BABY CALL

Entre Manuales, la realidad y lo que uno es

Mary controla a Teresa por Baby Call. Mary no es madre ni Teresa un bebé. Teresa es una mujer abandonada de cincuenta y pico, Mary es su mucama de treinta. Teresa habla, Mary escucha y contes­ta con golpes en el techo. Hasta que un día se escuchan otros ruidos y esos ruidos se convierten en extraños que irrumpen en la casa para ro­bar y encierran a Teresa con Mary en el cuarto de servicio. Por el baby call pueden escuchar lo que hacen los ladrones.

“Baby Call” escrita y dirigida por Sofía Wilhelmi, es una obra que se presentó en el marco de Bienal Arte Joven Buenos Aires. Que en este caso tuvo la tutoría y la colaboración de Alejandro Casavalle y Valeria Ambrosio, entre otros.

“Baby Call” nos presenta una hipótesis escénica enmarcada entre la línea delgada de lo inverosímil y lo absurdo. La obra juega una situación extrema, el asalto a una casa, que detona ciertas características de los personajes que algunos lo calificaría como personaje prototipo; pero, lo que importa no es la situación extrema, sino la obligación de que debes y tienes que comportante de una manera u de otra para cada situación.

“Baby Call” nos señala diferentes tipos de comportamiento de los personajes; y, están enmarcados en dos espacios; el primero: es el que está en sombra, es el espacio de la casa de la señora, un lugar donde se supone hay muchas habitaciones pero aún así no tiene lugar para el deplazamiento; el segundo, es el de donde duerme la mucama, es el cuarto del servicio, es iluminado, ordenada y algo acogedora; espacio donde se transforma en ámbito escénico.

En esos dos espacios, “Baby Call” retoza a estos personajes, tan singulares como muy bien construidos, muy orgánicos y funcionales para: la escena y crear ese ambiente de inverosímil como resultado de la reacción por las diferentes situaciones; personajes que huyen de un manual de comportamiento, tratan de liberarse de lo que son. Los actores que dan vida a estos personajes y transitan las situaciones de una manera sutil son: Cecila Caillon Serrana Diaz, Mauro Pelandino, Demián Salomón y magdalena Toro.  

“Baby Call” tiene un diseño y una dirección de arte muy cinematográfica; hay un equilibrio de colores, la iluminación acompaña a la acción de la situación. El mismo ámbito envuelve al público con un aire muy extraño, con un “espíritu” fresco y ordenado.

Esta hermosa pieza de teatro, donde se va divertir, tal vez enriquecer de conocimientos y saber cómo comportarse en situaciones extremas, por eso y más tiene que ver: “Baby Call”, que está los lunes a las 21:00 en Teatro Del Abasto, Humahuaca 3549. Reservas: 4865-0014

MORALAMORALINMORAL

Entrega de cuerpos y almas

"Moralamoralinmoral" propone un ensayo constante de prueba y error en la búsqueda de respuestas a ciertas inquietudes sobre la moral y las formas contemporáneas de composición escénica. No hay principio, nudo o desenlace; y la construcción pasa por la destrucción. Se plantea un recorrido en el que los temas a tratar se vacíen o resignifiquen constantemente de moral o de su propio sentido. Una propuesta abordada desde el humor como canal directo, que permite despojar de prejuicios la exposición despreocupada de sus intérpretes y con una estética "cotillón" que da curso a la continuidad de la obra; en donde las escenas no terminan de desarrollarse sino que se agotan en sí mismas de sentido, y por lo tanto mueren para pasar a un próximo intento.

“Moralamoralinmoral” es uno de los siete espectáculos que ganó Artes Escénicas de la Bienal Arte Joven Buenos Aires (seleccionados a partir de una convocatoria a la que se presentaron más de 150 proyectos), fue producido por la Bienal y contó con la tutoría de Random Creativos en colaboración con Carlos Casella.

Algunos pueden decir que “Moralamoralinmoral” es teatro físico, tal vez mero teatro de acción; pero, lo que estoy seguro, es que “Moralamoralinmoral” es una propuesta de escena con mucha honestidad y sobre todo una entrega muy poco vista en la escena porteña: se juegan la vida.

