resultado deportivo.”

“Proyecto Vestuario” está escrita y dirigida por Javier Daulte, quien se preocupó mucho por la selección de los actores y actrices para cada uno de los procesos. Quien junto a personas que saben del oficio realizaron dos espectáculos cuyos contenidos aparentan ser los mismos.

“Proyecto Vestuario” nos muestra escénicamente un camerino, donde está lleno de deportistas argentinos, donde hay un extranjero que aparentemente se aprovecha de los pobres deportistas argentinos, donde los directores técnicos no tienen la última palabra, donde están más preocupados por otras cosa que concentrarse en el partido, donde se juega mucho más que un mundial, donde se vacía los deseos oscuros, los miedos, las ansias, las traiciones, las vicisitudes de las razones de cada uno porque está en este deporte.

“Proyecto Vestuario” es un acontecimiento hacia lo oscuro, hacia lo humano y nuestra capacidad mostrar nuestra naturaleza. “Proyecto Vestuario” está los viernes, los sábados y los domingos en Espacio Callejón, Humahuaca 3759, reservas al 4862-1167.

VESTUARIO DE MUJERES

2010-09-19T20:40:00.000-07:00

Increíble representación de los deseos

“Un equipo amateur de un club de barrio, que practica un deporte llamado Lacrosse, ha logrado clasificar para participar del mundial de clubes de ese deporte que se celebra en una perdida ciudad de Hungría. Y tanta es su suerte que logra llegar a la final.”

¿Por qué estamos acá? Es una de las preguntas que la entrenadora Sonia hace a las jugadoras. “Vestuario de Mujeres” escrito y dirigido por Javier Daulte, nos responde de manera teatral con la circuntancia de el equipo femenino del Club de Lacrosse de Alamgro.

“Vestuario de Mujeres” es un caos muy ordenado, es la poesía del desorden, de la histeria, de los nervios, de la juventud, de los sueños, de los deseos, de las mujeres, de la calentura. Es una puesta realista, donde el espacio que sucede la acción de en el camerino, en el subsuelo, donde no sólo hay una desnudez física, también una del espíritu.

Las actuaciones están más que realistas, son muy orgánicas y consecuentes, cada una de ellas juega el rol que les toca hacer, estaán siempre presentes en escena y transitando a cada momento pequeñas y grandes acciones internas que siempre terminan en un caudal de desenfreno. A gusto personal, como siempre, destaco mucho a las mellizas María y Paula Marull, Elisa Carricajo, Marcelo Peidro y Debora Zenolli.

Hay una propuesta espacial que no deja respirar a los personajes, donde lo que está oculto y no se quiere decir reclama por un exorcismo de esos deseos. Siempre como una respuesta, en acciones internas y externas de los personajes sobre la pregunta “¿Por qué estamos acá?”. Que no es sólo ganar el campeonato mundial.

Este incríble trabajo en cuanto a puesta y propuesta como espectáculo está los sábados a las 21:00 y domingos a las 20:00, en Espacio Callejón, Humahuaca 3759, reservas al 4862-1167.

Actúan

Sonia: Dana Basso

Aneska: Elisa Carricajo

Enana: Valeria Correa

Bibiana: María Marull

Bárbara: Paula Marull

Adri: Laura Paredes

Gachi: Ana Pauls

Mica: Marcela Peidro

Iris: Débora Zanolli

Male: Magela Zanotta

Ficha Técnica

Asistente de dramaturgia y director adjunto: Héctor Díaz

Asistencia de dirección : Leandro Orellano / Ezequiel Peleteiro

Producción ejecutiva: Sebastián Polito

Escenografía: Alicia Leloutre

Iluminación: Gonzalo Córdova

Vestuario: Mariana Polski

Hakas: Luciana Acuña

Autor y director: Javier Daulte

VESTUARIO DE HOMBRES

2010-09-19T20:34:00.000-07:00

La pasión de ser los mejores de lo peor

“Vestuario de hombres” es la propuesta que nos lleva a pensar hasta donde somos capaces por conseguir algo, ¿qué estamos dispuestos a hacer lo que sea necesario para ganar? ¿Que significa ser los mejores?

En “Vestuario de hombres” la propuesta está encaminada ya no por los deseos sociales y de juventud en un acontecimiento deportivo, sino por la última oportunidad de ser algo o alguien en la vida, de demostrarse así mismo que son los mejores en algo. Javier Daulte junto a un elenco de mucho nivel y un gran equipo de trabajo nos muestra y nos hace transitar a través de “Vestuario de hombres” lo despiadado que somos.

Los intérpretes de “Vestuario de hombres” tienen una descarga de intensidad que es para admirar. Componen matices que surgen desde los oscuros deseos de los personajes. A cada momento el juego se torna más peligroso. Un gran trabajo que refleja el oficio de cada uno de ellos.

