ESCUELA DE MARIONETA

Textos dramáticos de Luis Cano

“Escuela de Marioneta” es un libro que se divide en tres partes: la primera sección es denominada Poesía en Teatro; la segunda es Ensayos y Errores; y, la tercera sección del libro se encuentra en:  http://www.librodisociado.com.ar/marionetas/. Una zambullida a los sentidos.

Luis Cano, junto a personas muy creativas de la editorial libro disociado produjeron no sólo una material placentero de lectura, sino también  una manera entretenida de explorarlo. Hacer un encuentro con “Escuela de Marioneta”  tiene varias formas,  varias plataformas, donde la lectura tiene la opción de ser acompañada de sonidos, imágenes, o simplemente disfrutar de todo el hecho en sí, que está dividido en varios sucesos, acontecimiento que la poesía es captada por varios sentidos a la vez.

“Escuela de Marioneta” es un libro grueso que no te instala en un mundo, sino te sumerge en una poesía, teatral y biográfica. Una publicación que Luis Cano comparte con anécdotas y mecanismos que comprometen  su forma de trabajo, su honestidad y compromiso que tiene al escribir: que es un compromiso muscular, de pulsación, como un acto de respiración. Oxígeno que denota el recorrido de 20 años de su trabajo.

Palabras simples, ideas sencillas, trasfondos maravillosos que no busca entendimientos, sino las palpitaciones, los sentidos, lo orgánico de la palabra no de la idea; eso es lo que percibí al encontrarme con el libro “Escuela de Marioneta”. 

“Una de las formas que comencé a escribir fue subrayando. La intertextualidad vino después. Mi admirado y querido Héctor Libertella, dijo: ‘La mano que tacha es la que escribe de veras. Impecable. ¿O sea que también podemos escribir nuestra lectura?” Más oxígeno que contamina e impregna los sentidos.

REPRESENTACIONES Y ACONTECIMIENTOS

“El Teatro Sabe. El teatro Teatra”

“Representaciones y Acontecimientos” habla sobre la manera de pensar el teatro, especular como filosofía , transitar desde la investigación; donde la “representación” se transformó en “acontecimiento”; cuyo valor está en conocer la otra mirada de contemplar los cuerpos y la relación que tienen con los objetos en escena.

“Representaciones y Acontecimientos” es el título que integran las ponencias del XX Congreso Internacional de Teatro Iberoamericano y Argentino, que fue organizada por centro de investigación G.E.T.E.A., y realizado en agosto del 2011. Congreso que estaba dedicado a la memoria de Osvaldo Pellettieri. 

Este libro tiene a dos editores que son investigadores del G.E.T.E.A: Marina Sikora y Martín Rodríguez, quienes arrancan con la pregunta de ¿qué es el teatro en tanto ente, como está en el mundo? Cómo entendemos el teatro para pensarlo, buscar índices, preguntas, conocimientos, etc., desde la filosofía teatral y la investigación teórica de la escena, 

Este libro se divide en cinco temas, el primero expone la teoría teatral y la importancia de la filosofía teatral, cómo mostrar, presentar, hablar de un hecho, de un acontecimiento, de un encuentro como el teatro. Es por eso que la mejor palabra que resume a todo el libro es la frase que Mauricio Kartun parafrasea a Ure: “El teatro sabe. El teatro teatra”

El segundo tema de “Representaciones y Acontecimientos” se define como Teatro Iberoamericano. En esta parte del libro, hay varias ponencias que son muy sustanciosas en contenidos, que nunca se escapan sobre las múltiples disciplinas que tienen el teatro –actores, dramaturgos, puestas en escenas- antes de volverse acontecimiento; estos trabajos son pinceladas para que uno investigue más sobre los creadores que exponen.

En el tercer temario de “Representaciones y Acontecimientos”, se encuentran ponencias sobre el teatro de Buenos Aires, como los otros acopios de textos, desde teatro de militancia política hasta propuestas geopolíticamente correctas.  Para el cuarto y el quinto temario, no son tan extensos como los dos primero, pero siguen siendo sustanciosos y muy entretenidos para leerlos. En la diversidad está lo particular, cuando uno termina de leer el libro encontrará sentido a ese dicho. 