“Moralamoralinmoral” es una creación creativa y de codirección de cuatro intérpretes que oscilan entre 22 a 24 años, ellas son: Marta Salinas, Agustina Fitzsimons, Brenda Lucía Carlini y Milva Leonardi.

La propuesta de “Moralamoralinmoral” va por un juego de interpretación; por medios de acciones físicas y concretas, las intérpretes, crean imágenes sobre ciertos temas e ítems despojándose de algún juicio de valor; ellas sólo se apoyan en la misma propuesta de prueba y error y no pretenden ir más allá de ese lugar, desde la subjetividad de la manera de exponerlas; en resumen “Moralamoralinmoral” resulta ser una obra que provoca a esa  especie de test de Rorschach para el público.

La puesta en escena minimalista, la construcción del espacio, el mostrar “el artificio” de cómo se va gestando la situación, los cuerpos atentos, todas ellas llenas de energía y de absoluta entrega para la prueba y el error, a pesar si se lastiman seriamente o no (por falta de técnica o por madurez en escena para la representación), el equilibrio de la iluminación, del vestuario, la sobriedad de los juegos escénicos y más, hacen que “Moralamoralinmoral” sea una obra que al público lo transforma en espectador, ya que constantemente lo mantiene expectante.

“Moralamoralinmoral” es una obra donde no hay una pretensión de puesta en escena y está en uno si quiere darle un sentido más allá de lo que es, una hermosa creación escénica de mucha entrega de cuerpos y almas.

A no perdérsela, ya que “Moralamoralinmoral” está los miércoles a las 21:45 en Espacio Callejón, Humahuaca 3759, reservas: 4862-1167.

FICHA TÉCNICA.

Intérpretes y dirección: Brenda Lucía Carlini, Agustina Fitzsimons, Milva Leonardi, Marta Salinas / Asistente general: Julieta Ciochi / Escenografía y Vestuario: Mariana Tirantte /Diseño de Iluminación: Matías Sendón / Asistente de Iluminación: Sebastián Francia / Diseño Gráfico y Fotos: Pablo Viacava (WeArePasto.com)

RULETA ROSA

Una conmovedora experiencia 

Ruleta Rosa es una pieza teatral íntima donde quien mira es parte del espectáculo, lo presencia desde su interior, desde la intimidad. Cinco personajes que cambian azarosamente de amante, como en un juego, las combinaciones amorosas varían, como así mismo las tácticas de seducción y los lazos que se van estrechando entre ellos. Ruleta Rosa habla del amor y del comportamiento humano, de quiénes somos cuando estamos frente al otro. La obra busca indagar en la fugacidad de las relaciones, en lo profundo y lo superfluo de cada uno de los vínculos que los unen.
La idea surge del deseo de plasmar la sexualidad hoy, desde la visión de distintos personajes que se vinculan íntimamente. Como motor de partida tomamos la dramaturgia del austríaco Arthur Schnitzler, “La Ronda”. Con esto, más ejercicios de improvisación y la experiencia personal de cada uno de los actores, queremos generar material dramático para así concretar nuestra historia, surgida del imaginario del elenco y el equipo de trabajo.
La obra transcurre en un espacio vacío y el escenario es circular. Esta puesta genera una arena en donde el público está al mismo nivel que el actor compartiendo la intimidad del espacio.

“Ruleta Rosa” es una creación colectiva cuya propuesta no es nada convencional. 

“Ruleta Rosa”  es un juego metódico del amor, la búsqueda constante de seducción y el roce secreto con el minimalismo en la representación.

“Ruleta Rosa” es una encantadora obra y una pieza muy personal que está bajo la dirección de Nibaldo Maturana.

“Ruleta Rosa” es una pieza que está presentada de forma circular; un espacio que crea un ámbito y una atmósfera sublime; un espacio cuyo relatos son fragmentados como el espacio, que es ese mismo lugar dónde los actores conviven con los espectadores cuando acontecen las historias, es ese mismo lugar dónde el público se adueña del relato y observa de forma latente las piezas fragmentadas de amor.