Hay una propuesta espacial que no deja respirar a los personajes, donde lo que está oculto y no se quiere decir reclama por un exorcismo de esos deseos. Siempre como una respuesta, en acciones internas y externas de los personajes sobre la pregunta ¿Qué estamos dispuesto a hacer para tener reconocimiento y fama?

Este incríble trabajo en cuanto a puesta y propuesta como espectáculo está los viernes a las 21:00 y los sábados a las 23:00, en Espacio Callejón, Humahuaca 3759, reservas al 4862-1167.

Elenco

Tincho: Joaquin Berthold

Ari: Federico Buso

Gali: Julián Calviño

Pechu: Gerardo Chendo

Colo: Héctor Díaz

Lorens: Juan Grandinetti

Sándor: Walter Jakob

Bocha: Javier Niklison

Shwarzer: Marcelo Pozzi

Hernancito: William Prociuk

Silvester: Ezequiel Rodríguez

Ficha Técnica

Asistente de dramaturgia y director adjunto: Héctor Díaz

Asistencia de dirección : Leandro Orellano / Ezequiel Peleteiro

Producción ejecutiva: Sebastián Polito

Escenografía: Alicia Leloutre

Iluminación: Gonzalo Córdova

Vestuario: Mariana Polski

Hakas: Luciana Acuña

Autor y director: Javier Daulte

FRESHWATER

2010-09-19T20:28:00.000-07:00

Una comedia de Virginia Woolf

“Una comedia absurda y disparatada, en Freshwater el tiempo parece no transcurrir. Entre fotografías, poesía y pintura, los Cameron y sus amistades siguen su excéntrico curso diario hasta que irrumpe un acontecimiento inesperado: el amor - ¡y los ataúdes que por fin han llegado!”

“Freshwater” es una obra muy delirante, juega mucho con el arte, la cultura, las diferentes prácticas del comportamiento en la sociedad y la realeza. “Freshwater”, la versión de María Emilia Franchignoni que hizo sobre la obra de teatro de Virginia Woolf, es una propuesta que busca un delirio elegante como forma de reflexión; en “Freshwater” hay una crítica social a las posturas, a los enmascaramientos, a la aparentación, al arte, a la cultura, a una cierta clase de la sociedad.

“Freshwater” “parodia” ciertas circunstancias sobre la sociedad de ahora con otras de una época muy distante; pero, entre ellas hay puntos de encuentros, donde podemos observar la pasión desenfrenada por crear “la belleza” y no vivirla. Por teorizar, crear y captar el momento sublime de la vida y no dejarse llevar por ella. Por la falta de amor, por la falta de algo o alguien concreto porque vivir y no hacer la re-presentación de la vida plasmándola para la posteridad. Es una puesta llena de metáforas sobre ciertos vicios que tienen los creadores y constructores de metáforas, algunos son llamados: artistas.

Hay un gran trabajo en las caracterización de los personajes, como un buen manejo de la métrica en la forma de transitar las palabras. Cada personaje tiene matices que están entre lo coloquial, lo paródcio y lo real, todo ello los hace único en el propio juego de la re-presentación. Al igual que los elementos de la escenjografía y el vestuario, el trabajo con los actores va por la misma identidad de la obra.

No sólo va a ver por primera vez los que algunos denominan la primera representación en español de la única pieza teatral de Virginia Woolf, también va a pasar un buen momento de delirio basado en hechos y personajes históricos contemporáneos a la autora inglesa. “Freshwater” está los domingos a las 20:00, en la Ciudad Cultural Konex, Sarmiento 3131.

ACTORES:

Marcela Bea como Julia Margaret Cameron

Félix Tornquist como Charles Hay Cameron

Miguel Amestoy como George Frederick Watts

Guillermo Somogyi como Alfred Lord Tennyson

Manuela Fernández Vivian como Ellen Terry

Victoria Páez como Mary Magdalen, la criada

Gabriel Schapiro como John Craig

FICHA TÉCNICA

Autor: Virginia Woolf

Diseño de vestuario: Sofía Di Nunzio

Asistente de vestuario: Emilia Tambutti

Escenografía: Julieta Ascar

Asistencia de escenografía: Lucrecia Marchese

Diseño de iluminación: Leandra Rodríguez

Diseño Gráfico: Bruno Rafaelli

Fotografía: Luciano Damiao y Pilar Benítez Vibart

Prensa y Comunicación: Duche&Zárate

Producción General: Ma. Emilia Franchignoni

Producción Ejecutiva: Martín Lavini.

Asistente de producción: Marisol Delgado.

Dramaturgismo y Puesta en escena: Ma. Emilia Franchignoni

Dirección de Actores: Alejandra Flores

Dirección General: Ma. Emilia Franchignoni