FLORES ARRANCADAS A LA NIEBLA

Dos mujeres, se encuentran en una estación de ferrocarril. Un espacio sin especificación de lugar; un tiempo sin tiempo. Un no-lugar en un tiempo donde el reloj corre de forma perpendicular a la realidad cotidiana. Un lugar no-lugar en otro tiempo como es el camino-tiempo hacia/del exilio. Ambas esperan un tren que ¿ya pasó? ¿No pasará? Durante ese tiempo se abrirá el espacio del recuerdo personal y el espacio también del “des-tierro”.

“Flores Arrancadas A La Niebla” de Arístides Vargas es la propuesta de Ana Woolf está mostrando como instrumento poético de un mundo que es aterrador y mágico, pero tiene que estar habitado por estos dos personajes que están obligados a estar ahí.

“Flores Arrancadas A La Niebla” muestra el vacío del exilio, el abismo oculto de la injusticia, el borde la locura y el juego, las promesas al viento, los desgarros corporales y el equilibrio de la naturaleza.

“Flores Arrancadas A La Niebla” tiene mucho ritmo, es muy poética. Juega con lugares vacíos, con el equilibrio precario de los personajes, con la resonancia magnética de la música en un espacio donde todo debe pasar.

“Flores Arrancadas A La Niebla” está los sábados a las 20:00 horas, en Andamio 90, Paraná 660, reservas al 4373-5670.

Ficha técnica

Dramaturgia: Arístides Vargas

Elenco: Natalia Marcet y Cecilia Ruiz

Dirección de arte: Sandra Iurcovich

Música original: Claudio Peña

Diseño de luces: Sandra Iurcovich y Ana Woolf

Edición de imágenes: Francisco Iurcovich

Asesoramiento técnico: Chango Díaz

Realización de escenografía: La Menesunda Realizaciones

Realización de vestuario: Silvia Calvo

Fotografía: Fiorella Corona

Prensa: Simkin&Franco

Diseño gráfico: Lore Dominguez

Asistente de producción: Jenny Cuervo (Colombia)

Asistencia de dirección: Diego Schmukler

Dirección y puesta en escena: Ana Woolf

LA PATRIA FRÍA

La patria fría pone en escena un circo pobre en medio de la pampa frente a la llegada inminente del tren solidario de Eva Perón. Entre ambos se dará una cruda disputa por lograr la mayor convocatoria. Un presentador opositor, un ex enano, una contorsionista guaraní, un funambulista alcohólico, un clown cooperativista, un tuerto lanzador de cuchillos y el refinado crítico del pueblo, todos juntos en la sorprendente pelea para que el arte llegue al público.

La acción se configurará como un entramado de pequeñas resistencias y traiciones oscuras. Entretanto, nadie se atreve a decirle al ex enano que su atractivo cómico ha desaparecido. 

“La Patria Fría” está escrita por Mariano Saba y André Binetti, quien también es el director de esta desgarradora puesta en escena. Desgarradora porque contemplan muchos aspectos metafóricos y reales, en la obra hay una línea muy delgada que aparece entre esos aspectos.

“La Patria Fría” nos lleva hacia lo que sucede en el detrás de la arena, el público está situado de forma circular, de esa manera provoca que los espectadores encierren a los actores, para que ellos a su vez nos envuelvan en la realidad que transitan.

Esa realidad, está de más decir que es horrenda, es desagradable de conocerla, pero en la forma que Andrés Binetti nos conduce no la sentimos así, hasta que sucede el verdadero reconocimiento que tienen los desdichados por las desdichas y una vez que las aceptan comienza la cruda verdad que está magistralmente expresada en los cuerpos, en el espacio, en la música que hace este gran relato.

