A DONDE VAN LOS MUERTOS (LADO B)

Sencillo y Creativo

Los integrantes del Grupo Krapp son bailarines, actores y músicos que desde el año 2000 trabajan juntos orientando su actividad a la investigación creativa. Sus obras, fueron presentadas en Argentina y en importantes festivales de Latinoamérica, Europa y EEUU. Krapp dictó workshops y realizó residencias en la Universidad de Austin (Texas-USA), ADF (Durhaim-EEUU), Colgate University (New York-EEUU), Ann Arbor University (Michigan-EEUU) entre otras.

ADONDE VAN LOS MUERTOS (lado B), es una obra que habla de otra obra, de una obra del futuro, de una obra sobre la muerte.

Este trabajo se apropia de la futura obra y la presenta en una sucesión de escenas compuestas por material en bruto casi sin editar, exponiendo sin pudor sus mecanismos de construcción, develando sus herramientas, sus pruebas fallidas, las dudas, las preguntas más íntimas, el fracaso completo.

Si la muerte es el motivo principal de aquella obra del futuro, la imposibilidad de representarla es el problema de ésta.

¿Es cierto que lo primero que se olvida de alguien que muere, es el sonido de su voz? ¿A quién vería por última vez? ¿Qué prefiere: bailar la muerte o matar la danza? ¿Es la muerte parte de un plan? ¿Dormir es parecido a morir?

Si uno mira “Adonde Van Los Muertos (Lado B)” desde el lado de una presencia escénica de manera clásica, donde los cuerpos están latentes y sólo pertenecen y funcionan en ese mundo de la historia, uno podría encontrarse perdido ante esta obra, pero la va a disfrutar.

“Adonde Van Los Muertos (Lado B)” es la creación del Grupo Krapp, donde proponen interrogantes ocultos en otras interrogantes, preguntas capciosas dentro de otras aún más engañosas, que al final uno no deja de pensar en lo simple y lo complejo que resulta una propuesta así. Ese es el punto de “Adonde Van Los Muertos (Lado B)”, dejar al espectador con preguntas más que respuestas.

“Adonde Van Los Muertos (Lado B)” es una propuesta muy llamativa, donde la apuesta de la puesta en escena está en el juego entre el silencio y el ruido, lo mecánico y lo improvisado, en el encuentro del momento, en lo que parece ser un evento, pero todo está planificado. Siempre crea inquietud y esa es la virtud de “Adonde Van Los Muertos (Lado B)”.

“Adonde Van Los Muertos (Lado B)” está los miércoles a las 21:00 en Espacio Callejón, calle Humahuaca 3759, reservas al 4862-1167.

EQUIPO
Creación e interpretación
Luciana Acuña, Gabriel Almendros, Luis Biasotto, Edgardo Castro, Fernando Tur

Coreografía y Dirección
Luciana Acuña, Luis Biasotto

Música original en vivo
Gabriel Almendros, Fernando Tur

Escenografía
Mariana Tirantte
Asistente escenográfico
Gonzalo Córdoba Estévez

Iluminación
Matías Sendón
Dirección video y montaje
Alejo Moguillansky

Asistencia video
Santiago Esteves

Sonido video y sonido en vivo
Rodrigo Sanchez Marino

Iluminación video
Agustín Mendilaharzu

Prensa
Claudia Mac Auliffe

Entrevistados

Julián Tello, Gabriel Barredo, Horacio Barredo, Rodrigo Sanchez Mariño, María Villar, Alejandro Karasik, Nele Wohlatz, Luciana Kirschenbaum, Sebastián Lingiardi, Maitina De Marco, Ambra Maniscalco, Ivan Rudnitzky, Claudia Schijman, Natalí Claut, Gaston Claut, Nicolás Claut, Luis Fernandez Arroyo, Ema Fernandez Arroyo, Martín Sandoval, Guilherme Morais.

