TRILOGÍA DE LOLA ARIAS

STRIPTEASE / SUEÑO CON REVÓLVER / EL AMOR ES UN FRANCOTIRADOR

“MUJER: Dice que tiene miedo de la oscuridad… las ratas… su madre… el futuro… los aeropuertos… morir de cáncer…la guerra nuclear… los ciegos… la gente sin sentido del humor… su corazón… él mismo…” Extracto de Striptease.

Editorial  Entropía nuevamente nos trae otra gran apuesta de textos teatrales. La trilogía de Lola Arias, que componen las obras: Striptease, Sueño Con Revólver y El Amor Es Un Francotirador, nos instalan en pequeños mundos, muy íntimos, oscuros y que invita a la sensorialidad de las imágines que crean los diferentes escritos.

La trilogía gira alrededor del amor en lugares apocalípticos, que nos quieren ser integrados en ningún sistema, como si fueran los últimos seres existentes. Los tres textos teatrales presentan al amor como un acto de violencia, el amor como una idea pragmática que no termina de desarrollarse, el amor que intenta ocultarse y no quiere mostrarse a flor de piel, no quiere ser expuesto.

El primer texto de la trilogía, Striptease, determina a un Bebé como el eje que organiza todo el relato. Sólo dos personajes toman la palabra, Estos personajes tienen una identidad, pero son genéricos, que se construyen a través del otro y de lo que han vivido. Los tres personajes –Bebé, Mujer y Hombre-  nos envuelven en el pasado para construir: el vacío del presente, la soledad, la urgencia de conectarse con la otra persona.

El segundo texto, Sueño Con Un Revólver, incita a la practicidad de la violencia, ahora son voces que se configuran desde la sexualidad –Femenino y Masculino-, que más allá del relato nos envuelven con sus deseos, con sus preguntas, con interrogaciones, con sus auto reflexiones; la voz se transforma en el acto organizador de este relato que nos lleva a lo más oscuro y violento.

Por último está el texto El Amor Es Un Francotirador, juego teatral de un grupo que se quiere suicidar y cada uno de los componentes puede realizar su último deseo. Desde esta situación extrema Lola Arias nos cierra la idea del amor como un acto violento y nos propone la materialidad de este sentimiento que puede tener en escena.

4 D ÓTPICO

Un grupo de científicos desarrolla protocolos de alta tecnología en un laboratorio de punta. Pero un accidente en uno de los experimentos produce una fisura en el espacio tiempo creando un peligroso acceso a una realidad alternativa. Los riesgos no pueden ser mayores: si no se cierra a tiempo la fisura que conecta ambas realidades, el universo colapsaría con la consecuente desaparición del mundo material.

4D Optico es una comedia de ciencia ficción, donde un elenco integrado por ocho actores debe dar vida a las criaturas que habitan ambas realidades.

Acerca de esta obra, estrenada por primera vez en 2003 en el Teatro Lliure de Barcelona, y en lengua catalana, Daulte escribió:

“De alguna manera, todos habitamos dos mundos, todos somos dos: aquel que somos en nuestros sueños, nocturnos o diurnos, y el dela vigilia. Aquel niño que nunca dejamos de ser (para bien o para mal), y el adulto que se niega a seguir creciendo. Aquel que creemos ser y el que somos para la mirada de los demás.¿Pero qué queda en nuestro cotidiano de esa otra realidad que también habitamos? ¿No seremos en definitiva más que una síntesisde lo que soñamos y lo que la realidad nos ha deparado? ¿Dónde quedó aquel otro yo que no pudo ser?”

“4 D Óptico” es una obra delirantemente lógica, escrita y dirigida por Javier Daulte. Esta propuesta escénica llama la atención por varios aspectos. Como siempre estamos acostumbrados a la maestría que tiene Daulte para montar una historia, crear distintos personajes y situaciones que construyen  poco a poco el universo o en este caso los universos.