“La Patria Fría” tiene muy buenos trabajos de interpretación. La entrega de cada uno de ellos es teatralmente fantástica. Hay como cierto espectro que se manifiesta en escena cada vez que uno de los personajes va a tomar la palabra y poner al desnudo lo que cada uno quiere tapar.

“La Patria Fría” la primera parte de una trilogía llamada “Argentina Amateur” es una magnífica obra. Así que estimado público pasen, pasen y vean a estos magníficos personajes muriéndose en el nombre de ustedes, pasen y vean las miserias, pasen y vean la metáfora como realidad escénica. 

¡Pasen! ¡Pasen! Vea los domingos a las 20:30 en Teatro Anfitrión, calle Venezuela 3340, reservas al 4931-2124 ó al 15-3004-6545. Mayor informa en lapatriafria.blogspot.com

SALOMÉ DE CHACRA

Una chacra allá en los tiempos viejos. Herodes, propietario, enseña democracia con rigor cívico a un ácrata al que mantiene encerrado en aljibe seco. Cada noche desde el pozo clama su verdad en el desierto el libertario y con la prédica del precursor sueña un orden nuevo la peonada.

Sopla el pampero su mal augurio. Es ensangrentado día de carneada, de faena, y entre chacinados Salomé, hechizada con la voz, con la palabra, sueña con poseer alguna vez esa boca. Cochonga, su madre, añorante del orden viejo sueña con su cabeza completa. Herodes, su padrastro, sueña con un bailecillo de la niña, el Gringuete, peón infaltable, ama a esa niña en criollo silencio. En la pampa la tragedia es una ristra de sueños. Una máquina de hacer chorizos.

Salomé de chacra es una trasposición guasa a la pampa del relato, los personajes y la mítica de aquella leyenda bíblica. Un auto profano representado por ánimas cada noche en la tapera en ruinas de lo que alguna vez fue una propiedad. Una rural, eterna y ceremoniosa representación de la creencia.

“Salomé de Chacra” es una obra maravillosa que nos trae Mauricio Kartún. Maravillosa para el disfrute de los sentidos, ya que nos deleita con el ritmo de sus textos, la armonía musical de las voces de los personajes y hasta nos inquieta con el encanto de la construcción del mito en el orden de lo escénico.

En “Salomé de Chacra”, Mauricio Kartun nos muestra el artificio de cómo se arma la tragedia –nos lo enuncia, ejemplifica, nos expone, todo a la vez-; nos inquita porque desde nuestra butacas nos reímos de la tragedia, de lo siniestro, de lo terrible. Somos testigos de ese universo fabuloso.

Nuestra expurgación acompaña constantemente a cada acto, a cada palabra, a cada sonido de la obra; todo constantemente nos inquita y lo disfrutamos: esto se genera por el relato, por la historia, por los personajes: Osqui Guzmán, como siempre un actor que está al servicio de la obra, que puede transformar la nada en energía vital; Manuel Vicente nos lleva por un encantador de mujeres, por una suerte de poeta que se hace al maldito pero siempre busca satisfacerse; Lorena Vega es una actriz que nos conduce por varios caminos de la seducción y la sensualidad; y, Stella Galazzi quien construye un personaje que nos muestra que los pequeños actos tienen grandes consecuencia. Todos se manifiesta poéticamente.

“Salomé de Chacras” es una experiencia única. Todo está ante nuestros sentidos, hasta eso que queremos verlo como metáfora de una realidad. “Salomé de Chacras” es un acto de comunión que religiosamente tenemos que asistir para ver el equilibrio en el desequilibrio, admirar como se gesta el vacío ante nosotros, descubrir los miedos y los deseos de los personajes. Una tragedia escénica maravillosa.

“Salomé de Chacras” está los viernes a las 21:00, los sábados y domingos a las 20:00; en el Teatro del Pueblo, Av Roque Sáenz Peña 943, reservas al 4326-3606.

