VESTUARIO DE MUJERES

Increíble representación de los deseos

“Un equipo amateur de un club de barrio, que practica un deporte llamado Lacrosse, ha logrado clasificar para participar del mundial de clubes de ese deporte que se celebra en una perdida ciudad de Hungría. Y tanta es su suerte que logra llegar a la final.”

¿Por qué estamos acá? Es una de las preguntas que la entrenadora Sonia hace a las jugadoras. “Vestuario de Mujeres” escrito y dirigido por Javier Daulte, nos responde de manera teatral con la circuntancia de el equipo femenino del Club de Lacrosse de Alamgro.

“Vestuario de Mujeres” es un caos muy ordenado, es la poesía del desorden, de la histeria, de los nervios, de la juventud, de los sueños, de los deseos, de las mujeres, de la calentura. Es una puesta realista, donde el espacio que sucede la acción de en el camerino, en el subsuelo, donde no sólo hay una desnudez física, también una del espíritu.

Las actuaciones están más que realistas, son muy orgánicas y consecuentes, cada una de ellas juega el rol que les toca hacer, estaán siempre presentes en escena y transitando a cada momento pequeñas y grandes acciones internas que siempre terminan en un caudal de desenfreno. A gusto personal, como siempre, destaco mucho a las mellizas María y Paula Marull, Elisa Carricajo, Marcelo Peidro y Debora Zenolli.

Hay una propuesta espacial que no deja respirar a los personajes, donde lo que está oculto y no se quiere decir reclama por un exorcismo de esos deseos. Siempre como una respuesta, en acciones internas y externas de los personajes sobre la pregunta “¿Por qué estamos acá?”. Que no es sólo ganar el campeonato mundial.

Este incríble trabajo en cuanto a puesta y propuesta como espectáculo está los sábados a las 21:00 y domingos a las 20:00, en Espacio Callejón, Humahuaca 3759, reservas al 4862-1167.

Actúan

Sonia: Dana Basso

Aneska: Elisa Carricajo

Enana: Valeria Correa

Bibiana: María Marull

Bárbara: Paula Marull

Adri: Laura Paredes

Gachi: Ana Pauls

Mica: Marcela Peidro

Iris: Débora Zanolli

Male: Magela Zanotta

Ficha Técnica

Asistente de dramaturgia y director adjunto: Héctor Díaz

Asistencia de dirección : Leandro Orellano / Ezequiel Peleteiro

Producción ejecutiva: Sebastián Polito

Escenografía: Alicia Leloutre

Iluminación: Gonzalo Córdova

Vestuario: Mariana Polski

Hakas: Luciana Acuña

Autor y director: Javier Daulte

VESTUARIO DE HOMBRES

La pasión de ser los mejores de lo peor

Un equipo amateur de un club de barrio, que practica un deporte llamado Lacrosse, ha logrado clasificar para participar del mundial de clubes de ese deporte que se celebra en una perdida ciudad de Hungría. Y tanta es su suerte que logra llegar a la final.

“Vestuario de hombres” es la propuesta que nos lleva a pensar hasta donde somos capaces por conseguir algo, ¿qué estamos dispuestos a hacer lo que sea necesario para ganar? ¿Que significa ser los mejores?

En “Vestuario de hombres” la propuesta está encaminada ya no por los deseos sociales y de juventud en un acontecimiento deportivo, sino por la última oportunidad de ser algo o alguien en la vida, de demostrarse así mismo que son los mejores en algo. Javier Daulte junto a un elenco de mucho nivel y un gran equipo de trabajo nos muestra y nos hace transitar a través de “Vestuario de hombres” lo despiadado que somos.

Los intérpretes de “Vestuario de hombres” tienen una descarga de intensidad que es para admirar. Componen matices que surgen desde los oscuros deseos de los personajes. A cada momento el juego se torna más peligroso. Un gran trabajo que refleja el oficio de cada uno de ellos.

Hay una propuesta espacial que no deja respirar a los personajes, donde lo que está oculto y no se quiere decir reclama por un exorcismo de esos deseos. Siempre como una respuesta, en acciones internas y externas de los personajes sobre la pregunta ¿Qué estamos dispuesto a hacer para tener reconocimiento y fama?