Creación GRUPO KRAPP

LA ANTICRISTA Y LAS LANGOSTAS CONTRA LOS VÍRGENES ENCRATITAS

Entre el Verso Intenso y el Cuerpo Latente

“Como los Rolling Stones, la leyenda cuenta de la Gobernadora de una provincia imaginaria llamada Santiago del Heztero en un país imaginario llamado Harjentina quien se hace periódicas transfusiones de sangre para rejuvenecer. Ella no lidera una banda de rock, sino un territorio arrasado por sí misma primero y por una plaga de langostas después. Se encuentra sola en la casa de gobierno, sin servidores ni transfusiones. Como Fausto, pacta con el Diablo, quien le envía dos langostas como agentes. Los bichos le señalan dónde obtener más sangre para que siga gobernando: la única chacrita que las langostas no pudieron devorar, por ser vivienda de un padre santo y tres hijos varones vírgenes. Los chicos nunca vieron una mujer en su vida y la milenaria gobernadora-vampira será su esperpéntico debut.

¿Logrará la satánica mujer chupar la sangre de los gauchitos? ¿Podrá el Tata combatir esta infección en su modesto y pequeño mundo privado? ¿Se liberará por fin Santiago del Heztero de su tiranía?”

Con un texto escrito en verso y retomando el auto sacramental, esta propuesta escénica, nos introduce en un mundo devastado por sus gobernantes y una plaga de langostas; como una metáfora crítica donde uno realmente piensa si el eufemismo creativo es sólo un juego provocativo; también, lo interesante es la manera en que se narra la acción a través de un texto, que a pesar de ser humorístico, que uno cree que se presenta como un pretexto deja entrever una opinión sobre la sociedad Argentina.

“La Anticrista Y Las Langostas Contra Los Vírgenes Encratitas” está dotada de actuaciones expresionistas y un elenco muy comprometido con un buen trabajo actoral; todos ellos apoyados por un músico en vivo que aporta de manera precisa y exquisita a los acontecimientos que la obra expone. Este montaje propone quiebres de música, manteniendo la atención del espectador en todo momento.

“La Anticrista Y Las Langostas Contra Los Vírgenes Encratitas” es una obra fresca, con un texto interesante y con actuaciones lúdicas. El lugar donde se están dando las funciones es en la Ex fábrica IMPA, ubicada en la calle Querandíes 4290, zona de Almagro.

Ficha técnica

Elenco:

Omar Calicchio ● Daniel Campomenosi ● Marco Antonio Caponi ● Gerónimo Espeche ● Alejandro Ibarra ● Jorge Priano ● Pedro Velásquez ● Hernán Vives ● Fanny Bianco

Música y Tiorba: Hernán Vives

Coreografía: Alejandro Ibarra

Escenografía e Iluminación: Gonzalo Córdova

Vestuario: Sofía Di Nunzio

Asist. de Iluminación y escenografía: Facundo Estol

Pelucas: Alejandro Granado

Preparación Vocal: Lucila Gandolfo

Arte: Diego Freijomil

Asistente de dirección: Florencia Ravera

Texto y dirección: Gonzalo Demaría

CURUPAYTY

Trascendencia de una cultura.

Por: SATINE

Mediante un procedimiento de reconversión de documentos varios sobre "la guerra de la triple alianza" llegamos a ficcionalizar un hecho. Tomamos la odisea del pueblo paraguayo en aquel genocidio pensando así: CURUPAYTY, el mapa no es un territorio.

Donde el pasado fantasmagóricamente testimonia lo que el presente genera como pensamiento dramático.

Curupayty, es una experiencia conmovedora que propone un acercamiento a la devastación del pueblo paraguayo como consecuencia de su participación en la guerra de la Triple Alianza. La puesta de la obra se constituye como una imagen viva del campo de batalla, donde los cuerpos ya fragmentados, luchan por la trascendencia de su cultura. La sensorialidad de cada escena, lograda a partir de la elección y combinación de diversos sonidos, potencia el clima de guerra y sumerge al espectador en un ritmo variable que se modifica de acuerdo al grado de tensión que exige la escena.