Las atmósferas constantemente son sudadas por el juego constante de los actores: Mirko Delfino, Jonathan Charcape, Sebastián Fíaño. Christian Nieves y Ariel Sández; todos ellos  tienes una misma energía, están totalmente abiertos a la experiencia sin perderse nada, abiertos a los errores y a los aciertos; todos ellos tienen mucha presencia escénica que la utilizan por el beneficio de la obra y van generando esos climas, esas atmósferas que son para espectar..

“Ruleta Rosa” es una excelente propuesta que de convencional no tiene nada

 “Ruleta Rosa” es una experiencia sutil para los sentidos.

“Ruleta Rosa” rompe muchos tabúes en escena y es un juego que se agradece por ser un buen espectáculo.

Funciones Miercoles 13, 20 y 27 de Noviembre. CASA BRANDON Luis María Drago 236 21:00hrs

Dirección: Nibaldo Maturana

Elenco: Mirko Delfino Jonathan Charcape Sebastián Fíaño Christian Nieves Ariel Sández

Asistencia de Dirección: Sherry Denis

Vestuario: Helgalís Ramos

Diseño Gráfico: Ale Goldin

Fotografía: Claudio Campi

Producción: Mary Machine

Diseño de luces: Karen Utrera

Diseño Sonoro y montaje: Claudio cabello F.

HP

Un magnífico “trabajo en proceso” terminado que critica el arte

HP surge de una noticia policial: en marzo de 2006 comenzaron a aparecer los restos de un cuerpo mutilado, esparcidos en distintos lugares de Santiago. Cuando “el descuartizado de Puente Alto” pudo ser identificado, se supo que era un joven de 20 años, con una historia de desenfreno y desamparo que lo convirtió en un paradigma de la marginalidad en el Chile postmoderno. La Compañía Teatral Chilena La Nacional decide llevar al teatro la historia del descuartizado, convoca a Luis Barrales para que la escriba, y con el apoyo del Fondo Nacional para el Desarrollo del Arte la estrena al año siguiente en el Teatro del Puente.

H P/Hans Pozo es la obra que está escrita por Luis Barrales y está bajo la aguda dirección de Gisel Sparza, quien propone una ejecución escénica política y teatral a la vez; la directora con su “trabajo en proceso” dibuja una línea que está entre la denuncia y la transformación: denuncia el arte que surge de un hecho horrible y lo transforma en un acto escénico estético fragmentado.

El hecho horrible que se delata es lo que pasó realmente, que casi nadie lo sabe, pero surge de un hecho policial, de una crónica roja, donde algunos mencionan que fue un niño el que observó a un perro callejero jugaba con un pie humano. Así, por todo Santiago se fue descubriendo restos humanos hasta que descubrieron que se trataba de un hombre que prestaba su cuerpo para servicios sexuales, cuyo nombre era Hans Pozo.

De esta manera hay varias versiones de la historia y de la crónica que Hans Pozo, como también otras obras de teatro que se basan en ella. Lo interesante de HP/Hans Pozo es que critica y compone esas visiones desde un trabajo inacabado, fragmentado, que parece no tener unidad pero en el fondo hay componentes muy importantes de búsqueda no de la “verdad” de lo que sucedió, sino de lo que les sucede a HP/Hans Pozo como acto estético ante las historias y crónica de Hans Pozo.

Podemos decir que en el relato, hay una historia de sexo, drogas, amor y cumbia detrás de la crónica policial de Hans Pozo. En el “trabajo en proceso” HP/Hans Pozo juega con el peligro de ese esbozo de transformarlo en una historia de mero entretenimiento.

A su vez, hacen varios planteamientos muy importantes desde la obra, desde su puesta en escena y desde la estética fragmentada sobre la visión que toman sobre la crónica policial de Hans Pozo. Estos planteamientos son los que resuenan como reflexión, como crítica y como pregunta en el espectador, y se agradece que una obra que no esté terminada y esté en el mero proceso de puesta en escena te haga ese planteo.

