PEQUEÑOS PENSAMIENTOS

"Uno no sabe quien es, hasta el momento en que descubre esta ignorancia"
Nepo/Cbba/29 de diciembre 2008

DESDE EL FONDO DEL...

“Aquaman”

“Aquaman” es la propuesta que nos hace ver a cada uno: nuestros deseos, sueños, temores y pesadillas más ocultas. Es una puesta en escena donde involucra muchos estímulos sensoriales. De forma rápida y cruel transitamos por diferentes estados y siempre estamos espectativos.

Para la propuesta de “Aquaman” están implicadas muchas personas –desde animadores de vídeo hasta entrenadores vocales; pero sólo son dos los que defienden el trabajo en lo que parece una puesta en escena muy sencilla; trabajo que nos dibujan una idea de un hombre-mutante, que tiene ciertos poderes sobre los habitantes del mar y puede estar bajo el agua sin problemas, que al parecer está en una especie de acuario y hace espectáculos para los niños; pero no lo es; realmente hay sueños, deseos, intereses y fuerza en la intriga de la obra.

“Aquaman” es un guiño directo al superhéroe olvidado, y como tal es el guiño hacia aquellos olvidados, o que están solos, o que necesitan a alguien con quien hablar o por lo menos comunicarse.

La soledad, la incomunicación y los deseos frustrados son trabajados desde el espectáculo. Esta obra nos propone ver a alguien ya olvidado, único en su especie, desesperado por comunicarse, por volver a su habitat y por ser libre. Hay un encierro total, camuflado por mentiras, hipocrecía, delirios y un show que parece único y magnífico.

Diego Velázquez y Pablo Cura presentan excelentes interpretaciones, donde uno complementa desde el silencio, desde el juego y desde ser lo contrario, al otro. Ambos actores tienen una gran calidad y claridad en la definición de las acciones internas a seguir. La dirección actoral fue de Ciro Zorzoli, pero la dirección y dramaturgia por Diego Velázquez.

“Aquaman” está los miércoles a las 21:00 en el Teatro del Abasto (Humahuaca 3569).

LA MÁQUINA...

Sobre “Máquina Hamlet” de Heiner Muller

con puesta en escena de Marcela Fraiman.

Por: Flavio Harriague

“Vivimos del hecho de que en el mundo abundan tanto las catástrofes y los conflictos. Me parece aburrida la fijación constante en un mundo posible.

De ahí no nace el arte. Acaso el arte sea una enfermedad” H.Muller

Hamletmaschine (Máquina Hamlet) fue estrenada en Francia en 1979, causando gran conmoción en toda Europa; luego hubo versiones en España, la primera por el Grupo Cero (1986), y en 1987 Bob Wilson realiza una representación también en Madrid. El mismo director llevará a cabo otras puestas del mismo autor como “Quartett” y “Descripción de un cuadro”.

En Argentina el grupo “El periférico de objetos” realizó una puesta memorable en 1995, espectáculo que los consagró como uno de los referentes más importantes del teatro argentino de las ultimas décadas.

Heiner Muller indica en varios de sus escritos que dos motivos lo persiguieron durante años: la historia de Alemania y Hamlet de William Shakespeare.

Con ambas se confrontó: “Germania” en donde a su manera trata de indagar sobre los acontecimientos más importantes del siglo XX, como son la revolución fracasada de 1919 y el nazismo; a Hamlet lo espera “Hanletmaschine”

“Mi interés principal-dice Muller- cuando escribo teatro es destruir cosas. Durante treinta años me obsesionó Hamlet, de modo que escribí un breve texto, Hamletmachine, con el que intenté destruir Hamlet (…) Creo que me impulso más fuerte consiste en reducir las cosas a su esqueleto, arrancándoles la carne y la superficie…”

Los que asistimos a la puesta de Marcela Fraiman podemos establecer conexiones entre la búsqueda de Mulller, y el espectáculo que nos propone la directora.

En principio hay un espacio esquelético, contemplamos los vestigios de algo que alguna ves fue y ya no es, un territorio propicio para “fantasmas”, “restos” o “fragmentos” de alguna pretendida totalidad.

Estamos en presencia entonces de un espacio en ruinas, que interactúa de manera lúcida con un texto, que intenta dar cuenta de una historia en ruinas, de fragmentos de un relato revolucionario, de una vanguardia teatral al que le falta un sujeto histórico, de espectros mutilados que pujan por volver para vengarse y no encuentran carnadura, de una barbarie disfrazada de cordura.

La potencia de las imágenes de esta obra, encontraron el espacio adecuado para su realización, pero para alcanzar una verdadera eficacia, debía encontrar a alguien que pudiera articular de manera coherente texto-espacio-actuación, y esta directora lo logró; porque supo aprovechar cada unos de los rincones pudiendo desconcertar perturbar e inquietar al espectador.

La iluminación interviene de manera decisiva en su búsqueda estética, produciendo con su utilización “iluminaciones” sobre la obra, dotando a lo visual un lugar preponderante, lo cual es conceptualmente coherente con lo que esta poética exige.

“La verdadera diversión de la escritura estriba en el placer de la catástrofe” dice Muller, mucho de tales palabras encontramos en el espectáculo…Una pareja desayuna placenteramente mientras las catástrofes cotidianas desfilan en un periódico…Una pareja ríe en las butacas de un cine mientras vomitan palabras que los capturan de manera brutal…

Al final en un espacio a oscuras aparece iluminado un féretro ¿El féretro del padre de Hamlet? ¿De Europa? ¿De la historia? ¿De la razón? ¿De la revolución? ¿Del arte? ¿De la vanguardia?...

Si un espectáculo provoca tales preguntas, logró aquello que proponía Muller “No me interesan respuestas ni consignas, no puedo ofrecer ninguna. A mi me interesan los problemas y conflictos”

Los sábados a las 21 hs en El Crisol, Arismendi 2658 (a 3 cuadras de Est Los Incas de Subte B) Tel 4523-7605

ALGUNOS PENSAMIENTOS EN POESÍA

“Dios confunde todo (Fragmenteto sin género)”

Un hombre y una mujer atrapados en pensamientos. Un hombre y una mujer atrapados. Un hombre con pijama y una mujer con cartera y falda roja se encarcelaron para fomentar una poesía en escena. Ambos personajes talvez representen a una ella y a un él.