Ficha Técnica

Autor: Mauricio Kartun

Elenco: Manuel Vicente, Osqui Guzmán, Stella Galazzi, Lorena Vega

Asistente Artística: Lorena Ballestrero

Supervisión de movimientos: Luciana Acuña

Diseño Sonoro: Tian Brass

Diseño de Escenografía y realización de elementos: Norberto Laino

Diseño de Vestuario: Gabriela A. Fernández

Diseño de iluminación: Alejandro Le Roux

Prensa: Simkin & Franco

Dirección: Mauricio Kartun

LA DÉCIMA SINFONÍA

Después de la muerte de Beethoven, se desarrollan dos remates en paralelo de sus diferentes pertenencias. Será a partir de este hecho, el punto desde el cual se realizará un recorrido respecto de los diferentes momentos más significativos de la vida de uno de los más grandes músicos que tuvo el mundo.

¿Quién fue Ludwig Van Beethoven? ¿Cómo vivía? ¿Qué le interesaba? ¿Cuáles fueron los grandes amores de su vida? ¿Sus ilusiones y sus deseos?

Un espectáculo que busca mostrar, a modo de homenaje, la parte más oculta, humana y sensible de uno de los artistas más sobresalientes de la música clásica universal.

“La Décima Sinfonía” es la propuesta escénica que está bajo la dirección de Jorge Ducca. Esta puesta en escena lleva al público por las imágenes del deterioro de un genio, acentuando las pesadillas de Van Beethoven.  

“La Décima Sinfonía” es un constante diálogo entre el silencio y la desesperación, todo esto busca trastornar los sentidos. En ese aspecto, Manuel Mazza y Fernando García logran ese cometido, tomando cuerpo y forma de lo que produce el gesto del diálogo. Apoderándose del juego del silencio y de la desesperación para terminar en un estado de tormento.

“La Décima Sinfonía”: construye imágenes poéticas que son escalofriantes, componen movimientos armónicos dentro del caos, dibuja esperanzas en los hechos que atormentaron a Beethoven mientras producía el acto de escritura de sus obras; pero, poco a poco el público es testigo que todo lo mencionado se marchita para convertirse en un recuerdo monetario que está siendo rematado constantemente; hermosa metáfora sobre la libertad y el capital.

“La Décima Sinfonía” está los jueves a las 20:30, en La Mueca, Av. Córdoba 5300 1° piso; reservas al 4777-0825.

Ficha  Artístico Técnica:

Intérpretes: Manuel Mazza (Ludwig)  y Fernando García Cormick (Rematador)

Bailarines: Franco Marcoccia, Rosana María Ruiz, Andrea Parodi.

Vestuario y escenografía: Pablo Graziano

Musicalización: Carlos Gutiérrez

Coreografía: Franco Marcoccia y Rosana María Ruiz

Maquillaje y caracterización: Florencia Moyano-Aidana Garcia Deparci

Puesta en escena y Dirección General: Jorge Ducca

Autor: Jorge Ducca

YOCASTA

Edipo es el hombre del poder.

El argumento se retoma en esta versión para ser relatado desde el punto de vista de Yocasta, la principal víctima de la tragedia. Yocasta asume el rol de narradora que se presenta para exponer los hechos con el objetivo de intentar comprenderlos y reflexionar sobre ellos. Esta versión de la tragedia adopta conscientemente el punto de vista femenino, prescinde del coro y se concentra exclusivamente en la acción de los personajes principales. Todo lo que aparece en escena es la expresión rigurosa del relato de Yocasta, cuyo punto de vista desafía el clásico determinismo de la tragedia griega para afirmar enfáticamente la concepción del cosmos gobernada por el azar.

Edipo es el hombre del poder según Foucault, y esta idea constituye el eje de la pieza. A pesar de que él mismo prometió extirpar las calamidades que azotan a Tebas, las evidencias lo acorralan para hacerlo directamente responsable de esas mismas calamidades. Sin embargo, en ningún momento Edipo piensa en resignar su poder: sólo se preocupa de lo qué es lo que debe saber y qué es lo que debe hacer para conservar la corona.