Este incríble trabajo en cuanto a puesta y propuesta como espectáculo está los viernes a las 21:00 y los sábados a las 23:00, en Espacio Callejón, Humahuaca 3759, reservas al 4862-1167.

Elenco

Tincho: Joaquin Berthold

Ari: Federico Buso

Gali: Julián Calviño

Pechu: Gerardo Chendo

Colo: Héctor Díaz

Lorens: Juan Grandinetti

Sándor: Walter Jakob

Bocha: Javier Niklison

Shwarzer: Marcelo Pozzi

Hernancito: William Prociuk

Silvester: Ezequiel Rodríguez

Ficha Técnica

Asistente de dramaturgia y director adjunto: Héctor Díaz

Asistencia de dirección : Leandro Orellano / Ezequiel Peleteiro

Producción ejecutiva: Sebastián Polito

Escenografía: Alicia Leloutre

Iluminación: Gonzalo Córdova

Vestuario: Mariana Polski

Hakas: Luciana Acuña

Autor y director: Javier Daulte

FRESHWATER

Una comedia de Virginia Woolf

“Una comedia absurda y disparatada, en Freshwater el tiempo parece no transcurrir. Entre fotografías, poesía y pintura, los Cameron y sus amistades siguen su excéntrico curso diario hasta que irrumpe un acontecimiento inesperado: el amor - ¡y los ataúdes que por fin han llegado!”

“Freshwater” es una obra muy delirante, juega mucho con el arte, la cultura, las diferentes prácticas del comportamiento en la sociedad y la realeza. “Freshwater”, la versión de María Emilia Franchignoni que hizo sobre la obra de teatro de Virginia Woolf, es una propuesta que busca un delirio elegante como forma de reflexión; en “Freshwater” hay una crítica social a las posturas, a los enmascaramientos, a la aparentación, al arte, a la cultura, a una cierta clase de la sociedad.

“Freshwater” “parodia” ciertas circunstancias sobre la sociedad de ahora con otras de una época muy distante; pero, entre ellas hay puntos de encuentros, donde podemos observar la pasión desenfrenada por crear “la belleza” y no vivirla. Por teorizar, crear y captar el momento sublime de la vida y no dejarse llevar por ella. Por la falta de amor, por la falta de algo o alguien concreto porque vivir y no hacer la re-presentación de la vida plasmándola para la posteridad. Es una puesta llena de metáforas sobre ciertos vicios que tienen los creadores y constructores de metáforas, algunos son llamados: artistas.

Hay un gran trabajo en las caracterización de los personajes, como un buen manejo de la métrica en la forma de transitar las palabras. Cada personaje tiene matices que están entre lo coloquial, lo paródcio y lo real, todo ello los hace único en el propio juego de la re-presentación. Al igual que los elementos de la escenjografía y el vestuario, el trabajo con los actores va por la misma identidad de la obra.

No sólo va a ver por primera vez los que algunos denominan la primera representación en español de la única pieza teatral de Virginia Woolf, también va a pasar un buen momento de delirio basado en hechos y personajes históricos contemporáneos a la autora inglesa. “Freshwater” está los domingos a las 20:00, en la Ciudad Cultural Konex, Sarmiento 3131.

ACTORES:

Marcela Bea como Julia Margaret Cameron

Félix Tornquist como Charles Hay Cameron

Miguel Amestoy como George Frederick Watts

Guillermo Somogyi como Alfred Lord Tennyson

Manuela Fernández Vivian como Ellen Terry

Victoria Páez como Mary Magdalen, la criada

Gabriel Schapiro como John Craig

FICHA TÉCNICA

Autor: Virginia Woolf

Diseño de vestuario: Sofía Di Nunzio

Asistente de vestuario: Emilia Tambutti

Escenografía: Julieta Ascar

Asistencia de escenografía: Lucrecia Marchese

Diseño de iluminación: Leandra Rodríguez

Diseño Gráfico: Bruno Rafaelli

Fotografía: Luciano Damiao y Pilar Benítez Vibart

Prensa y Comunicación: Duche&Zárate

Producción General: Ma. Emilia Franchignoni

Producción Ejecutiva: Martín Lavini.

Asistente de producción: Marisol Delgado.