“4 D Óptico” es un deleite formal del teatro, utiliza los recursos, los códigos más básicos y comunes del arte escénico para ponerlos al servicio y el soporte de un relato. A su vez, esta estructura formal subraya que: lo que vemos es teatro puro; que utiliza, por mencionar algunos, estrategias del vodevil, de la teatralidad brechtianas, del teatro simbólico, del teatro del absurdo, del de Beckett, del de “La vida es sueño”, entre otras.

En el juego escénico denominado “4 D Óptico” nos presenta dos mundos posibles en la ficción, donde cada mundo se materializa como el real, es decir: la obra va más allá de qué es “real” y qué es “real material”, cual es la “realidad” que estamos presenciado. De esta manera, en la trama, Daulte utiliza algunas hipótesis de la filosofía, la teología y la ciencia para divertirnos de una manera muy ingeniosa, que después de 120 minutos  nos hace pensar y cuestionar sobre las hipótesis.

Para deleitarse, pensar, asustarse y pasarla muy bien “4 D Óptico” está todos los viernes y los sábados a las 22:30, en el teatro El Cubo, Pasaje. Zelaya 3053, reservas: 4963-2568.

Ficha técnica

Elenco: Federico Olivera, Moro Anghileri, Paula Acuña, Héctor Díaz, Laura Paredes, Gerardo Chendo, Andrea Garrote y Julieta Vallina.

Escenografía: Alicia Leloutre

Iluminación: Gonzalo Córdova

Vestuario: Mariana Polski

Prensa: Duche&Zárate

Asistente de Escenografía: Jose Escobar

Asistente de Iluminación: Facundo Stol

Asistente de Vestuario: Manola Aramburu

Diseño de sonido: Mauro García Barbé

Asistente de dirección: Gonzalo de Otaola

Producción Ejecutiva: Javier Madou

Autor y director: Javier Daulte

Producción general: Compañía 4d Optico

LA VERDAD

Dos escritores amigos y la mujer de uno de ellos deciden pasar

unos días de campamento en las sierras. Antes de llegar a destino

se detienen a pernoctar en un campo al costado de la ruta. Unos

hombres aparecen y les piden ayuda para trasladar a una vieja y

famosa actriz a un rodaje ya que el auto se les detuvo. Al intentar

llevarla se enteran de algo que no deberían y lo que antes creían

que era ficción ahora es real. El final llega de repente con una

revelación que los hunde en el misterio.

“La Verdad” escrita y dirigida por Bernardo Cappa nos plantea en un aparente juego divertido las cargas, las culpas que llevamos cada uno y no podemos manifestarlas pero se transforma en un “peso muerto” que nos lleva y nos encierra en nuestras propias miserias.

En “La Verdad” los actores juegan con mucha entrega y compromiso en la situación donde ocultan secretos que se hacen manifiesto en el imaginario del espectador. Cada uno de los actores, junto al director, construyen personajes que carecen de sentido de la vida, como si nunca hubieran jugado una situación extrema o no se hubiesen jugado por nada, hasta el momento del reconocimiento.

“La Verdad” plantea fricciones cuando uno mezcla lo que es real y lo que es ficción, no desde una manera filosófica ni científica, sino desde la representación, desde la telenovela, desde la literatura, desde personajes que tal vez no entienden cuando es ficción y cuando realidad. Dos ejemplos: El primero: cuándo un beso es real y cuándo no; aunque fuese dado en escena, bajo el lente de la cámara y con muchas personas que rodean; el segundo: sobre un skater debe llegar desde un puente hacia otro y lo hace en 24 horas, esa situación crea un debate de cuál es la mejor ruta, con menos tráfico y con el mejor tiempo para que el skater llegue a su objetivo. Desde estas pequeñas narraciones en escena comienzan a cuestionar lo real y la ficción, historias que curiosamente son contadas por los escritores y debatidas por los extraños visitantes.