Esta YOCASTA escrita y dirigida por Héctor Levy-Daniel es, según se señala, una versión libre del Edipo Rey de Sófocles. Nada fácil el desafío de enfrentar la escritura y puesta en escena de una obra basada en la trama de Edipo Rey, cuya estructura es considerada como una de las más perfectas de la historia del teatro. Sin embargo, YOCASTA supera las expectativas y nos logra envolver para adentrarnos, desde la visión de quien fuera la mujer y madre de Edipo, a este mito tan conocido por la cultura occidental.

Lo primero que nos captura es el diseño escenográfico, una propuesta simple pero efectiva nos traslada al interior de un palacio donde vemos aparecer a los personajes que lo habitan, acompañados de las perturbadoras historias que los ciñen. Yocasta, es la encargada de guiarnos en este viaje al pasado, para revisar los acontecimientos que rodearon la mítica historia de Edipo Rey. 

El viaje es envolvente, Yocasta logra que nos adentremos en la historia y que, sin proponérnoslo, nos terminemos transformando en testigos de aquellos sucesos. Es desde esta privilegiada  posición  que comenzamos a releer Edipo y descubrimos la ceguera que éste sufre frente a la posibilidad de perder el poder al cual se aferra más que a su propia vida. Efectivamente, YOCASTA nos presenta una nueva lectura de Edipo Rey, la cual se basa en la perspectiva del poder y los efectos seductores que ejerce en los hombres. Esto hace que la pieza tome una dimensión mucho más amplia y atemporal puesto que bien sabido es que la cuestión del poder ha sido uno de los ejes más importantes sobre el cual ha girado la historia de la humanidad.

Interesante propuesta la de YOCASTA, didáctica y efectiva, logra que nos posicionemos de una manera distinta frente al mito de Edipo y lo leamos con ojos renovados.

Por otro lado, destaca la elección estética, la cual se acerca más a lo contemporáneo. El vestuario de los personajes, por ejemplo, el cual es mucho más cercano a nuestro tiempo que a la época de la Grecia clásica, permite también que nos sintamos más cercanos a la historia y que podamos traer los hechos narrados por Yocasta hasta nuestro presente, como sucesos que pueden corresponder perfectamente a nuestros días, ya que el hambre de poder no conoce de épocas.


Yocasta está  los domingos a las 17:00, en el Teatro Actor´s Studio. Díaz Vélez 3842

Reservas al 4983-9883

Libro y dirección: Héctor Levy-Daniel

Elenco: Jessica Schultz, Pablo Razuk, Carlos Kaspar, Abián Vainstein y  Juan Carrasco

 Escenografía y vestuario: CECILIA ZUVIALDE /Diseño de iluminación: RICARDO SICA

 Música original: SERGIO VAINIKOFF / Asistente de dirección: FLORENCIA MÉNGOLI

CACHAFAZ

“¡Robarle el fuego al infierno es mucho más que capricho, robarle nieve al invierno no se atrevería ni un bicho!” Copi, con su mirada descarada, irónica y arriesgada, nos enfrenta a esta historia de guapos de conventillo. Cachafaz y La Raulito, entre el hambre y la indecencia, entre policías y vecinos, son los héroes desvergonzados de ésta, su última payada mistonga morocoté. Cachafaz nos toma, nos mezcla, nos deglute y nos vomita. Nos hace ver lo que no podemos, o no queremos ver al transitar la experiencia de este conventillo en ruinas.

Conmovedora y revolucionaria resulta ser este CACHAFAZ de Tatania Santana, una lectura acertada del teatro de Copi, dramaturgo nacional cuyo trabajo es aun poco conocido en la Argentina.