“Dios confunde todo (Fragmento sin género)” es la propuesta que lleva algunos pensamientos dichos y otros por decir a escena. La fuerza de la propuesta es que evitan cualquier sentido en cuanto a historia, evitan explicaciones y justificaciones en escena. Hay una propuesta como búsqueda desde la poesía como tal pero en escena.

La apuesta en la propuesa está denotado en el cuerpo de la actriz Nadia Isasa, quien inquieta siempre busca el cariño y algún que otro contacto físico, que su cuerpo siempre esté ocupado, en constante movimiento.

Lisandro Berenguer, quien aloja desde la palabra algunos inconvenientes de pensar demasiado, de hundirse en ideas, en tener o creer que todo está controlado.

Dios confunde todo (Fragmento sin género)” es una creación que invita a compartir las preguntas que siempre nos autedefine.

Dios confunde todo (Fragmento sin género)”, que está dirigido por Alejandro Mateo, se encuentra los domingos a las 20:30 en Apacheta (Pasco623).

HUMOR, CUERPOS, HUMOR, CUERPOS

“Sueño de una noche de verano”

“Sueño de una noche de verano” de William Shakespeare fue el “disparador” para el director Yamil Ostrovsky y hacer una propuesta escénica denominado “Sueño de una noche de verano, teatro físico”.

Al entrar el público es recibido por un personaje muy querido en la historia del teatro. Puck delata la intención de lo que vamos a ver, es decir, delata el “hecho”, el “que” de la obra de Shakespeare; pero nos advierte que los códigos teatrales y de juegos serán de nuestro deleite cuando nosostros transitemos el “como” de la obra “Sueño de una noche de verano”. El “Como” es un juego fisico, un diálogo entre la palabra y el cuerpo, es la representación y la autorepresentación del teatro; el “como” es la propuesta escénica que Yamil Ostrovsky apuesta, junto a su grupo de trabajo, para deleitarnos y hacernos pasar un buen momento.

Gastón Urbano, un actor de muchas facultades histriónicas y físicas, es el encargado de darle ritmo a la obra, el confiado de construir a Puck que no frena ante nada. Romina Bayal, Natalia de los Santos y Dalila Romero son actrices cuya belleza está en verlas en escena, transforman y componen comediantes divertidos; y, desde la presencia escénica nos presentan a personajes encantadoras y, por sobre todo, seductoras. Carlos Goldberg, Carlos Ledrag y Leonardo Porfiri son los actores intrépidos que hacen y deshacen el espacio, son quienes juegan a hacer teatro y nos divierte desde la universo de sus artificios corporales y de voz.

“Sueño de una noche de verano” está los viernes a las 21:00 en Ciudad Cultural Konex (Sarmiento 3131)

EL SILENCIO QUEBRADO

“Algo de ruido hace”

“Algo de ruido hace” es una propuesta que interoga constantemente al silencio. “Algo de ruido hace” es una apuesta por el silencio incómodo en escena; donde los espectadores debemos estar atentos para poder escuchar y contemplar los pensamientos y sentimientos de los personajes.

“Algo de ruido hace” está escrito y dirigido por Romina Paula, quien presenta desde una propuesta muy realista –desde el pedazo de la sala de estar de una familia hasta los códigos de actuación- hechos cotidianos; invitándonos a hacer testigos de una ruptura fundamental a esa cotidianidad tan coloquial, a deshacer ese silencio familiar que nos provoca y evoca los dos hermanos; y, sobre todo a oscultar el interior de cada uno de ellos.

Pilar Gamboa interpreta a Mariana, quien es la prima de los dos hermanos. Una prima que está incómoda y quebrada desde el interior y que llegó ahí en búsqueda de paz y de armonía.

Esteban Bigliardi un actor que construyó a un personaje que sólo habla a través de sus deseos, que están ocultos en sus facciones, en sus ojos, en las expresiones faciales; un trabajo magnífico de alguien denominado simplemente Colo.

Esteban Lamothe representa a Nacho, alguien oscuro y cruel; que uno cree que sólo necesita un poco de atención y de amor, pero esta excelente construcción de personaje va más allá de eso.

“Algo de ruido hace” un excelente trabajo inquietante que producirá una que otra risa histérica está los jueves a las 21:00 en el Espacio Callejón (Humahuaca 3759)

EL AMOR, EL AMOR, EL AMOR

“De Noche”

En el silencio de la noche siempre hay un grito desesperado de amor. “De Noche” es aquel grito musical que muchos nos sentimos identificados. “De noche” es una oda musical que ayuda a relajar el alma cuando está turbia de desamor; es un desalojo a la cotidianidad.

“De noche” realmente tiene a un músico increíble y sensible; Diego Penelas saca lágrimas, saca dolor, saca fuerza al piano; ambos se transformán en un arma sensible de interpretación. Diego Penelas realiza unos arreglos musicales increíbles y las ejecuta de manera fantástica.

“De noche” es la culpa, es el lado romántico de Alejandro Tantanian, quien no se conformó con la autoría y la dirección del espectáculo, decidió deleitarnos con su maravillosa y educada voz; esa voz que contamina, que llega a rincones y sensaciones oscuras del espectador; además Alejandro Tantanian nos divierte con comentarios y análisis profundos de las letras de la canción.

“De noche” propone muy buena música, algunos juegos con el público y una que otra directa al corazón.

... ES CON MANDARINAS

“La única manera (de contar esta historia es con mandarinas)”

El juego y los delirios están presentes en esta propuesta denominada “La única manera (de contar esta historia es con mandarinas)”, que fue escrita a cuatro manos por las directoras Melisa Hermidas y Ana Lidejover.

Historia que cuenta mucho el “como” de un hecho; un suceso que generó a tres hermanas la posibilidad de existir a través de sus sueños quebrados, de sus juegos inocentes, de ser crueles, de escribir y sobre todo, saber que siempre estarán juntas, así como las partes comestibles de una mandarina.

En el desarrollo de “La única manera (de contar esta historia es con mandarinas)” hay contactos delicados, sutiles algunos y otros muy directos con los cuentos de adas, pero por sobre todo hay “guiños” poéticos desde las mandarinas; elementos en constante presencia, no sólo a nivel escena, sino a nivel de la historia, a nivel de relación con los personajes, que llevan nombres de paises que en un principio se podría decir que no producen mandarinas.

