FRIDA ENTRE LO ABSURDO Y LO FUGAZ

Cuadro musical de una musa fragmentada

Frida, Entre Lo Absurdo y Lo Fugaz", nos propone, a través de un formato multidisciplinarlo, un viaje por la apasionante vida de la pintora mexicana Frida Kahlo.

El guión, ágil e intimista, nos permite alejarnos del mito para aproximarnos con naturalidad a la Frida real y a los acontecimientos que la marcaron; la música, también creada especialmente para este proyecto, aborda ritmos y texturas que combinan elementos clásicos de la música latinoamericana y nuevos sonidos, creando un universo sonoro original; el contenido multimedia, presentado sobre el escenario en tres planos diferentes, además del sorprendente impacto visual, nos da la oportunidad de conocer la obra de la pintora y el contexto personal y social en que esta fue realizada. Con más de cuarenta artistas en escena entre actores, cantantes, bailarines y acróbatas, "Frida, entre lo absurdo y lo fugaz", es una propuesta innovadora que nos hará reflexionar sobre el dolor, el destino, la vida y la muerte.

“Frida Entre Lo Absurdo y Lo Fugaz”, dirigida y co-escrita por Carla Liguori, es una obra que está muy bien hecha, hay mucha entrega, sudor, compromiso y energía. “Frida Entre lo Absurdo y Lo Fugaz” te da la sensación que es la adaptación musical de la película “Frida” de Julie Taymor; o, te expone un México conocido por postales.

“La Catrina” es la que recibe al público en “Frida Entre Lo Absurdo y Lo Fugaz”; “La Catrina” nos lo muestra como un personaje fragmentado por seis bailarinas que nos lleva con delicados y sutiles movimientos hacia la historia de Frida, hacia sus deseos, sus muertes y sobre todo hacia sus fantasías. Un buen trabajo por el cuerpo de baile de las seis integrantes.

“Frida Entre Lo Absurdo y Lo Fugaz” es  una puesta en escena que tiene un despliegue de más de veinte actores en escena. Los actores están muy bien preparados, dispuestos, con apertura hacia la situación que están jugando; ellos  hicieron un muy buen trabajo vocal y con hermosas voces al cantar.

“Frida Entre Lo Absurdo y Lo Fugaz” tiene una propuesta escénica compleja y pulcra. Usa los recursos del audiovisual pero hay momentos que sólo es un complemento o una explicación; pero, cuando va junto a la dramaturgia de la obra, se agradece esos momentos. La obra tiene una escenografía minimalista pero conjuga con gran coherencia de color, de equilibrio con los actores y el espacio para crear los diferentes climas de cada cuadro musical.

Para ver esta comedia musical con mucho trabajo denominada “Frida Entre lo Absurdo y Lo Fugaz” hay que ir los lunes a las 20:30 en el teatro La Comedia, calle Rodríguez Peña 1062, reservas al 4815-5665 ó 4812-4228.

EL PARTENER de Mauricio Kartun

Reflexión escénica sobre los artistas

Un recitador criollo en gira permanente, canjeando su arte por un lugar donde cobijarse. En cada pueblo un amor, y una cuenta pendiente que motoriza su huida.
Nico, su hijo abandonado en el camino, irrumpe en la pieza del bodegón donde Pacheco recaló consiguiendo un nuevo conchabo.

El partener se estrenó en el Teatro Lorange en 1988. Durante un viaje en micro a Gualeguaychú, Kartun había encontrado el disparador para crear esta historia que ocurre en Campana y dibujar a los tres personajes que la viven. "De ese viaje a Entre Ríos salió su espíritu criollo. Campana estaba a la vista desde lo alto del puente" El partener -dijo el dramaturgo- está hecho de cosas que me conmueven hasta el alma. Las profesoras de folclore. Las peñas semanales. Un padre y un hijo varón, solos. Los artistas de cantina. Algunos pueblos de Buenos Aires.

“El Partener” es una puesta en escena visualmente concreta, sonoramente poética y llena el espíritu. Esta versión dirigida por Manuel Vicente, tiene la exquisitez por exponer la acentuación de los vínculos y las decepciones que estos puedan generar, las metáforas sobre qué es el arte, qué hace el artista con su trabajo y el desconsuelo de no concretar nada quedando todo en el deseo.

“El Partener” tiene un ámbito metafórico que no escapa de la realidad. Nos muestra la tabla dentro de la tabla, es decir: hay un escenario dentro del escenario. "El Partener" es la representación de estos artistas, que parecen quedar pequeños ante el espacio; el trabajo que realizan parece ser un arte menor, olvidado. Ellos, los tres personajes que se exhiben, hacen lo que hacen no como una manera de vivir, sino para escapar de su realidad.