Al mejor estilo de los rounds de improvisación, pero con nada dejado al azar, HP/Hans Pozo se estreno el jueves 5 de septiembre en el Teatro Mandril del barrio porteño San Cristóbal gracias al Colectivo chileno La Obra; un espectáculo escrito por Luis Barrales Guzmán, “Mejor Dramaturgo chileno” en 2010 con el premio Altazor.

HP está basada en la cobertura mediática de un asesinato de un joven producido en el 2006 en Santiago de Chile. Se trataba de un muchacho pobre que fue encontrado desmembrado y por partes. La construcción de realidad que hicieron los medios sobre su muerte produjo tal interés en la opinión pública chilena, que se pusieron en evidencia los límites de la marginalidad y de la condición moral de vida en una sociedad altamente influenciada por el modelo de vida neoliberal de las últimas décadas.

La puesta en escena fragmentada de HP/Hans Pozo magnifica la problemática de la representación de contar un hecho de crónica policial sin caer en el "moralismo" o una visión superflua del hecho. 

La estética de la transformación de los actores en personajes, el cuestionamiento en escena de que: si el trabajo de interpretación va por buen camino, y esas preocupaciones burguesas comunes del actor de sentir al personaje o investigarlo llevan a la paradoja misma de saber si se comprende o no el hecho como tal, haciéndolo a un lado, como otra crónica roja más y la vida continúa.

Esa propuesta es la que da valor como estética y problematiza la delgada línea de transformar en denuncia en el mismo proceso creativo estético. Ya que si bien HP/Hans Pozo es un acto estético no pierde esa noción de recordar el hecho de la crónica policial.

En otras palabras, critica a las obras de teatro basadas en un hecho real porque se transforman en una obra estética perdiendo todo el sentido que lo germinó y eso siempre va a estar presentada de forma fragmentada en el imaginario.

HP/Hans Pozo, por suerte y se agradece, tiene cuatro actores de muy buen nivel y que sean chilenos -uno puede perderse en sus modismos, pero no de los múltiples sentidos que evocan-, cabe destacar los trabajo de Majo de la Cruz y a Nibaldo Maturana.

HP/Han Pozo es una propuesta minimalista, con muy pocos recursos escénicos, que utiliza la proyección de diapositiva de manera fragmentada, y construyen mundos aportando así a los actores y al relato transformarse en un magnífico “trabajo en proceso” terminado que critica el arte.

HP (Hans Pozo) está los jueves a las 23:00 en Teatro Mandril, Humberto 1° # 2758 .

DRAMATURGIA- LUIS BARRALES GUZMAN

ELENCO-

NIBALDO MATURANA

MAJO DE LA CRUZ

JAVIER SALAMANCA

DANIELA MORAGA

DIRECCION- GISEL SPARZA SEPULVEDA

DISEÑO INTEGRAL- KAREN UTRERAS
FOTOGRAFÍA FIJA- MARISOL MARTIN

HISTORIA DE AMOR (ÚLTIMOS CAPÍTULOS)

Sólo se necesitan: un primer hombre, una mujer, un segundo hombre

Dos hombres y una mujer intentan contar/escribir la historia de amor que vivieron los tres juntos. Este es el resumen de la historia: Vivíamos los tres juntos -dice el Primer Hombre. Alguien traiciona. Historia de amor es el intento y la imposibilidad de reconstrucción de esa historia. El ejercicio del recuerdo configura sus versiones: Historia de amor es una carta, una canción, un libro, una llamada telefónica, un trabajo. Y, a veces, el relato parecería ser más exacto, más exacto que lo que había sido la realidad que los tres habían vivido.

En 1983,  se publicó en un tomo, siete obras del  fallecido dramaturgo francés Jean-Luc Lagarce, en esa primera colección estaba el texto Histoire d'amour (repérages). Siete años después, en 1990, en el tercer tomo, Lagarce presentó Histoire d'amour (derniers chapitres), “Historia de Amor (Últimos Capítulo)”. Texto que el director Marcelo Velázquez lleva a escena no sólo con una agudeza de puesta en escena, también con mucha simpleza.