“La única manera (de contar esta historia es con mandarinas)” está los sábados a las 21:30 en el Camarín de las Musas (Mario Bravo 960)

... EN MEDIO DE LA NADA

“Todo se desmorona salvo este dolor”

“Todo se demorona salvo este dolor” cuenta la historia de dos personas, ambas llamadas Marcelo, quienes llegan al campo buscando a Richard. Uno de esos Marcelo debe entregar a Richard algo que le pertenece y poder librarse de aquello; pero los dos Marcelos sólo encuentran a una mujer, que tiene un bebé sordo cuya edad se desconoce; esa mujer es sugestiva, tiene deseos de escapar del campo abierto que significa su encierro.

“Todo se demorona salvo este dolor” relata sensaciones de deseos, de urgencias, de necesidades, de la complejidad del ser humano, esa complejidad de ser idénticos y diferentes a la vez; esa complejidad de enamorarse y desmoronarse por concretar de mala manera un deseo, o por no concretarlo.

“Todo se demorona salvo este dolor” relata a una Mujer que está hastiada del campo, pero sobre todo está hastiada de cómo ha llevado su vida; esa mujer sugerente, con los deseos a “flor de piel” está muy bien construida por Carolina Martín Ferro.

Uno de los Marcelos, es aquel que está ausente de la verdadera situación, está ausente como un poeta que improvisa o piensa en algo, en esa ausencia está la presencia de lo que representa como individuo, ese complejo Marcelo está creado de manera sutil por Hernán Oviedo.

El otro Marcelo, un personajes con mucha destreza, de acciones internas, quien está en constante movimiento, no puede quedarse quieto un instante, está emocionado ya que fue él quien generó esta búsqueda de Richard para entregarle algo muy importante; pero, se da cuenta que Richard no regresará, que su compañero Marcelo se está enamorando, que esa mujer será la perdición de ellos dos. El otro Marcelo, él que da cuenta del dolor, magnificamente está trabajado por Gonzalo Martinez.

“Todo se demorona salvo este dolor” es una excelente propuesta escrita y dirigida por Matías Feldman, que realmente es un exquisito trabajo para disfrutarlo; está los viernes a las 21:00 en el Espacio Callejón (Humahuaca 3759).

ENERGIA A PURO SUDOR Y ENTREGA

“Pura Cepa”

La brillante, delirante y excelente propuesta denominada “Pura Cepa”, es un trabajo que realmente uno agradece como público, y ser ese alguien que especta en todo momento y con todos los sentidos. “Pura Cepa” es un espectáculo que busca un público perceptivo, atento, relajado y dispuesto a recibir toda la energía, la entrega y la fuerza de sus excelentes intérpretes. “Pura Cepa” es la creación colectiva que dirige Ana Frenkel.

Creación perceptiva que todos los involucrados ponen el cuerpo; los que sudan los menciono por orden alfabético con algunas de las características de sus interpretaciones:

Por una parte: Carolina Borca, muy audaz; Daniela Bragone, cuyo personaje inspira ternura y ensoñación; Aldana Cal, expresiva; Lucas Cánepa, excelente control del cuerpo y de la interpretación; Matías De Padova, construye desde movimientos muy bien controlados; Aline Dibarboure, quien dibuja a alguien para enamorar; Julia Frenkel, alguien violento y de mucha pasión; Verónica Hassan, increíble trabajo de cuerpo, de ironía y de humor; Ana Carolina Lestard, la seducción, el rechazo y el magnífico control humano (des) hecho desde el cuerpo; Facundo Nuñez, un excelente bailarín con mucha sensibilidad; Hernán Paulos, la seducción, la exageración de ella hecho hombre y que pone el cuerpo sin miedo a nada; Diego Rosental de mucha presencia, buen baterista y bailarín; Marisa Taboadela, mujer fatal de presencia fuerte y de una abundante caballera; Mariana Vidal, quien erotiza y posee una maravillosa voz; Débora Zanolli, genial y violenta.

Por otra parte: la iluminación y la música son los complementos que realmente el espectador siente estar ante la presencia de un lujo, algún placer, o de ese detalle de un espectáculo que realmente asombra por lo que es, que no lo sobra nada como tampoco le falta.

Se agradece el sudor y la entrega a todos los involucrados.

Para espectarlo y dejarse llevar está los sábados a las 23:00; en el Espacio Callejón (Humahuaca 3759)

LA TERRIBLE ESPERA... DESESPERA

“La China o lo que quedó de ella...”

“La China o lo que quedó de ella...” es una obra que está dirigida y realmente muy bien interpretada por Adrián Canda y Nicolás Besasso; sin olvidarme del excelente apoyo como actor, y “hombre multifuncional” de la parte técnica Emilio Ayluk.

Desde la violencia hasta el compromiso de estar siempre en constante presencia, se exhiben Paez y Sosa, personajes fuertes que están bien construidos por estos dos excelentes intérpretes, quienes profundizan la miseria del ser humano desde el exterior, y demasiada calentura en el interior; pero, muchos de aquellos deseos de los personajes son llevados a la acción, una acción que pone y propone mucho el cuerpo y el coraje, desnudando la espera desesperada que tienen por es hermosa mujer a quien la denominan “La China”; y, lo que ellos harían si la tuviesen en cuerpo presente.

Una propuesta donde conjugan y juegan códigos de actuación realistas con ciertos artificios teatrales. La propuesta no esconde los trucos, las convenciones y los efectos; es decir, manifiesta la teatralidad -realizada por Emilio Ayluk-, en el mundo de Paez y Sosa.

El mundo de Paez y Sosa nos muestra imágenes maravillosas, ideas alocadas, historias curiosas y sobre todo duda, mucha duda de la existencia de “La China”.

“La China o lo que quedó de ella...” está para verla y disfrutarla los viernes a las 21:30 en el espacio TBK (Trelles 2033, PB 1)

PERDERSE COMO INDIVIDUO

“El lugar”

“El lugar”, texto de Carlos Gorostiza, está dirigido por Helgalis y Dario Portugal Pasache. El trabajo está defendido con mucha garra e inocente entrega por Marcelo Saad, Roxy Fuentes, Pablo Capdepon, Domingo Toledo, Lorena Castello, Christian Nieves y Nicolás Fernández Garello.