La puesta en escena es una metáfora visual, exponiéndonos a estos tres artistas abandonados por sus propios sueños, por su propio arte, por ellos mismos por priorizar otros deseos, que no tiene que ver con lo material, sino con lo espiritual, de sentirse alguna vez alguien, de ser complemento de alguien, de estar con alguien, en otras palabras, ser el partener de otra persona.

Para el código de actuación de la propuesta escénica, los actores jugaron sus roles de manera sustanciosa, concreta y con mucha energía. Ellos son Juan Palomino, Ana Yovino y Rodrigo Alvarez. La escenografía y el vestuario es una delicadeza visual que parece romperse, desaparecer, ser efímero.

“El Partener” dirigida por Manuel Vicente está los viernes a las 21:00 y los sábados a las 22:30 en el Teatro del Pueblo, Av. Roque Sáenz Peña 943; reservas al 4326-3606.

NADA DEL AMOR ME PRODUCE ENVIDIA

Entre el ángel y la señora está la voz del detalle

Una costurera de barrio confecciona un vestido que se disputan Libertad Lamarque y Eva Perón, como símbolos de un país enfrentado. Y así como se cose y descose una prenda, surge el relato de un ser herido en su soledad absoluta. Un ser que tiene la voz de los que sólo pueden callar y hacer silencio. Un ser de palabras y gestos pequeños que, cuando menos se espera, estallan y se vuelven enormes, como una llamarada vital que todo lo consume.

Una suerte de leyenda urbana, nutrida por los chismes y murmullos que van escondidos de oído en oído por cocinas, despensas y peluquerías, atravesando la historia artística, pública y privada de sus personajes, así como la de las últimas décadas de nuestro país.

“Nada Del Amor Me Produce Envidia” de Santiago Loza, es la propuesta que Alejandro Tantanian nos muestra con sutiles detalles. En un dispositivo minimalista, que sólo es un signo del personaje que lo habita, Alejandro Tantanian va metiéndonos en el mundo de esta voz que sólo observa los detalles; es un ser que es como que está y no está a la vez.

La actriz Soledad Silveyra es la responsable de ponerle cuerpo, espíritu  y mucha energía a esta voz, una voz que habita el espacio vacío donde pertenece este personaje; un ser que se describe como: los que acatan, los que están y a la vez no están, los que fueron y no encuentran las cosas y deambulan como no gente, los que piensan en la soledad ajena, los que no tienen envidia del amor. Un personaje observador que con mucha pasión nos comparte su mundo.

“Nada Del Amor Me Produce Envidia” tiene un dispositivo visual que encajona a esta voz en un vacío, la arrincona en un espacio que ella dice pertenecer, que es suyo,  pero que nunca más podrá estar. Un espacio que fue testigo y cómplice de un encuentro, qué sólo fue un detalle que detonó el poder de decidir. Poder que ella, el "Yo soy los detalles", desencadenó sus impulsos, sus miedos, sus locuras y su ser.

“Nada Del Amor Me Produce Envidia” es una propuesta para disfrutarla y no sólo crear una analogía política, sino una reflexión sobre: el poder, la situación actual, aquello que habla de la soledad ajena; en fin sobre todo eso y mucho más.

“Nada Del Amor Me Produce Envidia” está los lunes a las 20:30, en el teatro Maipo, calle Esmeralda 443, reservas al 5352-8384

LAS BRIDAS

La campana que anuncia el terror

“Una cocina de campo un siglo atrás. Tres hermanas y un padre postrado en la pieza. La necesidad de la pureza mediante el aseo y rezos. Una visita de la ciudad las invade. Algo que da vueltas pero no termina de tener nombre ni explicación. Efectos. Manifestaciones. Agujeros negros. Eso que no se ve, tiene que vencer la resistencia de los cuerpos, entrar en ellos. Y lo logra. Porque todo, lo bueno y lo malo, tiene derecho a pasar por la experiencia de la carne.”

“Las Bridas” es una propuesta escénica que utiliza los elementos del cine de “género de terror” –género que nace de los videoclubs y  blockbuster- y conjuga con los códigos del teatro “naturalista”. “Las Bridas” es un juego sin piedad.

“Las Bridas” es la obra que puede ponerte la carne de gallina, es la obra que está escrita y dirigida por Julieta De Simone y se estrenó la temporada 2013. “Las Bridas” tiene todos esos elementos peculiares que pueden causar: asombro, escalofríos, aire frío, miedo y ternura.