CACHAFAZ es una de las últimas piezas escritas por Copi. La historia se desarrolla en un rancio conventillo de Montevideo donde viven Cachafaz y la Raulito. El primero es una especie de cafiche y guapo del lugar, mientras que la Raulito es un travesti con excelsas aspiraciones; ambos viven en unión  “pecaminosa” según la opinión de parte de los vecinos que les recriminan su escandalosa moral. Sin embargo, la pareja hace frente a todo y desafía los límites morales y sociales, viviendo al margen de la moral. Imprevistamente se ven envueltos en una serie de asesinatos de policías, a quienes luego de matar descuartizan y comen.

Curiosa trama para esta pieza teatral que el propio autor subtitulo como “tragedia bárbara en dos actos y en verso”. Sin embargo, más allá de lo anecdótico, CACHAFAZ nos lleva a reflexionar sobre diversos temas de índole social y político: la discriminación hacia las “minorías” sexuales, el rechazo a la pobreza, lo justo v/s lo legitimo, el orden social establecido, etc.

Lo dinámico de la puesta en escena ayuda a que el publico salga de la sala con la sensación de haber pasado más que un buen momento, con la sensación de haber sido parte de una especie de protesta artística contra el sistema y sus rígidos márgenes.

Las actuaciones de cada uno de los miembros del elenco es sobresaliente, cada uno de ellos aporta lo mejor de su talento para dar vida a la pieza y logran involucrar al público en este viaje. Sobresale la acertada decisión de haber escogido incluir canciones y coreografías dentro del montaje, así como música en vivo y los ritmos de murgas. Todo, desde los vestuarios, la distribución del espacio, la escenografía hasta la misma estructura de la escena que está desnuda de telas ha contribuido a diseñar acertadamente el mundo en que Copi dibujo para su CACHAFAZ. Mérito aparte merece el texto en si, el cual es rico en poesía, musicalidad y desfachatez.

Definitivamente, con este CACHAFAZ nos adentramos en los mundos marginales, nos vemos reflejados en ellos y nos quedamos luego con la sensación de haber asistido a un acontecimiento único, donde el arte se hizo revolución.

CACHAFAZ está los sábados a las 22:00 y a las 23:30 en Teatro Del Sur, Venezuela 2255. Reservas al 15-6104-7266

Con Emilio Bardi y Claudio Pazos. Dirección: Tatiana Santana. Coro de vecinas: Rosario Albornoz, Catalina Lescano, Patricia Martinez, Pilar Rodríguez Rey. Coro de vecinos: Andrés Granier, Marcelo Lirio. Músicos en escena: Joel Maiante (guitarra), Pablo Martínez (percusión) y Eugenio Sánchez (clarinete). Coreografía: Mecha Fernández. Composición musical: Rony Keselman.

NOCHE BUENA

Las fuerzas opuestas se atraen

“Cuatro personajes de treinta y pico reniegan con su soledad en el pasillo de una casa.
Francisco siente que perdió su masculinidad al ser abandonado por su última mujer.
Luz cree que en ella hay un problema de género, que debe cambiar sus maneras, ahora delicadas, por otras mas violentas, que es momento de defender su amor como “un hombre”.
Maxime es el vecino francés. Está enamorado de Luz. Gracias a incontables juegos de llaves irrumpe en la casa de ella de manera casi cotidiana, obsesiva, tal vez. Probablemente negadora.
Julieta vive con Luz, se siente sola y fea. No entiende cómo relacionarse con los hombres, ha vivido en la periferia de los vínculos sentimentales.
Los cuatro han perdido la capacidad de comprender lo que los demás quieren de ellos. Son incapaces de construir vínculos amorosos. No reconocen sus mecanismos de seducción.
Están solos.
Ante la urgencia que marca esa soledad descomunal, cada uno de los personajes de este relato termina buscando el amor donde o con quién es imposible.
Es por eso que, ante la más pequeña posibilidad de un encuentro amoroso, la presión la destruye, la espanta.”

“Noche Buena” es un delirante juego teatral. Es una puesta en escena que aparenta una comicidad sencilla en cuanto a lo formal; pero en lo profundo hay un diálogo de relaciones de polos opuestos, que a su vez se atraen y se rechazan; hay algo oculto que surge desde la desesperación que causa la soledad y el abandono.