Aunque los personajes son oscuros, sombríos y tiernos a la vez, hay un cierto disfrute y placer en interpretarlos por todos los mencionados; debo señalar que se destacan cada uno en su rol que interpreta y mantienen un constante humor negro.

Desde la propuesta espacial indeterminado, los personajes van construyendo su historia, sus deseos y sobre todo, las ambiciones que realmente tienen y quieren “cueste lo que cueste”; perdón, “cueste a quien le cueste”.

Nadie sabe donde están, pero asumen que tienen que estar ahí, como un mandato; nadie sabe quien es realmente la otra persona; ni ellos mismos se pueden definir con un nombre, o una identidad, o una foto, o una anécdota, o simplemente como individuos por medio de un saludo amistoso y cordial.

Este buen trabajo uno lo encuentra los sábados a las 21:00 en Teatro Estudio Fuera de Foco (Nogoyá 3169)

CADA QUIEN CARGA SU MADERA

“Hombres y cosas”

Un hombre despechado y abandonado, quien para mantener la presencia de un amor, decide cargar algunas maderas y tenerlas junto a su corazón; su hermano, quien en un principio lo toma en broma y burla, acepta ayudarlo en esa empresa, cargando también objetos similares; y, no falta el amigo incondicional de la familia, quien desde su propia voluntad contiene y apoya a los hermanos. Externos a la librería, el joven que sólo aparenta vender libros de su casa, de su colección; y su padre que descubre las ventas.

Desde un lugar simple, como una librería que vende libros usados, “Hombres y cosas” invita a trasladarnos a diferentes lugares, espacios y situaciones que está en el imaginario del espectador.

“Hombres y cosas” cuenta desde cinco actores, la paciencia, el amor, el compañerismo y el mundo masculino envueltos en las diferentes situaciones y edades de la vida; también, comenta como sobrellevamos por siempre nuestras cargas, los miedos que nos genera y los triunfos que nos forja. Un linda obra cuyo texto y dirección es de Agustín Rafael Martínez.

“Hombres y cosas” está los jueves a las 21:30 en el teatro El Fino (Paraná 673)

POESÍA, HUMO, ALCOHOL Y ROCK

“Serán sus ojo”

Una desconocida cuyos ojos cautivan y el deseo por ella estremece. Un hombre con voz profunda que cuya auto-destrucción enternece. Un guitarrista cuya fuerza envuelve y sacude. Un bajista cuya inocencia y profesionalidad uno le agradece. Y, un baterista que lleva el rock en la sangre.

Son pocas las palabras anteriores para poder describir a los interesantes y cautivantes personajes de “Serán sus ojos”, escrita y dirigida por Nahuel Cano.

Florencia Bergallo, aparte de un buen trabajo, talento y belleza, encarna con mucha soltura y energía a un personajes oscuro, un personaje de nombre Perla, permitiéndome una analogía, ella es el “fruto prohibido” que muchos deseamos.

Leonardo Murua interpreta a Julio, un personaje muy bien construido y trabajado; personaje que fue hipnotizado por los ojos de Perla y por la poesía.

Demian Salomón es un excelente actor, cantante y guitarrista, sin olvidarme de Cristian Jensen, que aparte de interpretar muy bien su rol, es un buen bajista; y, Gadiel Sztryk, que uno cree que sólo hace la percusión, pero hay mucha más información en todas sus intencionalidades, donde hace un personaje muy reprimido y que le cuesta expresar, salvo por la música.

“Serán sus ojos” es una obra que funciona muy bien, es una mezcla de rock, pasión, fuerza, energía y una propuesta de teatro que hay que prestar mucha atención por toda esa fusión.

Nahuel Cano y Lucio Mantel, quien estuvo a cargo de la dirección musical, son muy buenos creadores partiendo de algo tan impresionista como el alma de una mujer, el espíritu de un hombre sin amor y con mucho dolor.

Para ir y disfrutar de muy buen rock, de una muy buena propuesta escénica y sobre todo de estos personajes. “Serán sus ojos” está los viernes a las 23:00 en Sala Silencio de Negras (Luis Saenz Peña 663).

LIMPIOS DE TODAS LAS FORMAS DE AMAR

“Cleansed”

(Limpios)

“Cleansed” de Sarah Kane es la propuesta y puesta en escena de Mariano Stolkiner, quien con un grupo de actores con oficio decidieron apostar por un texto que de por sí parte desde una provocación física, violenta y emocional desde el lenguaje teatral.

En la oscuridad, las sombras se levantan para revelar la horrible transformación que llega a ser los amantes sin amor. La cruda crueldad de la obsesión se manifiesta cada vez que nos acercamos a una verdad; esa verdad es el resultado de la búsqueda de lo que realmente deseamos; esa verdad es la limpieza de amor en la obsecación humana de ser feliz. Cuando cumplimos el deseo ya estamos limpios.

Los personajes son neutros, neuróticos, acelerados, relajados, controlados, odiados, perversos, soñadores, inalcanzables, débiles, destruidos, cortados, segmentados, amados, y etcétera, etcétera... “Cleansed” es el torbellino de emociones que traspasa y transitan en Tinker, Graham, Rod, Carl, Grace, Robin y Mujer. Todas las actuaciones están muy bien hechas, muy bien logradas, con los quieros y objetivos claros; cada uno de los actores se permite ser permeable por la situación y la interacción de sus compañeros.

Destaco el excelente trabajo de Eduardo Spindola y Pedro Riva; como también la interesante propuesta de interpretación para una “Grace” de María Milessi. Un gran trabajo de Alvaro Rufiner y Rodrigo Mujico; como la maravillosa entrega y muy sugestivas intervenciones de Andrea Carballo. No me olvido de quien fue el director y uno de los traductores para esta versión de “Cleansed”, Mariano Stolkiner, quien hizo un trabajo desgarrador, sexual y muy violento desde el lenguaje y las convenciones teatrales permiten.