“La Verdad” nos plantea en un espacio abierto, en el campo, en la noche, en la oscuridad y penumbra, donde supuestamente podemos ocultar mejor nuestras situaciones. Ese espacio está manifestando ese oscuro secreto que guardan los cinco personajes en la escena. Hay una preocupación de no develar en totalidad lo que pasa pero si hay una afirmación de identidad, de lo que uno desea y quiere lograr en la vida, pero por diferentes motivos no logra hacerlo. 

“La verdad” está los sábados 20:00 horas, en el Teatro Beckett, Guarida Vieja 3556, reservas: 4867-5185 ó prensacorreydile@gmail.com

Dramaturgia y Dirección: BERNARDO CAPPA

Elenco: MARTÍN BERTANI, YAMIL CHADAD, CHRISTIAN GARCÍA, SOLEDAD

PIACENZA, RICARDO TAMBURRANO

Asistente: NAIQUÉN ARANDA

Diseño Vestuario: PAOLA DELGADO

Diseño de Luces: CLAUDIO DEL BIANCO

Diseño gráfico: SABRINA LARA

Fotografía: CARO JORQUERA

LA MANCHADA

“Los hermanos Valderrobles decidieron vender el campo que

heredaron de su padre. Sus mujeres aguardan ansiosas la tajada

que les va a tocar. El interesado en la compra es un arquitecto

mezquino y con afanes de genio. Los vínculos desgastados y la

sucesión de hechos pronto los envolverá en una vorágine de

disparates donde cada uno intentará sostenerse en la absurda

disputa. Alrededor, la tierra, corporizada en unos seres extraños,

pronto levantarán su voz.”

“La Manchada” está bajo la dirección de Christian García, quien nos lleva al mundo de la familia disfuncional, donde los hermanos deben aprender a independizarse y tomar la decisión más importante de su vida. La obra también funciona porque hay buenas actuaciones, quienes con pequeños gestos construyen grandes mundos.

Ya desde esta situación de inicio sucede el juego de los hermanos Valderrobles, un juego que nos lleva desde el matrimonio obligado con una mujer extranjera que no habla español pero que entiende mucho más hasta una familia extraña que acecha la casa y a quienes están ahí.

En “La Manchada” los personajes se construyen a través del otro, ese otro son los Pereyras, quienes, según los Valderrobles, los describen como unos monstruos,  que viven como topos, como locos, que sus hijos no saben hablar y al padre que era un sádico y desquiciado.

“La Manchada” es una propuesta muy íntima, es una obra que tiene mucho humor ácido y un juego donde se manifiesta los deseos personales sin pensar en las consecuencias que éstas puedan tener. También refleja el rechazo hacia uno mismo y la proyección hacia el otro de eso que objetamos y somos. Propone la búsqueda de la aceptación de grupos ya que cada uno elegimos con quien podemos estar más cómodos y sentirnos acogidos, o al menos creer que fue una elección correcta.

“La Manchada” está los domingos a las 20:00 en el Teatro Puerta Roja, Lavalle 3636. Reservas: Reservas: 4867-4689 ó prensacorreydile@gmail.com

Elenco:

Luciana Caruso

Pablo Chao

Mariana Gonzalez

Daniela Rico Artigas

Juan Martín Viale

Asistente de Dirección: Margarita Bouquet

Diseño de iluminación: Claudio Del Bianco

Producción General y Vestuario: La Manchada

 Dramaturgia: Creación Colectiva

EL DIARIO DE CARMEN de Luis Cano

CAUTIVADORA

"El Diario de Carmen" resulta ser una obra cautivadora, tanto por su especial universo como por las actuaciones de Gaby Ferrero y Mauricio Minetti, quienes le dan forma.

La historia nos invita a conocer el cotidiano de Carmen, una mujer que vive confinada en su casa, la que comparte con un “hombre” que nunca sabremos, con certeza, si es tal. Este hombre que la acompaña, parece más bien ser una figura que Carmen ha armado en base a partes del cuerpo de hombres aparecidos en revistas y a las que Carmen ha pegado a fin de dar vida a este compañero de habitación y de vida.

