TRAGEDIAS FAMILIARES DE MARCOS ROSENZVAIG

DIOS.- ¡Dónde está ese imbécil de Abraham!

GABRIEL.- Debe estar en la casa de Sata.

(…)

MIGUEL.- Siendo Dios deberías saber.

DIOS.- ¡Debería saber un comino, y además no llevo un día para las ironías! Puede que se haya metido en la casa de la Maga.

MIGUEL.- Le gusta mirarles las piernas.

GABRIEL.- Suele darse a menudo con la vejez.

MAGA.- A mí también me mira las tetas.

DIOS.- ¿Qué hay de malo? Yo también te las miro.

MAGA.- Nunca me dí cuenta.

DIOS.- Sos un ángel despistado.

MAGA.- ¿Sentís deseos por mi cuerpo? Si te apetece te lo entrego y me voy.

(Extracto de “El Sacrificio”)

“Tragedias Familiares” es el título de tres textos teatrales de Marcos Rosenzvaig de la editorial Leviatán. Estos tres escritos escénicos tienen en común la estructura de la tragedia,  mitos muy fuertes y fundamentales en la sociedad, y el filicidio. Tres textos con tres ejes particulares nos llevan a construcción poética devastadora y agonizante, donde la posibilidad de esperanza es nula.

“Tragedias Familiares” está compuesto de: Hipólito o La Peste Del Amor, Edipo en La Cruz, El Sacrificio y un prólogo muy académico -que nos ayuda a ubicarnos espacialmente dentro del relato mítico como de la situación-, a cargo de María Gabriela Rebok.

En los tres textos, Marcos Rosenzvaig revitaliza la tragedia en oposición a lo que conocemos del relato mítico, hace fuerte acento en la situación trágica, propone un espacio que aparenta tener cierta organización y cierta calma, para que ese mismo ámbito fagocite a los personajes. No contextualiza el tiempo, sigue jugando con este de manera que provoque un diálogo metafórico entre pasado y presente.

Marcos Rosenzvaig juega mucho con los deseos y los impulsos, los realza escénicamente y contrapone con los sentimientos de los personajes o el clima que se genera. El lector va a tener que ser transigente con la atmósfera de los textos,  ya que son climas que envuelven y recortan totalmente la piedad.

Hay un imperio violento de la enfermedad, como muy bien dice María Gabriela Rebok. Te invito a conocerlo.

LA PATRIA FRÍA

La patria fría pone en escena un circo pobre en medio de la pampa frente a la llegada inminente del tren solidario de Eva Perón. Entre ambos se dará una cruda disputa por lograr la mayor convocatoria. Un presentador opositor, un ex enano, una contorsionista guaraní, un funambulista alcohólico, un clown cooperativista, un tuerto lanzador de cuchillos y el refinado crítico del pueblo, todos juntos en la sorprendente pelea para que el arte llegue al público.

La acción se configurará como un entramado de pequeñas resistencias y traiciones oscuras. Entretanto, nadie se atreve a decirle al ex enano que su atractivo cómico ha desaparecido. 

“La Patria Fría” está escrita por Mariano Saba y André Binetti, quien también es el director de esta desgarradora puesta en escena. Desgarradora porque contemplan muchos aspectos metafóricos y reales, en la obra hay una línea muy delgada que aparece entre esos aspectos.

“La Patria Fría” nos lleva hacia lo que sucede en el detrás de la arena, el público está situado de forma circular, de esa manera provoca que los espectadores encierren a los actores, para que ellos a su vez nos envuelvan en la realidad que transitan.

Esa realidad, está de más decir que es horrenda, es desagradable de conocerla, pero en la forma que Andrés Binetti nos conduce no la sentimos así, hasta que sucede el verdadero reconocimiento que tienen los desdichados por las desdichas y una vez que las aceptan comienza la cruda verdad que está magistralmente expresada en los cuerpos, en el espacio, en la música que hace este gran relato.

“La Patria Fría” tiene muy buenos trabajos de interpretación. La entrega de cada uno de ellos es teatralmente fantástica. Hay como cierto espectro que se manifiesta en escena cada vez que uno de los personajes va a tomar la palabra y poner al desnudo lo que cada uno quiere tapar.