Un excelente trabajo de búsqueda, de investigación y de propuesta de espacios, de ambientes, de atmósfera y de climas por parte de todos los involucrados con “Cleansed”

Bajo su responsabilidad, está los domingos a las 20:30 en el Teatro La Tertulia (Gallo 826)

EN UNA CAMA GRANDE...

“La Luna sobre mí”

Ambientes tenues, donde la oscuridad radiante presenta sombras de recuerdos. Los momentos mágicos de un ayer, hoy se recuerdan en una cama grande, que fue abandonada por un amante.

“La luna sobre mí” es una poseía hecha teatro, con una interpretación estupenda de Romina de Haart, quien realiza un personaje denominada “Ema”, personaje inconcreto, desmesurada por el recuerdo y acribillada por este presente que está en la soledad. También la obra presenta muy buenas intervenciones y participaciones de Laura Ledesma y Fernando Contigiani García, entre otros.

Una muy buena pieza bajo la dirección y dramaturgia de Silvia Echegoyen. “La luna sobre mí” propone una relectura por el interior de cada uno, de cada ser y los recuerdos que nos sobran y atormentan.

“La luna sobre mí” este juego de ritmos, de colores, de sombras y sobre todo de la pasión de una cama abandonada, está los domingos a las 18:30 en Teatro La Tertulia (Gallo 826)

UN CUENTO DE CARVER

“Catedral”

Una excelente versión, por así llamarlo, de Martín Flores Cárdenas. La propuesta es muy arriesgada, ya que los tres actores en escena deben sostener, y lo hacen, toda la obra a pura palabra con algunas intervenciones físicas, ciertas réplicas y algunos diálogos.

Es una obra desnuda, desnuda de códigos teatrales convencionales, desnuda de aritificios y movimientos escénicos. Donde los actores desnudan su interior para ser atravesados por la palabra, y eso es lo que hace la excelencia en la propuesta.

“Catedral” es un excelente encuentro con actores, con la palabra y las pulsiones. Los actores estuvieron muy presentes. Matilde Campilongo, Rafael Cejas y Chendo Hortiguera fueron quienes estaban abiertos al momento, al presente para narrar y hacernos vivir y ver lo que un ciego contempla.

No necesitas leer el cuento para poder comprender, corrijo, permitir ser atravesado por la palabra.

Vayan a verla, se lo aconsejo ya que tienen tres funciones más. “Catedral” está los sábados a las 19:00 en “Abasto social Club” (Humahuaca 3649).

FABULA SUBURBANA

“Albina”

Desde el teatro vamos a ver un juego teatral muy real, donde veran el alma de estas dos mujeres.

“Albina” es una propuesta que desde los códigos de puesta en escena planteados no existen ninguna ruptura ni licencia en la misma propuesta. Siguen y apuestan a ella hasta el final. Es algo arriesgado y bien jugado.

“Albina” fue el texto que recibió el segundo Premio Germán Rozenmacher de nueva dramaturgia; y, fue escrito como muy bien dirigido por Mónica Salerno.

La dirección me parece acertada; desde la elección de las actrices, Luciana Mastromauro y Tatiana Sandoval -quienes juegan con esta “realidad” planteada en teatro hasta sus últimas consecuencias-, hasta la propuesta escénica.

Un ámbito oscuro y lúgubre los personajes manifiestan sus pecados, sus deseos y sobre todo, sus almas.

Espero que los pequeños errores de sonidos sean destruidos con las presentaciones. Pueden ver esta obra recién estrenada la semana pasada en el “Teatro Del Pueblo” (Av. Roque Sáenz Peña 943) los días jueves a las 21:00.

DERECHO A RÉPLICA

A propósito de “La Tertulia”

Me pidieron que explicase algunos detalles de la sala de teatro “La Tertulia” que escribí en el artículo denominado “NO ES UNA BUENA NOCHE” (sobre “Acuchillame con un cuchillo), donde menciono que a nivel espectáculo tuvieron varios problemas, para ser más, exacto las sala no está de acuerdo en el primer y en el tercer punto de la crítica.

El primero: “¿cómo es posible que dejen entrar público una vez comenzado el espectáculo, teniendo el letrero de advertencia y no lo cumplen?” El representante de la sala menciona que entró la gente ha pedido de los componentes del grupo y que no fue responsabilidad de quienes controlan la boletería y la admisión al espectáculo.

El tercero: “ (...), se cortó la luz (...) pero inmediatamente cortaron la obra; (...), hasta que cortaron abruptamente el espectáculo y ofrecieron las disculpas al público por el corte de luz.” El representante de la sala menciona que sólo faltaba dos minutos para que termine la obra y que no fue un corte abrupto del espectáculo.

Ahora aclaro que quienes pidieron disculpas fueron los actores en la sala.

Espero que el espectáculo “Acuchillame con un cuchillo” esté creciendo y podamos reencontrarnos pronto.

Cualquier queja, comentario o sobre todo utilizar el Derecho de Réplica, comenta en el blog.

IDEAS Y FALTA PRAXIS

“Dixit”

“¿Qué es el amor? Es ese no-se-qué. ¿Y qué es ese no-se-qué? Precisamente eso es el amor.” Así pregona la obra “Dixit”, cuya dramaturgia y dirección es de Jimena Aguilar. Palabras rápidas y voraces, muchas inentendibles, a veces agobiadoras, entran en situaciones donde las relaciones jamás funcionarán, dónde cada individuo utilizará una o más estrategias para conquistar a alguien, o algo, pero ninguna relación tendrá un final feliz.

Me parece un texto con mucho potencial, donde ciertas ideas hay que explorar mucho más; y otras, explotarlas hasta más no poder. Pero, creo que no funciona con el tipo de propuesta que presentan. Y aquí entra el “hacedor fracasado en teatro” que son los críticos.

Digo “no funciona” ya que las palabras están muy desligadas con los haceres físicos en escena, menciono “haceres” ya que parecía una obligación impuesta por la puesta.

Existía algo pregnante que pudiera ebullir cuando los actores se quedaban quietos, comprendiendo el “para qué” dicen las palabras; reconociendo la búsqueda de los parlamentos de los personajes; un ejemplo: una escena muy linda, hasta era mágica antes de que entren otros dos personajes, fue el momento en que habla un psicólogo con un personaje femenino, cuyo nombre es “Alegría.”