La acción avanza, retrocede en el tiempo y se paraliza para volver a avanzar, la mayor parte del tiempo se mueve siguiendo el relato que Carmen ha plasmado en un diario íntimo, su confidente. Los principales hechos que allí encontramos es el encuentro de Carmen con un herido en la calle, hecho que la traumo y fragilizó en demasía, y la pérdida de su querido gato, su ompañía. 

Carmen relata esto a su acompañante, quien la oye con paciencia y le sigue el juego a pesar de sus deseos. Una pregunta recurrente y que vuelve en este hombre es “¿Por qué no salimos nunca?”, a la que Carmen responde con evasivas, dejándonos la sensación de que ésta mujer es un personaje temeroso, sufrirá de aerofobia tal vez (¿); no lo sabemos.

La obra plantea muchos cuestionamientos, tanto en torno a la historia, a la relación existente entre estos personajes, como también ante la vida y la necesidad de compañía, de cariño, de tener simplemente a alguien con quien hablar. El no dar respuesta es uno de los rasgos que destacan en la pieza, nos sumergimos en este mundo lleno de incógnitas pero eso no molesta, al contrario, atrapa y seduce.

Por otra parte, existe un sobresaliente trabajo a nivel de texto, donde la preocupación por el ritmo de éste, además de su sentido, no ha sido descuidada; por el contrario, es un aporte a la historia, es un elemento más que nos atrapa y nos conduce por este universo de Carmen. 

Existe también un interesante trabajo a nivel corporal, tanto en la configuración del personaje de Carmen como en la configuración del misterioso personaje masculino, cuya figura, energía y movimiento se asemeja más a la de un maniquí que a la de un humano.

La escenografía es mínima, un sillón, las paredes de una sala de la cual Carmen parece ser parte del decorado y las ventanas que nos hablan de un misterioso “afuera”, allí donde Carmen no se atreve a poner un pie.

Absolutamente recomendable "El Diario de Carmen", un trabajo de búsqueda a nivel textual, poético y de puesta en escena, un propuesta con carne. ¡Se agradece!

"El Diario de Carmen" está los sábados a las 20:00 en NoAvestruz. Calle Humboldt 1857, reservas 4777-6956.

ROPA NEGRA de LUIS CANO

“Escribir nuestras impresiones sobre Hamlet cuando volvemos a leer año tras año, como si redactáramos nuestra autobiografía”

“Una Habitación Propia “

Virginia Woolf, 1929.

“Tenía quince años cuando descubrí Hamlet. Me llevó seis horas, sentado frente al edificio de Obras Sanitarias en Devotos”

 “Yo Soy Otro” de Luis Cano.

“(…) el primer escalón tiene que ver con el universo mítico de Cano en relación con el de Shakespeare, disparador del tejido que seguirá temáticamente. El entretejidos de relaciones y los diálogos entre ambos autores nos abrirán las puertas a otra dimensión de abordaje de los pretextos y de los textos que el presente libro incluye.” Extracto del Estudio Preliminar de Carlos Fos.

“Ropa Negra” no es un simple diálogo entre Shakespeare y Luis Cano, también hay un vínculo y una relación intertextual entre de los diferentes traductores que abordaron implícitamente las lecturas de Hamlet.

“Ropa Negra” es un compendio de lo que produce Hamlet en el cuerpo y la voz de Luis Cano en diferentes momentos. Es un bosque poético donde las palabras van más allá de ser expresadas en un tiempo y en un lugar, que en este caso podemos llamarlo teatro.

Las diferentes piezas poéticas que componen este libro nos llevan por diferentes caminos, distintos momentos y tienen singulares modos de construcción. Al igual que Hamlet, los diferentes escritos de Cano dialogan con ciertos procedimientos de construcción. Por ejemplo, del mismo modo que la tragedia del príncipe de Dinamarca la historia ya está comenzada cuando llega Hamlet, los textos de Cano no hay un principio, siempre están en medio de algo, como una afirmación al constante movimiento que produce la palabra. Otro ejemplo; la auto-referencialidad teatral, en este caso Cano nos propone más un juego dinámico que una mera reflexión del teatro dentro del teatro.