Dramaturgismo y Puesta en escena: Ma. Emilia Franchignoni

Dirección de Actores: Alejandra Flores

Dirección General: Ma. Emilia Franchignoni

DESPUÉS DEL BORDE

Seis dolores en búsqueda de la muerte

“¿Qué hay cruzando el límite del dolor cuando su final inminente es la muerte? ¿Cuánto

tiempo se puede permanecer cayendo?

Seis mujeres aturdidas de soledad, alienadas, estrelladas contra la tristeza, eludiendo

verdades…

El limbo del dolor.

Mientras desgarran la esperanza y se regodean en la amargura de la agonía, un

jacarandá pierde sus flores, el sol derrite los helados, las orugas se transforman en

mariposas…

No le tienen miedo a la muerte: la desean.”

“Después del Borde” es la nueva propuesta de Heidi Steinhardt, esta puesta es una poesía donde hay seis ejes cuyo germen es el dolor. Son seis personajes que están en escena constantemente, cada una en su mundo, cada una nos presenta parte de su mundo pero nos muestra como surge el dolor, no hay una inter-relación directa entre ellas, pero se complementan muy bien. Son seis culpas que están a la espera de expirar el dolor personal que llevan.

“Después del Borde” constituye una resignificación de utilizar el monólogo como herramienta no de narración si no de puesta en escena, para mostrarnos la construcción de esos hechos tan dolorosos y porque se comportan así.

Ese juego escénico está muy bien interpretado por las seis actrices, todas ellas llevan mucha carga de intensidad; juegan muy bien la situación y no nos cuenta lo que les sucedió, sino lo transitan y nos llevan junto a ellas; además, cada una de las actrices están muy atentas de equilibrar el espacio y los silencios con mucha sutileza mientras su compañera nos guía a su mundo.

“Después del Borde” es una construcción de culpas que nos lleva por un espacio muy violento como condensador. No hay una garantía de supervivencia o de redención. “Después del Borde” está muy bien presentado en el programa de mano: “Mi herida existe antes que yo. He nacido para encarnarla” Joe Bousquet.

Está intensa propuesta denominada “Después del Borde” está los sábados a las 20:30 en el Teatro Anfitrión, Venezuela 3340, reservas al 4931-2124.

Intérpretes

Lila: Ana Clara Schauffele

El Molino Verde: Maida Andrenacci

Hada Mariposa: Sofia Wilhelmi

Las Cosas: Silvia Villazur

Inis: Maria Colloca

Princesa Ahogada: Heidi Steinhardt

Ficha técnica

Diseño de Escenografía: Alejandra Polito

Realización de escenografía: Nacho Pola

Vestuarista: Amelia Barros

Diseño de Iluminación: Silvana Correa

Entrenamiento corporal: Ana Quiros

Coach vocal: Nora Pessolano

Diseño Gráfico: Sebastián Castro

Arreglos musicales: Gabriel Guz

Prensa: Simkin & Franco

Coordinación de Producción: Daniel Kogan

Asistencia de dirección: Gabriel Guz

Dirección Capítulo ¨Princesa ahogada¨: Miguel Israilevich

Colaboración en dirección y puesta en escena: Carla Pessolano

Dramaturgia y Dirección: Heidi Steinhardt

HIJA DE AKA YARAA

Suspenso escénico

Mirko y Lidomira, dueños de un camping en la ribera del Aguapey, tienen bajo su cuidado a la Ichi, hija del Aka Yaraa, un ser mitológico del Litoral. Gracias a esta misión secreta, la pareja de lugareños goza de un presente muy venturoso. Pero la Ichi se vuelve cada vez más caprichosa y exigente con sus tutores, quienes deben cumplir con todos sus pedidos si no quieren ser víctimas de una maldición eterna. Una noche de verano, llegan de Buenos Aires dos mochileros y una pareja en crisis. Para Mirko y Lidomira serán mucho más que clientes.

“Hija de Aka Yaraa” es una puesta en escena que combina mucho algunos códigos del cine de género con la escena porteña actual. “Hija de Aka Yaraa” es la propuesta bajo la dirección de David Rubinstein que nos invita a un mundo muy conocido en el cine pero muy poco visto en el teatro.