Aún, con esa mi llamada de atención, tiene muy buenos actores, quienes defienden el trabajo.

“Dixit” está los sábados a las 23:00 en La Tertulia (Gallo 826).

¿QUIÉN DEFINE UNA COMEDIA?...

“La boluda y yo”

“La boluda y yo” fue escrito por Cecilia Costa Villar, quien co-dirigió junto a Gabriel Fernández Chapo las puesta en escena.

“La boluda y yo” se pregona como “comedia ácida de perversiones doméstica”; no encontré nada de comedia a los hechos intransitados por las actrices; ni mucho menos, que hayan sido ácidas aquello que se podría denominar situaciones. Mencionaron ciertas cosas, pero me parece que lo hicieron de manera superficial y que no fue jugada totalmente, ya que la distancia en las actrices con respecto a la situación estaba muy presente; pero no es esa distancia del efecto brechtiano o de alguna otra propuesta; no, porque el código de trabajo en la actuación se manejó desde un tránsito real de las situaciones, que vuelvo a repetir, nunca sucedieron las situaciones.

Lo que sacó como beneficioso a la obra “La boluda y yo” son las ideas de jugar al teatro, sin que parezca una representación de ella. Intentar presentar, en los personajes el encuentro con su doble; un personaje femenino muy acomodada y acostumbrada a los lujos y otro personaje femenino que tenga características contrarias.

De todas formas, esta obra fue estrenada en un espacio muy interesante, dónde realmente se presta para ser jugado, que es “Del Borde” (Chile 630). “La boluda y yo” está los viernes a las 23:15.

SOBRE ACTRICES Y PROSTITUTAS

“Casa de citas”

“Casa de citas” nació de un ejercicio de actuación de aquel entonces segundo año del IUNA. Son nueve prostitutas, con nueve monólogos muy cortos y diferentes entre sí, alternados con ocurrencias, improvisaciones y comentarios de cinco guías; estas últimas, quienes muestran la mercadería a un grupo de personas, quienes somos los clientes, nos ofrecen y prometen el sueño sexual con la mujer ideal.

La dirección está a cargo de Ramiro Lehkuniec (Kilovivo y Gendrme) y Analía Couceyro quienes parten desde un espectador “nómada”, quien se mueve y va donde se le dice que vaya, mire y escuche. Algunos más prendidos, otros no. El espacio, el IUNA de la calle Venezuela, da mucho para jugar, un fábrica abandonada, una casa inmensa y maravillosa que tiene mucho más recoveco a descubrir.

A un principio, a uno le reciben con vino y cariño; pero la propuesta busca un poco de provocación, pero se nota que tienen miedo de los zarpados -creo que no podrían controlar a alguien que se tome la provocación como una acción. Por eso la propuesta es más de pura provocación que carece de acción, y sólo sucede a nivel literario. Las actrices guías son más “bla, bla, bla”; mejor que sea así, cuidado con los zarpados.

Es un trabajo muy bien realizado y con interpretaciones sugestivas. De los catorces actores con talento en escena, destaco mucho los monólogos que interpretan: Romina Almaluez, Cinthia Santos y Julia Garriz por la intensidad y el juego honesto que tienen cuando encuentran las palabras y se las transmiten al público de una manera encantadora. También, María Emilia Ladogana, Leo Martínez, Daniela Tolini, y mi favorita -por su peluca y su fuerte convicción de querer provocar por provocar- Carolina Cruz quienes realizan que la visita y la guía sea agradable.

Este lindo trabajo, y a las lindas chicas con mucho potencial, talento y sobre todo con ganas de trabajar las encontrarás los sábados a las 22:00 en la calle Venezuela 2587.

NO ES UNA CAJITA DE CRISTAL

“El agua en el fuentón”

“El agua en el fuentón” trata sobre la mujer que está encerrada. Encerrada en ideas, en conceptos, en la protección, en el departamento, y en una jaula. Una mujer mayor encierra a otra mucho más joven en una jaula. La alimenta, le habla, la trata como si fuera una mascota, en ese día recibe la visita de alguien, tal vez la anterior joven encerrada. ¿Por qué hay tanto encierro? Y también llega un hombre, quien ayuda a ese encierro.

Esta obra de teatro parte desde la propuesta escénica y actoral realista, que en momentos surge una especie de ruptura de ese realismo, con leves intento impresionista de los personajes encerrados, donde el interior y los deseos salen a la luz para manifestarse.

La mujer de la jaula, por definirlo friamente de alguna manera, no se sabe quien es, ni de donde viene; pero, se reconoce lo que si quiere, no está profundizado el deseo pero se deja ver líneas de querer liberarse. La mujer mayor, quien construye el silencio y destruye el deseo de la encerrada, trabaja sobre la cotidianidad del hecho.

“El agua en el fuentón” es una pieza teatral donde el silencio juega un papel importante; es una poesía que pone dudas sobre los diferentes tipos de enjaulamiento; y, busca los diferentes espejos, como si uno viera su reflejo en el agua que está en un fuentón.

Los sábados a 19:30 en el teatro Anfitrión (Venezuela 3340).

CRUDA CRUELDAD

“Juegos de damas crueles”

El texto pertenece a Alejandro Tantanian. Me parece que es un texto que investiga desde la narratividad escénica; donde las acciones son compulsivas y están contamindas con deseos crueles, todo esto en un contexto de juego.

La propuesta escénica para un texto de las características mencionadas te presenta desde el juego crudo. Tres mujeres, quienes aparentemente son indefensas, están en constante contacto con el juego perverso, dentro de un esquema de juego teatral, es decir, hacer representativo, o escenificar el juego; al respecto una muy buena construcción escénica. Lo único que me hacía ruido a esa propuesta era el apagón de las luces, provocaba un vacío innecesario, era como si alguien interrumpe el juego de mesa yendo al baño.

Seis actores en escena y uno en pantalla que se complementan y se necesitan para existir y sobre todo para coexistir y su mundo no se deshaga. Los seis actores entendieron muy bien los roles a cumplir en el juego y sobre todo la carga simbólica que sus personajes pueden generar.

Esta buena puesta en escena está lso viernes a las 23:00 en Teatro Tadrón (Niceto Vega 4802)

UN DESTACAMENTO PERDIDO...