“Ropa Negra” el mundo de Hamlet atraviesa los códigos isabelina para instalarse a los actuales, busca a Hamlet y no a Shakespeare. Luis Cano bucea entre la música, la poesía y el espacio vacío como medio de expresión teatral para instalar a Hamlet; pero un Hamlet reengendrado en ese laberinto de palabras y estados poéticos que transforman el devenir de lo trágico.

“Ropa Negra” es un Hamlet que le permite al propio Cano hablarse y cuestionarse. Es una escritura donde no hay límites marcados. Permite una lectura sencilla que podemos decidir ahondar en la interpretación o disfrutar en la musicalidad y en el ritmo. Nos propone un encuentro entre Hamlet y nosotros mismo.

“Ropa Negra” es una gran y muy buena apuesta de la Editorial Leviatán.

BIZARRA DE RAFAEL SPREGELBURD

SOBRE UN TEXTO DELIRANTE

«Estamos tratando de hablar de un fenómeno muy concreto, una coyuntura muy específica que permite que hoy se esté editando Bizarra. A mí me costó unos años descubrir sus valores netamente literarios. 

Me sorprendió. Yo me dije: “Si va a estar publicado, lo voy a corregir un montón”. Y la primera impresión cuando lo leí para hacer esa corrección fue muy superior a la que yo creía. (...) Lo curioso es que ahora, cinco años después del estreno, cuando me tengo que enfrentar con la posibilidad de revisitar esta publicación, podría haber dicho: “No resiste, no resiste como lectura”, y sin embargo, heme aquí. A lo mejor porque yo viví el fenómeno Bizarra y me vuelve todo con una purísima claridad, le encuentro un enorme valor, en primera instancia afectivo, lógicamente, pero también profesional. La obra me excedió. Excede lo que yo piense de ella. Se desprendió de nosotros, y ahora es un libro.»

Extracto de “A modo de epílogo/ 

Conversación entre Rafael Spregelburd y Javier Daulte

“Bizarra” texto de teatro de Rafael Spregelburd es una excelente propuesta para una delirante lectura dominical. Editorial Entropía nos demostró que hay coraje y muchas ganas de apostar por la escena teatral porteña en las publicaciones. Bienvenida sea esa apuesta.

“Bizarra” es un libro que va mucho más allá del discurso teatral, que va más allá de la auto referencialidad de la escena porteña, que va más allá de los personajes delirantes, que va más allá del rejunte de varias anécdotas que circulan en varios relatos para unirse y crear así la obra escrita. No es un texto simple, pero en la lectura aparenta simpleza.

“Bizarra” es un texto que todo amante de textos teatrales, dramaturgo, aprendiz de escritura teatral y de dramaturgia deberían tener en el estante más cercano. Es una muestra clara de la maestría del manejo de las situaciones que pueden tener un alto contenido de núcleo de acciones o un alto contenido de digresiones; además, de apreciar un texto que siempre te deja expectante de que va a suceder.

“Bizarra” tienes sus propias advertencias y hasta –se puede decir- tiene un manual de uso que no está explicitado. Es un texto de gesto noble que poco a poco va consumiendo la atención, pone el acento sobre lo cotidiano para luego hacérnoslo ver de distancia ese mismo hecho; nos acerca a mundos que parecen ser muy ajenos a nosotros, donde los deseos son de vida y muerte en situaciones que aparenta ser ligeras. No hay que tomar a la ligera a “Bizarra”, pero tampoco desposeer de la creencia de que es un anecdotario delirante.

Busque en su librería amiga de seguro que ahí encontrará esta pieza llamada simplemente “Bizarra”