“Hija de Aka Yaraa” es una propuesta realista donde se conjuga mucho la civilización y la barbarie, donde el silencio transmite miedo, puede ser al mismo silencio, a la incomunicación, o a lo que no se quiere decir para no herir a la otra persona, y a lo desconocido.

“Hija de Aka Yaraa” tiene una propuesta escénica creada desde ciertos climas, donde el espacio es cómplice de la historia que nos están mostrando. Hay mucha relación entre el espacio que se está gestando con los actores, construyendo así un sentido efímero de un encuentro más que terrible es fatal.

“Hija de Aka Yaraa” está los viernes a las 20:00 en El Camarín De Las Musas, Mario Bravo 960, reservas 4862-0655.

Actúan:

Patricio Aramburu

Javier Barceló

Rita González

Federico Liss

Paula Manzone,

Daniel Miranda

Anahí Pankonin

Ficha técnica

Vestuario: Mariana Seropian

Fotografía: Brenda Bianco

Utilería: Mariana Seropian

Diseño de Escenografía: Federico Liss y David Rubinstein

Diseño gráfico: Brenda Bianco

Diseño de iluminación: David Rubinstein

Diseño sonoro: Juan Pablo Martini

Asesoramiento en Guarany: Sunny Robles y Pablo Ortellado

Prensa: Claudia Mac Auliffe

Asistencia de dirección: Jorge Eiro

Producción: Gabriel Bitterman

Dirección: David Rubinstein

FAUSTO, UN SUEÑO IMPOSIBLE

Visualmente Poética

La insatisfacción de Fausto con la imagen que le devuelve el espejo, lo acercan a una problemática narcisística. En esta versión, las características individuales de Mefistófeles y de Fausto se desdibujan y ya no es tan importante desentrañar los secretos del macrocosmos sino más bien, indagar en los misterios del cuerpo humano, la manipulación genética, las sexualidades fluctuantes. Así, el culto a la imagen y los intentos quirúrgicos de prolongar la apariencia de la juventud, son claros desafíos que llevan la impronta fáustica. El estado mental de Margarita puede ser resultado de algún experimento fallido, el viaje al Brocken una ilusión fabricada por combustión química. Todo parece estar bajo el control de Mefistófeles, salvo el factor humano. El impacto que produce en Fausto la aparición de Margarita, los sentimientos que surgen entre ellos, la fe de Margarita, invierten los tantos, Fausto muere y quien queda sumido en la desesperación, es Mefistófeles.

“Fausto, Un Sueño Imposible” la versión libre de Edward Nutkiewicz, bajo la dirección de Mónica Maffia es una propuesta muy visual, cuya estética atrapa al espectador arrastrándolo hacia el mundo melancólico que habitan los personajes de Fausto, Mefistófeles y Margarita.

“Fausto, Un Sueño Imposible” tiene muy buenas interpretaciones como un buen manejo del espacio, donde se conjuga lo visual con la teatralidad. “Fausto, Un Sueño Imposible” es una propuesta escénica cuya incipienza parte desde lo deplorable del físico, una mera vanidad, pedantería que va evolucionando a lo funesto del alma, del espíritu.

¿Quién es más vanidoso? ¿Quién es más soberbio? ¿Quién necesita estar llamando siempre la atención? ¿Fausto?, ¿Mefistófeles?, ¿Margarita? En “Fausto, Un Sueño Imposible” podemos preguntarnos quién de los personajes es la metáfora, o el reflejo de la sociedad. Aseguramos que es una puesta en escena donde intenta dialogar con el hoy, pero sólo nos lleva por más preguntas.

“Fausto, Un Sueño Imposible” está los viernes y los sábados a las 21:00 en el Teatro El Bardo, Cochabamba 743, reservas e informas al 4300-9889 o al info@elbardoteatro.com.ar.