“Las Bridas” tiene un vestuario visualmente exquisito pero a la vez está expuesta como si fuera simple; el diseño de las luces está de acorde con toda esa manifestación que exige el género y complementa el mundo creado; la escenografía es equilibrada y está de acorde a la época, además juega muy bien con las características de los personajes. La música es el encanto sutil que resume el mundo de la obra.

En “Las Bridas” las actuaciones tienen mucha energía, están en constante presencia escénica, son actrices con mucha atención y percepción a lo que sucede. Hay que aplaudir el trabajo de cada una de ellas sin olvidarnos del actor que hace de padre.

Para pasar un buen momento y percibir algo con una temática que es muy poco explotada en la escena porteña, puedes ir a ver “Las Bridas”, los sábados a las 21:00, en Belisario, Corrientes 1624.  Reservas por http://www.alternativateatral.com/obra23957-las-bridas.

Actúan: Antonio Bax, Débora Testi, Vanina Ferreyra, Natali Frank, Celeste Monsú, Pilar Boyle
Escenografía y vestuario: Paula Molina
Iluminación: Damián Monzón
Música original: Facundo Mazzota
Colaboración artística: Laura Fernández / Andrés Molina / Iolta Worzo
Supervisión dramatúrgica: Laura Fernández
Guía Espiritual: Iolta Worzo
Asistente Artística: Laura Mickelsen.
Dramaturgia y Dirección: Julieta De Simone

Diseño gráfico e ilustración: Ignacio Vidal, intervención sobre una imagen de Santiago Fredes.
Fotografía: Germán Gonzalez.

SHLOMO

Una de extranjeros

"Acá el barrio está lleno de extraterrestres. Digo, los chinos, los rusos, los turcos. Todos extraterrestres disfrazados. Son buenos tipos, los tenés que saber llevar nomás. Yo una vez me hice amigo de uno; era callado y siempre andaba con una botellita, no era agua, no era el vodka. Después, como todos, desapareció." Vecino de Once.

Un extraño de aspecto ruso apareció en el departamento de José. La comunicación es imposible para éste y su pequeño espacio ya no es el mismo. Mientras que su compañera de vivienda parece relacionarse con el extraño sin problemas, la visita de un viejo amigo obliga a José a accionar. El espacio se llena y ahora José es el extraño. Entre paranormales sospechas y melodías brasileñas surgen las soluciones radicales.

“Shlomo”, escrita y dirigida por Juan Francisco Dasso, es un juego de lenguajes, idiomas y códigos en 

una historia muy tentadora y singular. En “Shlomo” habitan personajes incomprendidos por el idioma, donde parece ser que el problema extrasensorial se puede resolver a través de la escucha o del diálogo. Pero la comunicación imposible entre humanos suscita una situación incómoda y paranormal. 

“Shlomo” se manifiesta en un espacio donde lo real y la convención teatral conjugan en la impronta que produce el sistema de producción de la escena porteña independiente rebautizada off. Es decir, que el espacio de la sala  es usado como convención teatral para formar parte de la escenografía. Ese espacio, donde habitan estos maravillosos personajes, lo sentí ajeno a ellos, como si no perteneciesen ahí; pero, por el tipo de historia que trata la obra, como también la crítica que tiene hacia el vínculo entre porteños y los extranjeros, viene muy bien esa carencia de pertenecer al lugar.

“Shlomo” tiene personajes que están en la delgada línea de la caricatura y lo verosímil, o si se prefiere: el código de la actuación está entre la parodia y la "organicidad contemporánea". Sea cual fuese la forma de describir, están muy bien logradas por Juan Tupac Soler, Carlos Martín Fernández, Sebastián Petrola y Paula Banfi.

Para pasar un buen rato y dejarse llevar “Shlomo” está los viernes a las 22:30e, Machado Teatro, calle Antonio Machado 617; reservas al 4982-4922.

TODO DISFRAZ REPUGNA A QUIEN LO LLEVA

Un espectáculo sobre el universo literario de Silvina Ocampo

“Este sótano que en invierno es excesivamente frío, en verano es un Edén. En la puerta cancel, arriba, algunas personas se asoman a tomar fresco durante los días más cruentos de enero y ensucian el piso. Ninguna ventana deja pasar la luz ni el horrible calor del día

” (Fragmento del cuento “El Sótano”, de Silvina Ocampo)

Un sótano en penumbras, una presencia femenina que revive pasajes de su historia.  Palabras que seducen y despiertan a otras presencias. Voces femeninas que cuentan sus secretos. Historias que se anudan y se vuelven gritos. La preparación para un encuentro anunciado dará el marco para la irrupción de los deseos más extraños. En ese lugar donde abundan los peinados, las fantasías se recortan como figuritas.