“Gendarmes”

“Gendarmes” es la creación, la dramaturgia y la dirección de Marcos Perearnau, Hernán Melazzi y Ramiro Lehkuniec, además de estar interpretado por ellos mismos.

Es una obra que te plantea la soledad y el abandono desde la costumbre, no vemos la construcción de esa naturaleza, pero observamos el mayor auge, que es: dos soldados completamente abandonados, son solo dos, los dos últimos de un grupo, quienes están solos, hasta que entra un tercero en su costumbre, en su naturaleza; ese tercero trae buenas nuevas en la Nochebuena, pero no serán bien recibidas.

Original la idea y realmente es un trabajo para realizar varias lecturas con el ser humano y las costumbres que cada uno tiene, la introducción de un desconocido a nuestro mundo, a nuestra naturaleza de comportarnos. Es un trabajo muy bien construido desde un “tono” de comedia, sin que esto signifique que sea el procedimiento de la estructura de la obra.

“Gendarme” está los viernes a las 21:00 horas en Pata de Ganso (Zelaya 3122)

LA MEMORIA DE SHAKESPEARE... …Y COMO DEVENIR MEMORIA…

LA MEMORIA DE SHAKESPEARE
Embalaje teatral para un relato breve

…Y COMO DEVENIR MEMORIA…

Por Flavio Harriague

“Todos los hombres que repiten una línea de Shakespeare, son William Shakespeare”
J.L.Borges en “Tlön, Uqbar, Orbis Tertius”

“La verdadera medida de la vida es el recuerdo”
W.Benjamin


En su trabajo sobre el Barroco Deleuze convoca a Borges “Llamamos bifurcación a un punto como salida del templo, en cuyo entorno las series divergen. Un discipulo de Leibniz, Borges invoca un filósofo-arquitecto chino. Ts´ui Pên, inventor del “Jardín de los senderos que se bifurcan”: laberinto barroco cuyas series infinitas convergen o divergen, y que forma una trama de tiempos que abarca todas las posibilidades”

No es la primera vez que Deleuze convoca a Borges, lo hizo a menudo, a veces sin nombrarlo.
En Borges los mundos, aún los “incompasibles” pueden encontrarse en un punto del tiempo y el espacio, algo escandaloso para cualquier filósofo racionalista.

Tan escandaloso como elevar a ciencia la trama de los sueños; tan escandaloso como postular que pueden convivir en un solo hombre dos memorias personales.

Desestabilizar los cimientos de la realidad, era uno de los juegos preferidos de Borges, un juego tan serio y trágico como la escenificación llevada a cabo por Sergio Sabater del cuento “La memoria de Shakespeare” EMBALAJE TEATRAL PARA UN RELATO BREVE.

En una oscura taberna le ofrecen a un discreto escritor la memoria personal del genial autor inglés, no una biografía, no su talento, sino cada uno de sus recuerdos, cada momento de la vida que un mortal es capaz de atesorar.

Pero si al comienzo, nuestro héroe se vio regocijado por su nueva realidad, poco a poco le fue ganando el temor a la locura “Con el tiempo, el gran río de Shakespeare amenazó, y casi anegó, mi modesto caudal. Advertí con temor que estaba olvidando la lengua de mis padres. Ya que la identidad personal se basa en la memoria, temí por mi razón.”

Un relato como este exigía eludir la mera ilustración, y la tentación de “tematizar” la memoria y la identidad. Y éste es a mí entender el mayor logro de este espectáculo: No es un discurso sobre la memoria es la escenificación de sus mecanismos.

Podríamos mencionar los recursos escénicos para lograrlo: la multiplicación de narradores, la mutación del espacio escénico; la exactitud del desplazamiento de los actores para arrastrarnos en un fluir rítmico y poético.

Podríamos indicar la acertada utilización de lo sonoro tanto en la música en escena como la reproducida electrónicamente, que no funciona como fondo musical, sino otorgando profundidad dramática. Podríamos resaltar la madurez de los actores, que siendo egresados de 4º año del IUNA, muestran compromiso artístico con la estética propuesta.

Creo que la propuesta se sustenta en una concepción teatral que huye del paradigma del teatro “representativo”, en busca de una poética que se enmarca en otras tradiciones. En este sentido, decir que en Sabater hay influencias kantorianas, es injusto para alguien que investigo sobre el artista polaco como pocos en Argentina. En estos casos debemos hablar de alianzas o amistades artísticas.

En este teatro hay que prestar atención al uso de los objetos, dado que el director logra algo que Benjamín apreciaba melancólicamente “Advertir el aura de un cosa significa dotarla de la capacidad de mirar” Y vaya si éste director lo logra.

En los trabajos de Sabater pasa algo parecido a los de grupos como “El periférico de objetos” o “La zaranda”, puede gustarnos unos trabajos más que otros, pero en todos encontraremos instantes iluminados para guardar en el recuerdo. Quizás aquello que dice Piglia nos pasa con ciertas lecturas y autores, nos pasa como algunos directores y espectaculos “Son acontecimientos entreverados en el fluir de la vida, experiencias inolvidables que vuelven a la memoria, como la música” Que así sea.

UN CUENTO DE BORGES

La memoria de Shakespeare

“Memoria Shakespeare” obra cuya dramaturgia y dirección es de Sergio Sabater, pero la responsabilidad que suceda el encuentro entre el público y la obra está a cargo de los estudiantes de IUNA.

Al principio me llamó la atención de cómo un director puede manejar a tantos actores que están en plena formación. Pero esta atención se disipó al ver el producto terminado. En la puesta en escena hay muchas diferencias de presencia escénica, de actuación y hasta de intensidad, pero todos los actores sabían como cumplir su trabajo, con mayor o menor fuerza y nergía.

“Memoria Shakespeare” es una propuesta convencional, cuya intencionalidad es jugar con la narración escénica, y está muy bien jugada desde la dramaturgia; dicha narración esta contada desde el artilugio del teatro, de transformarlo en teatro y representación, cuyo mecanismo de producción esta basado en algunas acciones físicas repetitivas, que no significan aburridas, al contrario; con la construcción de imágenes y de sentidos por medio de esta repetición es fuerte e intenso desde la escena.