La propuesta escénica de Velázquez que tiene con “Historia de Amor (Últimos Capítulo)” es un juego entre rupturas y convenciones. La ruptura está en la forma de contar el relato, la convención es la historia de amor que se relata.

Ese encuentro está impecablemente presente en la puesta en escena de “Historia de Amor (Últimos Capítulo)”. Por ejemplo: el espacio, el ámbito que transitan los personajes es muy oscuro, muy vacío, no está completo, sólo se da signos de ciertas cosas; pero, la convención: de los actores, de la presencia escénica, del espacio y de los climas es vigorosa, llena de energía, latente.

Todos los habitantes se habrán ido – una historia así.

Todos los habitantes se habrán ido sin dejar dirección,

no queda nadie,

todos se fueron sin que se sepa, sin decírselo a él.

Nunca me dicen nada.

Desaparecieron.

- eso piensa-

Fragmento de “Historia de Amor (Últimos Capítulo)”, la voz es El Primer Hombre

 Los actores cuando hacen a los personajes realizan sutilezas muy bien construidas en los matices. Hay una armonía de tiempo, de silencio en la repetición, como si fuese algo sagrado hacerlo dentro de la representación. Existe momentos de equilibrio perfecto donde las figuras parecen estar en el caos, pero solamente descansan muy atentos, esperando su turno para intervenir en el relato.

En la puesta de escena de Velázquez de “Historia de Amor (Últimos Capítulo)” es un quiebre a la instalación de la representación teatral, del relato escénico y de lo que nunca se terminará de construir. Cautiva mucho el vínculo estrecho que tiene la idea de representación de Lagarce en el texto con la aguda propuesta de Marcelo Velázquez, que hace un puesta en escena de algunos mecanismos de la representación, donde el límite de la ficción es efímero.  

“Historia de Amor (Últimos Capítulo)” está todos los domingos a las 18:00 en ElKafka Espacio Teatral, Lambaré 866, reservas a 4862-5439

Ficha Artística/Técnica

Autoría: Jean-Luc Lagarce
Traducción: Mabel Crescente
Actúan: Marcelo Bucossi, Mercedes Fraile, Daniel Goglino

Vestuario: Julio Suárez

Diseño y realización de escenografía: Ariel Vaccaro

Diseño de iluminación: Alejandro Le Roux

Música original y diseño sonoro: Pablo Bronzini

Audiovisuales: Román Melendrez

Fotografía: Aixa Alcántara

Diseño gráfico: Vanesa Bisutti

Entrenamiento vocal: Natalia Cappa

Asistencia de dirección: Christian Di Desidero

Prensa: Duche&zarate

Dirección: Marcelo Velázquez

Funciones: Domingos a las 18:00
Duración: 70 minutos

Elkafka Espacio Teatral
Lambaré 866 (mapa)
Ciudad de Buenos Aires, Argentina
Tel.: 4862-5439
http://elkafkaespacioteatral.blogspot.com

LA POETA Y SU NOVIA ACTRIZ

El amor entre las opuestas

La obra narra la historia de amor entre Martina (La poeta) y Andrea (La  actriz) en diferentes momentos de sus vidas. La pasión por el teatro las juntó en los patios del conservatorio cuando apenas tenían veinte años. Luego sus caminos se bifurcaron y hoy se vuelven a encontrar. Pasaron años sin saber una de la otra. Sin embargo se miran a los ojos y es como si se derribara el tiempo. El amor no muere. Se transforma.

“La Poeta Y Su Novia Actriz”, escrita y dirigida por Patricio Abadi, es una propuesta dónde expone personajes, ambiente y climas totalmente opuestos pero que se complementan; la obra juega mucho con el discurso narrado para luego volverse diálogo. “La Poeta Y Su Novia Actriz” es una puesta irrumpida bruscamente por el amor, el abandono, los celos, el odio, las palabras y dos cuerpos femeninos que se complementan.