En ese mundo de retazos y recetas, la ternura de los dibujos infantiles convive con los jadeos de un placer demorado. Crujen los techos por encima del roce de las sedas y, mientras caen hojitas de pasto, un buen día las cabezas se blanquean. Algo extraordinario y conmovedor irrumpe entonces. La demolición barre con su pala cualquier disfraz, marcando los rostros por igual, cubriendo de polvo las imágenes más bellas.

Ésta es una exquisita puesta en escena inspirada en el universo literario de Silvina Ocampo bajo la dirección de Alfredo Martín.

Un sótano frío y en penumbras…
La escena está rodeada de una atmósfera sutil con una luz que esboza a detalle a esas mujeres, personajes como emergiendo de una pintura simbolista de Klimt, donde también una de ellas nos recuerda nuestros momentos pueriles e inocentes coloreando hojas cuyos trazos nos permitirán adentrarnos cada vez más a ese mundo onírico y de ficción.

Es una puesta en escena llena de símbolos, de imágenes y de belleza, con una historia llena de recuerdos, anhelos, pasiones y deseos reprimidos que envuelven frase tras frase al espectador.

Nos hacen partícipes y cómplices de esos secretos más profundos que hasta ahora han decidido desvelar.

Esta puesta en escena cuenta con un gran elenco, cabe señalar las excelentes actuaciones a cargo de Mariana Grigioni, Paula Hartwig, Yanina Florenzano, Victoria Rodríguez Montes, Lucía Gómez Uriz, María Florencia Horak y Loli Pérez Demaría, quienes son las responsables de introduciros en este universo deslumbrante.

La escenografía y la iluminación desempeñan un rol importante en el montaje y hacen de esta una puesta en escena amable, dinámica y digerible.

TODO DISFRAZ REPUGNA a quien lo lleva se presenta los domingos a las 20hs en el Teatro DelBorde, Chile 630; reservas 4300-6201.

TE AMO TANTO PORQUE TE HE MATADO 2

Nuevos monólogos, nuevos amores, nuevas muertes.

“Empieza Te amo tanto por que te he matado 2, se desencadenan las pasiones mas primarias y salvajes. Aquellas que en el silencio de lo cotidiano no dejan de latir. La muerte y el sexo penetran, sin palabra, entre las conciencias mas puras. Devuelven al espectador el reflejo de lo prohibido.
Los pensionados esperan el gran momento en donde estallen las verdades, el gran banquete totemico, acaso la primera fiesta de la humanidad.”

“Te amo tanto porque te he matado 2” está escrita y dirigida por Sofía Guggiari y co-dirigida por Soledad Velasco-; esta propuesta nos habla de un tema importante y que concierne a la hipótesis básica de casi muchas historias de amor y muerte: Conocerse a uno mismo, o saber quién soy. 

En este caso, “Te amo tanto porque te he matado 2, nos muestra varios reconocimientos de los personajes, la revelación sucede en un momento de confesión; además, esos personajes proyectan esa imprudencia de contar a alguien lo que son. A algunos les divierte narrarnos sus oscuros impulsos a otro no. Esa falta de sensatez, de criterio, de manifestación por el gusto a la sangre está muy bien jugada.

“Te amo tanto porque te he matado 2” es sostenida por varias historias particulares de personajes peculiares y que llegan a cautivar; sujetos que no responden al típico arquetipo del anti-héroe pero son despiadadamente crueles en la forma de comportarse en el silencio, en la oscuridad y sobre todo en lo siniestro. Personajes que transforman su hábitat en un sitio de supervivencia, como si fueran animales en constante lucha de supervivencia. Supervivencia contra la soledad, la aceptación, contra saber o descubrirse el "quienes son".

Estos personajes están muy bien construidos, muy bien jugados por: Alejandro Scotti, Pablo Toporosi, Sebastián Man, Sebastián Buzio, Sara Llopis, Melina Lozano, y Sofía Guggiari. Actores que permiten a su cuerpo transformarse, en mayor o menor medida, en un conducto de sentimientos que se desborda con mucha armonía en los monólogos.

“Te amo tanto porque te he matado 2” está los viernes a las 22:00 en Teatro Habitándonos, Valentín Gómez 3155; reservas al teléfono 4862-9910.