El distanciamiento se presenta con la intervención del artefacto que produce la música, produce un ruido que no es parte de la propuesta, si bien usan música en vivo -cantos, piano y silbidos-, realmente la música reproducida desde un aparato no va con el juego planteado.

Con este trabajo escénico uno puede encontrarse los domingos a las 19:30, en pleno IUNA ( French 3614).

FUE LA ÚLTIMA

Historias Re Jodidas de ayer, de hoy y de siempre
El Heavy y su banda Achaque 77

Cómo introducción, como presentación de los códigos a manejarse en la función, Eduardo Calvo nos presenta un corto de Damián Slipoi llamado –si mi memoria no me falla- “Cabulario”, corto en que trabaja Eduaro Calvo. El corto es un trabajo muy cínico y de humor negro sobre los límites del ser humano por la suerte y la fortuna, una muy buena producción, con buenos efectos especiales, con un guión sólido en cuanto a esctructua narrativa y buena dirección de actores.

Vamos a la obra de El Heavy, realmente Eduardo Calvo si es comediante de oficio, que trabaja en las rutinas, ya que se nota que indaga sus materiales. Algunos momentos se puede volver repetitivo el mecanismo o la forma en que busca las oposiciones de sus chistes, pero la manera en que lo dice y el manejo del silencio demuestra el oficio del comediante. El momento más fuerte y realmente de provocación, fue cuando canta “América” y la relación de la letra de la canción con las imágenes fueron demasiadas fuertes y angustiantes, ya que por un momento plantea un paréntesis, una distancia diciéndonos “no se olviden de esto” para luego seguir riéndonos y olvidar.

Todo el show decía: “vinieron a divertirse y a pasarla bien... no se olviden de esto... sigan pasándola bien y a reirnos”, lo mencionado lo cumplieron al pie de la letra.

... MAL ACOMPAÑADA

Solas y... Solas!!

En un lugar íntimo, sin muchos desplazamientos escénicos y escenográficos, se presenta “Solas y... Solas!!”, una comedia que habla sobre tres mujeres que por una u otra razón no pueden ser felices con sus parejas actuales, o encontrar a alguien con quien estar. Una comedia que busca siempre el doble sentido y la complicidad del público.

Alejandro Capuzzi quien desde ciertas caricaturas contruye personajes muy jocosos; Guillermo Lombardi hace lo suyo y juega con sus diferentes personajes; Silvia Levy que busca crear una analista con muchos conflictos internos; Lorena Paola quien recrea un personaje con carácter abierto, pero siempre está encerrada; y, Valeria Kamenet que muestra un personaje soñadora pero a la vez realista.

Sobresale la puesta de luces por la simplicidad y el uso en que se maneja, ya que ayuda a completar los climas y el espacio creados por los actores en escena.

Está los viernes y sábado a las 21:30 en el Complejo Monumental (Lavalle 780)

ALGO FAMILIAR

Electra

“Electra” -puesta en escena y versión libre de Guillermo Asencio-, busca que el público se acerque más al mito; incitándolo a conocer la construcción y el encuentro con la venganza de los hijos de Agamenón –Orestes y Electra- sobre su madre Clitemnestra y Egisto.

Este acercamiento y esta incitación suceden con la palabra y las imágenes producidas en escena, algunas muy mecánicas y otras muy bien logradas. La interpretación de Elisabeth Díaz –la relatora- tiene mucha presencia, pese a ciertos errores iluminotécnicos; también, cabe rescatar a Laura Brangeri –Electra- quien debe sostener todo el peso del mito en ella; y, a Ricardo Arechabala. Guillermo Asencio, director y actor de “Electra” decidió no complicarse con lecturas e interpretaciones del psicoanálisis para realizar la propuesta escénico; sino, apostó más con el encuentro del mito de “Electra”.

“Electra” está los sábados a las 18:30 en Espacio Giesso (Cochabamba 370). Este espacio, desde la arquitectura hasta la disposición del público, es un curioso lugar para jugar y realizar investigaciones a nivel espacial en las propuestas escénicas. Ah, otra vez la impuntualidad del público distrae y molesta.

... GRIS... OSCURO... GRIS

Comunidad

“Comunidad” una excelente propuesta de escena que provoca, después de divertirse como “niño en feria”, una reflexión sobre nuestra conducta, sobre las relaciones con nuestro prójimo, la identidad, la pertenencia, los roles que uno cumple en la sociedad, comunidad, grupo, etc.

De una manera y un mecanismo de puesta en escena muy sencilla, clara y concisa, donde la prioridad es la dramaturgia del actor, la directora Carolina Adamovsky nos invita a ser parte del juego teatral propuesto, nos invoca a tomar partido por un u otro personaje, nos convence a que podamos sacar nuestras propias conclusiones: Al entrar, uno se encuentra con seis personajes vestidos de traje gris, camisa blanca y zapatos negros, todos iguales pero diferentes a la vez: desde la forma de vestir, pasando por los diferentes tipo de tonos grises, los dieferente cortes del traje, hasta la constitución corporal de los actores; quienes están en el permanente contacto físico entre sus compañeros y contacto visual con el público.

Son seis personajes en escena, sin entradas y salidas teatrales. Seis personajes esperando algo o alguien, seis personajes que después de accionar no se arreglan la ropa, no se contienen; seis personajes que nos son completamente desconocidos para nosotros (de donde vienen y a donde van, quienes son, etc) pero nos podemos identificar, o identificar a nuestros amigos o a toda una sociedad en cada uno de ellos. Estos seis personajes, como “efecto dominó” –para poder ubicar el mecanismo de la propuesta y puesta en escena-, comienzan a accionar y reaccionar de manera conjunta y como si fuera uno sólo; seis personajes que accionan y reaccionan una vez convencido para hacerlo de manera corelativa a algo pero, a la vez la forma de realizarlo no es la misma que el de sus compañeros.

Un trabajo intenso, de mucha concentración, de presencia y de entrega de: Fabián Bril, Francisco Civit, Percy Jiménez Vásquez, Javier Rodríguez, Julián Vilar y Alejandro Zingman. Todos dan cuenta que este trabajo en equipo funciona si sólo se trabaja así.

Esta propuesta vuelve al Espacio Callejón (Humahuaca 3759), que está muy interesante verlo en un día domingo a las 19:00.