“Noche Buena” inmediatamente presenta personajes que son contradictorios entres ellos; justamente por esa oposición se atraen:



Francisco, personaje que lleva la acción de la obra, en torno a este se va desarrollando todas las situaciones de construcción; y cuando uno llega a ver a este personaje es un ser desechado por el mismo, o aparenta serlo, es nervioso e inquieto, decisivo en sus propias indecisiones, está muy bien construido por Francisco Oriol.



El personajes masculino contrario a este Francisco es Maxime, quien se expresa por medio de sus ojos, es un ser inseguro, tal vez el único personaje noble en escena, por etiquetarlo de alguna manera; es el único que sabe lo que desea –a Luz- y no siempre va por ella; otro personaje exquisito y bien construido, es interpretado por Maxime Bonachera.



Luz –interpretada por Luz Quinn-, es un personaje que empieza a crear un mundo desde una experiencia que tuvo –o no- con Francisco; hay un deseo en ella de complementarse con un Francisco derrotado, desamparado y abandonado; a ella le atrae ese tipo de carácter, se siente muy bien con las personas desoladas.



Contrariamente, como fuerza, está Julieta –creada por Julieta Petruchi- quien en el silencio resguarda su corazón, siempre está al servicio de Luz, es todo lo contrario a ella, es un personaje que se proyecta para dentro.




Las situaciones jocosas están en la estructura de una comedia de enredo entre los personajes con caracteres contrarios. Los climas son muy irónicos, reales y hasta un poco enfermizamente grotescos.



“Noche Buena” está los domingos a las 20:30 en Abasto Social Club, Humahuaca 3649, teléfono: 4862-7205.

URDINARRAIN

Traicioneramente divertida

“En un pueblo de Entre Ríos cinco hermanas, Silvia, Ramona, Amabelia, Cati y Nilda, se juntan cada invierno en su casi abandonada casa de la infancia. Allí llevan a cabo rituales que año a año repiten: airean la ropa de sus padres ya muertos, clasifican fotos durante horas, planean cómo arreglar el jardín en el desayuno, ventilan reproches vestidos de buenos recuerdos en el almuerzo y en la cena reafirman su status sabiendo perdonar.

Lisandro, el hijo de una sexta hermana que vive en medio del campo, llega con malas noticias, él no iba a esa casa desde que tenía diez años y las historias que giran en torno a su familia parecen casi de literatura fantástica. La inesperada visita interrumpe el atávico ritual de estas hermanas y se complica cuando una tormenta impide la vuelta del chico al campo. La convivencia se vuelve obligada. El pasado se reaviva y las incógnitas sobre el presente y el futuro se hacen intensas. Pero la verdad, tan inevitable como la muerte, se encargara de encausar lo inevitable.”

“Urdinarrain” de Hernán Morán es un trabajo delirante, sabroso y muy ameno, propuesta que utiliza al silencio y al juego; es una apuesta que va más allá de una simple comedia familiar. A un principio, parece ser una invitación a contemplar como se relaciona una familia que se creó en el campo; luego, la sorpresa de esa convivencia van desenvolviendose lentamente en “lo que no se puede decir” y eso, lo no dicho, está en el silencio, en la música –marravillosamente emotiva por cierto- y en la presencia del personaje de Nadia Szachniuk.

Hernán Morán realizó un excelente trabajo de casting y dirección de actores, ya que es bendecido por la entrega y la capacidad sensorial que tienen: Nadia Szachniuk, María Urtubey, Pilar Anbentín, Andrés Passeri, Liliana Weimer, Adriana Pregliasco, Maruja Bustamante y Mayra Homar. Las construcciones de los personajes, los vínculos y las relaciones con las circunstancias son trabajadas de manera exquisita.