Elenco, por orden de aparición

Fausto: Edward Nutkiewicz

Mefistófeles: Daniela Catz
Margarita: Maia Francia

Ficha Ténica:

Escenografía y vestuario: Alberto Bellatti
Diseño de luces: Marco Pastorino
Diseño de sonido: Mónica Maffía

Fotorgrafía: Gianni Mesticheli

Producción ejecutiva: Alejandra Bonetto (equipo El Bardo)

Asistente de dirección y producción: Daniela Flores

Dirección general y Puesta en escena

Mónica Maffia

MARIANA DIAZ

Un diálogo con la directora de "Las Neurosis Sexuales de Nuestros Padres" sobre su estética y su trabajo

http://neposandkuhl.blogspot.com/2010/08/las-neurosis-sexuales-de-nuestros.html

N.S. Si pudiese definirse cómo lo haría?

M.D. Como alguien que busca incansablemente algo que no sabe muy bien qué es.

N.S. Por el momento,¿qué libro, película, revista y música le encantó o le llama la atención?, ¿por qué?

M.D. Descubrí hace poco a Sigmund Freud, además del padre del psicoanálisis es realmente un escritor genial.

N.S. ¿Cómo llegó a la escena? Es decir, ¿cómo llegó a hacer teatro?

M.D. Tenía 18 años, y hacía rato que estudiaba danza. Tuve la fortuna de ser convocada por Diego Kogan para actuar en una obra. Ni bien arrancaron los ensayos y vi cómo se trabajaba en el teatro, supe que allí era donde quería estar.

N.S. ¿Su estética de trabajo cómo la define?

M.D. Desearía que cada vez fuera menos afectada, más ascética, más prescindente de todo afeite y más cercana a los mínimos elementos necesarios para que ese texto (o pre texto teatral) se materialice.

N.S. ¿La selección del material cómo llega a definirlo? ¿Cómo decide que material puede trabajar escénicamente más que otros?

M.D. El período de elección es lento. Si le eché el ojo a un texto (y a esto llego por intuición y/o azar) no me doy por decidida hasta no haberlo leído por lo menos 20 veces. Si la vez nº 20 me encuentra aún cautivada, entonces… encaro. Recién ahí comienzo a pensar en el elenco y en el equipo de trabajo. Los temas me importan, pero sobre todo tengo que sentirme atraída sensualmente por el texto.

N.S. ¿Qué o cuales son los primeros impulsos o pulsiones para comenzar un nuevo proceso de trabajo?

M.D. La sospecha de que ese nuevo proyecto me puede permitir descubrir algunas cosas...

N.S. ¿el proceso o forma de hacer los ensayos, cómo los lleva y los encara?

M.D. Cada obra es distinta y pide ser ensayada de manera diferente. Depende mucho del material y del elenco en cuestión. En la última, me centré en la búsqueda de “el carozo” de cada situación (“lo que pasa” en cada escena). Trabajé duramente cada escena y cada situación, lo que nos permitió ir entendiendo lo que pasaba en la obra en general.

N.S. ¿En el teatro que busca o hace, el actor que factor o jerarquía ocupa?

M.D. Los actores son centrales en el teatro. Ellos y los vínculos que establecen. Todo el resto es accesorio.

Como directora, busco generar las coordenadas adecuadas que estimulen y faciliten la creatividad y el saber intuitivo de cada actor y el mío propio.

N.S. ¿Por dónde realiza la exploración de su trabajo?

M.D. Exploro en la acción dramática. Creo que la acción es la rectora del todo que conforma la obra. Trabajo incansablemente en la indagación de la acción. Si se halla la acción que pide el texto, se organizan los vínculos y las situaciones. Con la acción correcta se organiza el espacio y hasta se descubren estéticas. Si la obra es buena, y cada uno hace lo que tiene que hacer el universo de esa obra se despliega con naturalidad.

N.S. ¿Los impulsos, la gesta de las imágenes, la poética escénica, cómo la va construyendo?

M.D. Siempre hay una imagen generadora más o menos nítida.

Hay intuiciones, sensaciones, materiales pictóricos afines, a veces músicas y lecturas suplementarias. Siempre hay intereses u obsesiones personales proyectados en el material disparador. La poética escénica se construye con la sumatoria de todo lo previo, el texto y el elemento decisivo que son los cuerpos de los actores accionando en el espacio.

N.S. ¿Un ensayo en particular?

M.D. Todos. Ensayar es la época de mayor riesgo del proceso teatral. Es un período de aventuras. Durante el período de ensayos se vive un proceso alquímico: la trasmutación de la palabra escrita a la tridimensionalidad del espacio vivo.