“La Patria Fría” la primera parte de una trilogía llamada “Argentina Amateur” es una magnífica obra. Así que estimado público pasen, pasen y vean a estos magníficos personajes muriéndose en el nombre de ustedes, pasen y vean las miserias, pasen y vean la metáfora como realidad escénica. 

¡Pasen! ¡Pasen! Vea los domingos a las 20:30 en Teatro Anfitrión, calle Venezuela 3340, reservas al 4931-2124 ó al 15-3004-6545. Mayor informa en lapatriafria.blogspot.com

SALOMÉ DE CHACRA

Una chacra allá en los tiempos viejos. Herodes, propietario, enseña democracia con rigor cívico a un ácrata al que mantiene encerrado en aljibe seco. Cada noche desde el pozo clama su verdad en el desierto el libertario y con la prédica del precursor sueña un orden nuevo la peonada.

Sopla el pampero su mal augurio. Es ensangrentado día de carneada, de faena, y entre chacinados Salomé, hechizada con la voz, con la palabra, sueña con poseer alguna vez esa boca. Cochonga, su madre, añorante del orden viejo sueña con su cabeza completa. Herodes, su padrastro, sueña con un bailecillo de la niña, el Gringuete, peón infaltable, ama a esa niña en criollo silencio. En la pampa la tragedia es una ristra de sueños. Una máquina de hacer chorizos.

Salomé de chacra es una trasposición guasa a la pampa del relato, los personajes y la mítica de aquella leyenda bíblica. Un auto profano representado por ánimas cada noche en la tapera en ruinas de lo que alguna vez fue una propiedad. Una rural, eterna y ceremoniosa representación de la creencia.

“Salomé de Chacra” es una obra maravillosa que nos trae Mauricio Kartún. Maravillosa para el disfrute de los sentidos, ya que nos deleita con el ritmo de sus textos, la armonía musical de las voces de los personajes y hasta nos inquieta con el encanto de la construcción del mito en el orden de lo escénico.

En “Salomé de Chacra”, Mauricio Kartun nos muestra el artificio de cómo se arma la tragedia –nos lo enuncia, ejemplifica, nos expone, todo a la vez-; nos inquita porque desde nuestra butacas nos reímos de la tragedia, de lo siniestro, de lo terrible. Somos testigos de ese universo fabuloso.

Nuestra expurgación acompaña constantemente a cada acto, a cada palabra, a cada sonido de la obra; todo constantemente nos inquita y lo disfrutamos: esto se genera por el relato, por la historia, por los personajes: Osqui Guzmán, como siempre un actor que está al servicio de la obra, que puede transformar la nada en energía vital; Manuel Vicente nos lleva por un encantador de mujeres, por una suerte de poeta que se hace al maldito pero siempre busca satisfacerse; Lorena Vega es una actriz que nos conduce por varios caminos de la seducción y la sensualidad; y, Stella Galazzi quien construye un personaje que nos muestra que los pequeños actos tienen grandes consecuencia. Todos se manifiesta poéticamente.

“Salomé de Chacras” es una experiencia única. Todo está ante nuestros sentidos, hasta eso que queremos verlo como metáfora de una realidad. “Salomé de Chacras” es un acto de comunión que religiosamente tenemos que asistir para ver el equilibrio en el desequilibrio, admirar como se gesta el vacío ante nosotros, descubrir los miedos y los deseos de los personajes. Una tragedia escénica maravillosa.

“Salomé de Chacras” está los viernes a las 21:00, los sábados y domingos a las 20:00; en el Teatro del Pueblo, Av Roque Sáenz Peña 943, reservas al 4326-3606.

Ficha Técnica

Autor: Mauricio Kartun

Elenco: Manuel Vicente, Osqui Guzmán, Stella Galazzi, Lorena Vega

Asistente Artística: Lorena Ballestrero

Supervisión de movimientos: Luciana Acuña

Diseño Sonoro: Tian Brass

Diseño de Escenografía y realización de elementos: Norberto Laino

Diseño de Vestuario: Gabriela A. Fernández

Diseño de iluminación: Alejandro Le Roux

Prensa: Simkin & Franco

Dirección: Mauricio Kartun

LA DÉCIMA SINFONÍA

Después de la muerte de Beethoven, se desarrollan dos remates en paralelo de sus diferentes pertenencias. Será a partir de este hecho, el punto desde el cual se realizará un recorrido respecto de los diferentes momentos más significativos de la vida de uno de los más grandes músicos que tuvo el mundo.