Molina, captura la esencia del suceso histórico y trabaja en varios planos para trasladar dicha esencia a la puesta de la obra. Propone un clima donde el silencio es transgredido por sonidos tales como el impacto de una pisada en la superficie de paja, el eco de un quejido desgarrador, el golpe seco de una lanza, el traslado de un cuerpo sin vida; paralelamente a estos sonidos que se diluyen y se reiteran en acciones concretas, se percibe con claridad, el sonido del arpa y la cadencia propia de la lengua Guaraní que fluyen intensamente sin interrupciones y representan lo autóctono del pueblo paraguayo, como símbolo inalterable de la herencia cultural. Por otro lado, se apropia del espacio implementando determinados mecanismos que instalan a los actores en escena y promueven una secuencia de desplazamientos que se llevan a cabo a través de movimientos sutiles y precisos. Éstos generan un efecto de rotación que convoca al portador de la palabra y se alteran a medida que aumentan los cuerpos sin vida. El espacio sufre distintas modificaciones que derivan del cambio en la disposición de los cuerpos. La posición y el estado de éstos se transforman durante el transcurso la obra; se pierde el equilibrio en el momento en que se percibe que la cantidad de hombres muertos supera a la de hombres vivos. Se reclama un estado inicial que nunca podrá ser recuperado. Al finalizar la obra, se distinguen en escena dos mujeres, que ahogadas en la desesperación, extienden su mirada por encima de los hombres caídos.

Los actores transmiten la tristeza, la desesperación, y la impotencia que les genera la situación de guerra a la vez que se mantienen firmes proyectando la valentía y los ideales de su pueblo. Las escenas parecieran estar enmarcadas por la narración de un actor, Mario Alfano, que mantiene cierta distancia respecto del derramamiento de sangre y asume el rol de historiador. Tiene por objeto contextualizar los hechos, enunciar las internas políticas y ofrecer la certeza en la que se constituye la historia oficial. Esta mirada se pierde en la intensidad de los actores que reconstruyen los sucesos desde el campo de batalla y le proporcionan sus testimonios al espectador, invitándolo a vivir la guerra desde adentro.

Gran parte de la obra es hablada en Guaraní, lo que resulta muy interesante y útil a la vez para afirmar después de una experiencia así, que más allá del significado literal de las palabras, hay algo que trasciende esa convención, que es, en este caso, la sensación, emoción o sentimiento que nos transmiten el actores

Curupayty está los domingos a las 18:00 hs, Del Borde Espacio Teatral, Chile 630 C.A.B.A.

ESTÚPIDAMENTE MEDEA –TRAGEDIA CABARET

Seis actores en búsqueda de una dirección

La clásica tragedia griega de Medea y Jasón se reconstruye a través de estos dos personajes más la Nodriza, quien cumplirá a lo largo de la obra el papel de ser la que escucha. Los protagonistas buscan encontrarse a través de las escenas y en este devenir no logran reconocerse.

Con Estúpidamente Medea no sólo queremos manifestar la extrañeza que se patentiza en las relaciones que formamos con los demás, sino también cuestionar cómo se visualizan las mismas en la afectación que provocan en uno y en los otros, y resignificar la sensibilidad de los vínculos por medio del humor y el disfrute que estallan en la escena.

Dice José Maldonado:

Las líneas de fuga y fisuras que nos ofrece el mito de Medea nos facilitan hablar en dos niveles: el del mito mismo y el de nuestro background personal, desde los cuales, como grupo cosmopolita, nos preguntamos quién es el extranjero; topo que se desarrolla en el tratamiento de una micropolítica, en la relación sentimental de un ámbito doméstico.

“Estúpidamente Medea” bajo la supuesta dirección de José Maldonado, digo supuesta porque es una puesta en escena sin ningún rumbo, hay mucha energía y entrega en los actores pero lo que ellos hacen es performance sin ninguna contención.

Lo que más se destaca, lo mejor de toda la obra son esas seis energías, los actores, que en todas esas intenciones están jugando, hay mucha entrega y compromiso por el compañero y le otorgan mucha vida, emociones y energía a cada suceso. También destaco la forma del programa de mano, una bolsa lleno de pochoclo.

En “Estúpidamente Medea” hay muy buenas ideas de puesta en escenas, nada nuevas pero muy buenas, pero se queda sólo en eso, en las ideas que no son profundizadas y sólo quedan como una simple enunciación.

Uno no sabe de qué se trata la obra, A un principio parece tener la intención de un cabaret, luego pasa a ser una transposición del relato mítico a la vida del extranjero en Buenos Aires, ahí se queda, no sucede nada más que esa enunciación; la intención de musical, la intención de performativo, la intención de stand up comedy, la intención de la teatralidad, del absurdo, del simbolismo, de etc, etc.