Cada personaje tiene un rasgo sencillo y la vez porta complejos y tridimensiones realista como utópicos; son personajes soñadores, que se confunden con la realidad. En “Urdinarrain” predomina el recuerdo de tiempos mejores, la presencia del ayer, la de los acontecimientos familiares, de la constante muerte y la búsqueda de ese re-encuentro familiar; todo en un marco hipnótico, bajo el relato de un ser vivo musical.

“Urdinarrain” es una jocosa comedia donde nos plantea nuestras relaciones familiares, nuestras poses para una imagen fija y nuestras verdades ocultas que guardamos a nuestros seres queridos; “Urdinarrain” es una constante dialéctica de lo oculto y de lo no dicho con lo mostrable y lo dicho.

“Urdinarrain” está los sábados a las 21:00 en el teatro La Carbonera, Balcarce 998, teléfono 4362-2651.

más sobre LUCY TOCA FONDO

Lucy se toca, yo me toco, vosotros os tocais.

K.Ese.Escoria

Alguna vez vi un disco de Miguel Bosé, que se llamaba 12 maneras de ponerse un sombrero. En el cuadernillo que venía con el disco, el cantante tenía el sombrero en diversas posiciones y situaciones (algunas muy malas por cierto). Esta obra debió llamarse “150 maneras para una masturbación femenina eficaz, datos y consejos”.



La obra comienza con ella frotándose contra un sillón. Luego de nuevo contra una muñeca, luego contra un palo, luego contra sus manos, luego contra su pie (no sé como se lograría esto), luego contra el público (si está casado no vaya a primera fila), luego contra todo lo que encuentra alrededor (sillas, ventanas, paredes, la gente de escenografía, la radio, la directora, el techo del teatro, el piso del teatro ubicado a 10 cuadras de ahí). Para el momento en que acabó la obra, ella acabó 150 veces (if you know what i mean).



Y bueno, de ahí para atrás o para adelante (ahora hablo de la obra como estructura artística, por si acaso) no pasó mucho más. Se declaró enferma mental, jugó con sus barbies (no de la manera más infantil que puedan imaginar) y le hizo la paja a un cura (así como suena).



La obra concluyó de una manera ambigua en la que la actriz sintió una revelación (la única vez en la obra que no era un orgasmo, aunque no lo sabemos con certeza) y decidió vivir tocándose feliz hasta el final de sus días.



Creo haber correspondido a la crudeza de lo que vi, con mi crítica. Las cosas como son nomás. Yo me pajeo, tú te pajeas, vosotros os pajeais y a otra cosa mariposa.

LUCY TOCA FONDO

Lucy es valiente

Kevin Quitapenas

Considero que es necesaria una valentía muy notable, para escribir una propuesta como esta, que resalta y casi hace una apología a la masturbación femenina. Tema que parece taboo en nuestras sociedades. Considero una doble valentía el interpretar el texto, con una propuesta claramente enmarcada en lo sexual. Donde no hay paso a la sutileza, sino al crudo movimiento, al crudo roce y al crudo placer.

Si juntamos ambas valentías, el trabajo tiene un valor agregado muy interesante, que puede como no puede gustar, puede perturbar, puede molestar, sin embargo ¿para qué sino se haría una propuesta así? Lucy toca fondo y seguramente el espectador tocará algo y no podrá evitar lanzar criterios y juicios de valor que no vayan en el marco de la temática de la obra, que es lo que más se estampa en quien la ve.

Sin embargo, creo que es necesario todavía un poco de rigor en la escena. Mucha más ironía y Patrizia Camponovo todavía tiene muchos recursos que se nota que se guarda, le aconsejo que no lo haga, que se la juegue el todo por el todo. Por momentos se tocaba y no se tocaba, por momentos decía el texto y aparecía un dejo de vergüenza, de querer que acabe rápido. Estos puntos pueden ser trabajados y pulidos, es posible todavía arrojar la daga al espectador y esperar, esperar, esperar hasta que sangre.

Una valiente propuesta, que ustedes pueden ver en el Teatro el Poccolino, ubicado en Fitz Roy 1056-Palermo Holyywood. Los jueves a las 22:00hrs.