¿Quién fue Ludwig Van Beethoven? ¿Cómo vivía? ¿Qué le interesaba? ¿Cuáles fueron los grandes amores de su vida? ¿Sus ilusiones y sus deseos?

Un espectáculo que busca mostrar, a modo de homenaje, la parte más oculta, humana y sensible de uno de los artistas más sobresalientes de la música clásica universal.

“La Décima Sinfonía” es la propuesta escénica que está bajo la dirección de Jorge Ducca. Esta puesta en escena lleva al público por las imágenes del deterioro de un genio, acentuando las pesadillas de Van Beethoven.  

“La Décima Sinfonía” es un constante diálogo entre el silencio y la desesperación, todo esto busca trastornar los sentidos. En ese aspecto, Manuel Mazza y Fernando García logran ese cometido, tomando cuerpo y forma de lo que produce el gesto del diálogo. Apoderándose del juego del silencio y de la desesperación para terminar en un estado de tormento.

“La Décima Sinfonía”: construye imágenes poéticas que son escalofriantes, componen movimientos armónicos dentro del caos, dibuja esperanzas en los hechos que atormentaron a Beethoven mientras producía el acto de escritura de sus obras; pero, poco a poco el público es testigo que todo lo mencionado se marchita para convertirse en un recuerdo monetario que está siendo rematado constantemente; hermosa metáfora sobre la libertad y el capital.

“La Décima Sinfonía” está los jueves a las 20:30, en La Mueca, Av. Córdoba 5300 1° piso; reservas al 4777-0825.

Ficha  Artístico Técnica:

Intérpretes: Manuel Mazza (Ludwig)  y Fernando García Cormick (Rematador)

Bailarines: Franco Marcoccia, Rosana María Ruiz, Andrea Parodi.

Vestuario y escenografía: Pablo Graziano

Musicalización: Carlos Gutiérrez

Coreografía: Franco Marcoccia y Rosana María Ruiz

Maquillaje y caracterización: Florencia Moyano-Aidana Garcia Deparci

Puesta en escena y Dirección General: Jorge Ducca

Autor: Jorge Ducca

CLIFF (ACANTILADO)

Días antes de la celebración de la ceremonia de los Oscar de 1961 –la cuarta y última ocasión en la que fue nominado– Montgomery Clift prepara en su departamento de Upper East Side su regreso a los escenarios teatrales con La gaviota de Chejov. Ha decidido abandonar su carrera cinematográfica y escapar por fin de los mandatos de los estudios y del hostigamiento de los medios de comunicación. Pero antes tendrá que cerrar las cuentas pendientes con el pasado: el accidente de tráfico que desdibujó su rostro, los estragos del deseo mutilado, su relación con los compañeros de profesión, etc.

Por Cliff (acantilado) se pasean no sólo algunos de los dioses caídos del Olimpo de Hollywood (James Dean, Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor o Marlon Brando), sino también la mirada lúcida y alucinada del propio Monty Clift, quien logró rescatar del naufragio de su existencia su posesión más preciada: su oficio de actor.

“Cliff (Acantilado)” es el texto de Alberto Conejero que Alejandro Tantanian propone en escena de una manera sublime e increíble para hablar de la encarnación de lo prohibido, de lo vertiginoso, del deseo de hacer lo que uno quiere hacer, de ir contra la corriente, etc, etc. Es una puesta en escena muy arriesgada que funciona a diferentes niveles de lecturas y que invitan a re-conocer y re-encontrarnos con el ser humano dentro del galmour y el star system.

Tantanian no lleva por un espacio de aparente minimalismo que está elegantemente bien equilibrado, con imágenes cortadas, completas, biográficas, con sonidos imperfectamente perfecto, con polvillo del toca disco, volúmenes que tapan, molestan; todo esto para crear esos climas que nos envuelven en lo oscuro del alma de Montgomery Clift.