“La Poeta Y Su Novia Actriz” parece ser la metáfora del vínculo que existe entre el discurso y el sentimiento, lo físico con lo intelectual, el amor con el odio, el día con la noche, los celos con la confianza, los ambientes abiertos con los cerrados, los pantalones con las faldas, etc. Es una propuesta que exhibe un abanico de tormentosos momentos guiado por dos mujeres que se aman; pero, una es actriz y la otra, poeta.

En “La Poeta Y Su Novia Actriz” hay una expansión constante de prepotencia y de denuncia, siempre es una contra la otra; cada una tiene su versión de los hechos, cómo sucedió la ruptura, cómo se conocieron, qué hicieron después de eso. Ambas se denuncian: la actriz explica que la poeta necesita vivir como “poeta maldito” para poder trabajar y tener material para escribir; la poeta denuncia a la actriz porque es… actriz contemporánea.

Umbra Colombo es la actriz que jugó de manera exquisita a ser actriz, a que llora a cada momento, a que trata de presionar e impresionar a su poeta; Colombo trabajó con mucha delicadeza esa figura, además bien su cuerpo era una herramienta para que los textos cobren vida.

Laura López Moyano, como siempre, es muy buena actriz que: con sus gestos característicos, su fortaleza en las palabras, la energía que evoca para organizar a un personaje que quiere ser maldita, nos va llevando a través de los sentimientos y los sentidos.

“La Poeta Y Su Novia Actriz” está los viernes a las 21:00 en Onírico, calle Fitz Roy 1846; reservas al 4776-5241.

LAS REINAS DEL STRIP

Más allá del objeto

Una noche llena de lujo, glamour, sofisticación y belleza, para celebrar con un brindis a nuestras Nueve Reinas que, como Diosas Mitológicas, desnudarán sus cuerpos y sus emociones, haciéndote imaginar una realidad tan íntima como diferente. El erotismo y la diversión se dan la mano con la reflexión y el talento, para hacernos entender que si sabemos de que se trata el sexo, sabremos de que se trata la vida. Masculino? Femenino? Hermafrodita? Descubrilo. No seas indiferente por lo diferente. Jugate. Las Reinas te esperan.

“Las Reinas del Strip” es un juego de palabras, de filosofía básica, de energía y de suave erotismo para averiguar cuanto uno sabe de sexo. Es un espectáculo dirigido por Reina Reech y un gran equipo de trabajo.

“Las Reinas del Strip” como espectáculo juega con una breve presentación  donde se conjuga breves entrevistas al público para hacer la introducción al cuadro musical. La presentadora es una genia que se va cambiando de vestuario constantemente, a veces sólo le basta un boa de plumas, tiene una mirada muy interesante que es algo tímida y no es erótica; pero, el juego que ella hace con el público no es para nada tímido.

“Las Reinas del Strip” es un show constante de toples que tiene varios cuadros que van hablando de los mitos, de los dioses o de algunas fantasías sexuales, transformándolas en un erotismo que no está jugada con profundidad, sólo está esbozada, ya que deja que la imaginación al público lo complemente.

Emiliano Pi Alvárez un bailarín con mucha energía, mucha entrega y una técnica de buen nivel. Flor Beltramo, Evangelina Bourbon, Sol Camardella, María Laura Cattalini, Sabrina Lis Gay, Martina Lupardo, Martina Nikolle, Barbara Reali y María Valencia son excelentes bailarinas, predispuestas a jugar un poco en escena, ellas se mueven con pasión y energía. Hay que aplaudirlas porque están ahí, semi-desnuda mostrándose y moviéndose. No muchas actrices y bailarinas se atreverían a hacerlo. 

La música está realizada de una manera sublime, con la fuerza necesaria para deleitarla en todo los cuadros. Los vestuarios un gran trabajo visual que resume, contiene y resuelve la situación, la diosa o mito que representan. El diseño de luces es concreto y eficaz que está al servicio de la escena como el juego multimedia.

“Las Reinas del Strip” está los miércoles, jueves y viernes a las 21:00, sábado a las 21:00 y a las 23:00; está en el teatro Maipo  Kabaret, calles Esmeralda 443; reservas al 5352-8384.