Es como si se jugara “el cadáver exquisito” por una hora, qué también se puede jugar por dos o tres horas y más, pero ¿cuál es la finalidad de jugar? La diversión, ¿pero de quién? Así de conceptual es. Tal vez “Estúpidamente Medea” esté sólo en la cabeza del director. O tal vez por la falta de sal a los pochoclos le sentí un sin sabor a la tragedia de Medea y no vi la estupidez.

“Estúpidamente Medea” está los sábados a las 23 hs, sólo quedan cinco funciones en Espacio Cultural Pata de Ganso, Pasaje Zelaya 3122, reservas al 48620209.

Intérpretes:

Sherry Denis (México)

Melissa Aranibar (Perú)

Nibaldo Maturana (Chile)

Christian Nieves (Puerto Rico)

Javier Soria (Bolivia)

Con la actuación especial de:

Helgalís (Puerto Rico)

Diseño de Escenografía:

José J. Maldonado

Coaching Escenográfico:

Norberto Laino

Vestuario:

Mariana Arzola

Iluminación

José J. Maldonado

Producción:

Nibaldo Maturana, Helgalís Ramos y José J. Maldonado

Prensa:

Claudia Mac Auliffe

Asesor Training

Alan Robinson

Asesoría Teórica:

Isabel Crubellier

Martín Rodríguez

Diseño Grafico

Renata Cymlich (Pagina Nomade)

Fotografía:

Davide Casali

Asistencia de Dirección:

Helgalís Ramos

Dramaturgia

Isabel Crubellier

José J. Maldonado

Dirección:

José J. Maldonado

AMAR

La oscuridad radiante del amor

“Dos sillas, una rama de árbol, unos trípodes de micrófono y unas linternas. Entran seis actores, tres hombres y tres mujeres vestidos como para salir de copas. Poco puede imaginarse de lo que allí sucederá. Pero bastará que la luz se apague y que unos actores comiencen a actuar, iluminados por otros actores, para que el proceso de sus seres nos introduzca, capture y lleve por el derrotero de una noche intensa y descarriada.”

“Amar” de Alejandro Catalán es la propuesta que provoca reflexionar sobre las conductas humanas en su propia naturaleza; las relaciones sociales, los vínculos y ese transtorno por no hundirse en la soledad son las excusas perfectas para esta puesta en escena.

“Amar” pone énfasis en los deseos, en las decepciones, en los vínculos y sobre todo en el proceso de la cruda aceptación de lo que cada uno es para los demás. En “Amar” se crea un mundo infeccioso y vertiginoso con muy pocos elementos, donde los sentimientos y los vínculos personales están constantemente a la deriva, no hay un puerto a donde llegar, o al menos eso se muestra; lo terrible es descubrir que cada personaje se encuentra en un puerto no deseado; ¿harán algo para cambiar?

“Amar” realmente es una de esas obras que si uno se la toma en serio se deprime; refleja muy bien la crudeza del ser humano; dibuja muy bien las relaciones de amistad y de pareja. No sólo tiene muy buenas y contundentes actuaciones, también hay mucha creatividad en el juego teatral donde nos proponen un mundo sin narraciones, ni grandes artificios de escenografías. Donde el realismo del lugar está dado por el espacio que generan los actores, la luz y el sonido.

Es una obra donde se tiene que ver, porque es lo único que realmente se puede ver. Y, para ver este increíble y aparentemente simple juego teatral llamado “Amar” hay que ir los jueves y los viernes a las 23:00; en El Camarín de las Musas, Mario Bravo 960, informes y reservas al 4862-0655, o www.elcamarindelasmusas.com, o http://www.alecatalan.blogspot.com/

Actúan:

Edgardo Castro

Lorena Vega

Natalia López

Toni Ruiz

Federico Liss

Paula Manzone

Ficha Técnica

Iluminación: Matías Sendón y Alejandro Catalán

Musicalización, diseño sonoro y operación: Bruno Luciani

Asesoramiento sonoro y musical (efecto mar): Sergio Catalán

Vestuario: Ana Press

Realización Escenográfica: Mariano Sivack

Asistente de producción: Jorge Eiro

Asistente Artística: Felicitas Kamien

Fotos: María Sábato

Diseño: Verónica Rositto Gritti

Prensa: Claudia Mac Auliffe

Asistente de Dirección: Rita González

Dirección: Alejandro Catalán