Un espacio que sólo tiene vida en la construcción de un suicida, de un alcohólico, de un ser sensible, de un personaje que grita representar a Konstantín Tréplev y ser Montgomery Clift a viva voz. Un espacio que muestra el rostro desfigurado y los ojos de este ser que tenemos que recordar y pronunciar muy bien su nombre: Montgomery Clift.    

Nahuel Cano es quien se encarga de encarnar a Montgomery Clift. Un personaje que parece ser que es agobiado por un dolor y vacío, que aparenta ese grito silencioso a los cuatro vientos pero nadie escucha, ni nosotros, el público, ya que sólo es un actor. Nahuel Cano hace un trabajo sublime, dinámico y con mucha entrega en escena.

Esta increíble propuesta denominada “Cliff (Acantilado) está todos los sábados a las 23:00, en el Teatro El Extranjero, calle Valentín Gómez 3378, reservas al 4862-7400 o por mail http://www.elextranjeroteatro.com/plays/view/1 ó también compra anticipada en www.alternativateatral.com.ar

Nahuel Cano como Montgomery Clift

Dirección / Alejandro Tantanian

Producción ejecutiva / Victoria Murphy

Prensa / Duche&Zárate

Diseño gráfico / Leandro Ibarra

Fotografías / Ernesto Donegana

Asistencia de dirección / Mariano Tenconi Blanco & Gisel Robles

Musicalización / Alberto Conejero & Alejandro Tantanian

Coreografía / Celia Argüello Rena

Video / Santiago Brunati

Iluminación / Oria Puppo & Alejandro Tantanian

Escenografía y vestuario / Oria Puppo

COMER DE NOCHE

“Pocos hombres  son capaces de aplaudir sin envidia a un amigo en su buena fortuna. 

Un dardo envenenado traspasa el pecho del envidioso, que, roído por su veneno, gime bajo una doble carga: sufre por sus dolores, y se siente afligido por la felicidad de los otros.”

                                                                Esquilo

Comer de noche.  Entre hermanos. Una mujer en común. Una recién llegada; sus vaticinios. Comunión de todos los excesos: brindar para beber,  cortar la carne, seguir bebiendo. Viejos recuerdos y el pasado que vuelve en cada frase.  Bailar. La música y el intento infructuoso de reparar lo que está roto.  El pecho en la boca.  La sangre en el estómago y en el sexo. Lazos de sangre. Juego  de amor.
Y comer… siempre comer para tapar la historia. Y de noche.

“Comer De Noche” es el texto que crearon Romina Moretto y Lorenzo Quinteros, quien además es el responsable de la dirección de esta propuesta escénica que conjuga la tragedia familiar con un hecho cotidiano, donde las miserias pasan a segundo plano; ya que encierra al público en un mundo voyerista que muestra una aparente cena familiar, hecho donde casi siempre se expurgan y escapan todas las miserias de cada familia; pero, en la propuesta hay una vuelta de tuerca con los relatos míticos de Agamenón, Clitemnestra, Egisto y Casandra.

En “Comer De Noche” el espacio tiene muchos índices que quieren mostrar la realidad y lo escénico. Hay momentos que las situaciones son reales y otras jugadas escénicamente, donde el artificio actoral se muestra en la representación, para luego volver a un registro actoral no teatral.  

Lo que más llama la atención de “Comer De Noche” es el constante diálogo de ese encuentro familiar -los hermanos Máximo y Estebán con sus respectivas parejas que se reúnen para cenar-, con el relato mítico de Agamenón. Así, en el transcurrir de "Comer De Noche" se observa que hay dos Agamenón, una Clitemnestra que tiene el objetivo claro y una Casandra vegetariana y conectada con la madre tierra, las chacras y el Zen. Esos mundos son presentados en forma muy original para debatir la traición, la manipulación, el disfrute del poder y hasta donde uno quiere llegar para conseguir todo lo que desea a costa de la familia.

“Comer De Noche” está los viernes y los sábados a las 20:30 en Teatro Payró, calle San Martín 776, reservas a 4312-5922.  

Elenco

Anita Gutiérrez, Gabriel Lima,

Julio Molina y Romina Moretto

Dirección

Lorenzo Quinteros

Escenografía: Félix Padrón
Vestuario: Paola Delgado
Diseño de iluminación: Lorenzo Quinteros y Félix Padrón
Fotos de la obra: Guillermo Kalb
Trailer de la obra: Ana Quinteros

Asistente de Dirección: Javier Kussrow
Prensa: Duche&Zarate

YOCASTA

Edipo es el hombre del poder.

El argumento se retoma en esta versión para ser relatado desde el punto de vista de Yocasta, la principal víctima de la tragedia. Yocasta asume el rol de narradora que se presenta para exponer los hechos con el objetivo de intentar comprenderlos y reflexionar sobre ellos. Esta versión de la tragedia adopta conscientemente el punto de vista femenino, prescinde del coro y se concentra exclusivamente en la acción de los personajes principales. Todo lo que aparece en escena es la expresión rigurosa del relato de Yocasta, cuyo punto de vista desafía el clásico determinismo de la tragedia griega para afirmar enfáticamente la concepción del cosmos gobernada por el azar.

Edipo es el hombre del poder según Foucault, y esta idea constituye el eje de la pieza. A pesar de que él mismo prometió extirpar las calamidades que azotan a Tebas, las evidencias lo acorralan para hacerlo directamente responsable de esas mismas calamidades. Sin embargo, en ningún momento Edipo piensa en resignar su poder: sólo se preocupa de lo qué es lo que debe saber y qué es lo que debe hacer para conservar la corona.

Esta YOCASTA escrita y dirigida por Héctor Levy-Daniel es, según se señala, una versión libre del Edipo Rey de Sófocles. Nada fácil el desafío de enfrentar la escritura y puesta en escena de una obra basada en la trama de Edipo Rey, cuya estructura es considerada como una de las más perfectas de la historia del teatro. Sin embargo, YOCASTA supera las expectativas y nos logra envolver para adentrarnos, desde la visión de quien fuera la mujer y madre de Edipo, a este mito tan conocido por la cultura occidental.

Lo primero que nos captura es el diseño escenográfico, una propuesta simple pero efectiva nos traslada al interior de un palacio donde vemos aparecer a los personajes que lo habitan, acompañados de las perturbadoras historias que los ciñen. Yocasta, es la encargada de guiarnos en este viaje al pasado, para revisar los acontecimientos que rodearon la mítica historia de Edipo Rey. 

El viaje es envolvente, Yocasta logra que nos adentremos en la historia y que, sin proponérnoslo, nos terminemos transformando en testigos de aquellos sucesos. Es desde esta privilegiada  posición  que comenzamos a releer Edipo y descubrimos la ceguera que éste sufre frente a la posibilidad de perder el poder al cual se aferra más que a su propia vida. Efectivamente, YOCASTA nos presenta una nueva lectura de Edipo Rey, la cual se basa en la perspectiva del poder y los efectos seductores que ejerce en los hombres. Esto hace que la pieza tome una dimensión mucho más amplia y atemporal puesto que bien sabido es que la cuestión del poder ha sido uno de los ejes más importantes sobre el cual ha girado la historia de la humanidad.

Interesante propuesta la de YOCASTA, didáctica y efectiva, logra que nos posicionemos de una manera distinta frente al mito de Edipo y lo leamos con ojos renovados.

Por otro lado, destaca la elección estética, la cual se acerca más a lo contemporáneo. El vestuario de los personajes, por ejemplo, el cual es mucho más cercano a nuestro tiempo que a la época de la Grecia clásica, permite también que nos sintamos más cercanos a la historia y que podamos traer los hechos narrados por Yocasta hasta nuestro presente, como sucesos que pueden corresponder perfectamente a nuestros días, ya que el hambre de poder no conoce de épocas.


Yocasta está  los domingos a las 17:00, en el Teatro Actor´s Studio. Díaz Vélez 3842

Reservas al 4983-9883

Libro y dirección: Héctor Levy-Daniel

Elenco: Jessica Schultz, Pablo Razuk, Carlos Kaspar, Abián Vainstein y  Juan Carrasco

 Escenografía y vestuario: CECILIA ZUVIALDE /Diseño de iluminación: RICARDO SICA

 Música original: SERGIO VAINIKOFF / Asistente de dirección: FLORENCIA MÉNGOLI