CACHAFAZ

“¡Robarle el fuego al infierno es mucho más que capricho, robarle nieve al invierno no se atrevería ni un bicho!” Copi, con su mirada descarada, irónica y arriesgada, nos enfrenta a esta historia de guapos de conventillo. Cachafaz y La Raulito, entre el hambre y la indecencia, entre policías y vecinos, son los héroes desvergonzados de ésta, su última payada mistonga morocoté. Cachafaz nos toma, nos mezcla, nos deglute y nos vomita. Nos hace ver lo que no podemos, o no queremos ver al transitar la experiencia de este conventillo en ruinas.

Conmovedora y revolucionaria resulta ser este CACHAFAZ de Tatania Santana, una lectura acertada del teatro de Copi, dramaturgo nacional cuyo trabajo es aun poco conocido en la Argentina.

CACHAFAZ es una de las últimas piezas escritas por Copi. La historia se desarrolla en un rancio conventillo de Montevideo donde viven Cachafaz y la Raulito. El primero es una especie de cafiche y guapo del lugar, mientras que la Raulito es un travesti con excelsas aspiraciones; ambos viven en unión  “pecaminosa” según la opinión de parte de los vecinos que les recriminan su escandalosa moral. Sin embargo, la pareja hace frente a todo y desafía los límites morales y sociales, viviendo al margen de la moral. Imprevistamente se ven envueltos en una serie de asesinatos de policías, a quienes luego de matar descuartizan y comen.

Curiosa trama para esta pieza teatral que el propio autor subtitulo como “tragedia bárbara en dos actos y en verso”. Sin embargo, más allá de lo anecdótico, CACHAFAZ nos lleva a reflexionar sobre diversos temas de índole social y político: la discriminación hacia las “minorías” sexuales, el rechazo a la pobreza, lo justo v/s lo legitimo, el orden social establecido, etc.

Lo dinámico de la puesta en escena ayuda a que el publico salga de la sala con la sensación de haber pasado más que un buen momento, con la sensación de haber sido parte de una especie de protesta artística contra el sistema y sus rígidos márgenes.

Las actuaciones de cada uno de los miembros del elenco es sobresaliente, cada uno de ellos aporta lo mejor de su talento para dar vida a la pieza y logran involucrar al público en este viaje. Sobresale la acertada decisión de haber escogido incluir canciones y coreografías dentro del montaje, así como música en vivo y los ritmos de murgas. Todo, desde los vestuarios, la distribución del espacio, la escenografía hasta la misma estructura de la escena que está desnuda de telas ha contribuido a diseñar acertadamente el mundo en que Copi dibujo para su CACHAFAZ. Mérito aparte merece el texto en si, el cual es rico en poesía, musicalidad y desfachatez.

Definitivamente, con este CACHAFAZ nos adentramos en los mundos marginales, nos vemos reflejados en ellos y nos quedamos luego con la sensación de haber asistido a un acontecimiento único, donde el arte se hizo revolución.

CACHAFAZ está los sábados a las 22:00 y a las 23:30 en Teatro Del Sur, Venezuela 2255. Reservas al 15-6104-7266

Con Emilio Bardi y Claudio Pazos. Dirección: Tatiana Santana. Coro de vecinas: Rosario Albornoz, Catalina Lescano, Patricia Martinez, Pilar Rodríguez Rey. Coro de vecinos: Andrés Granier, Marcelo Lirio. Músicos en escena: Joel Maiante (guitarra), Pablo Martínez (percusión) y Eugenio Sánchez (clarinete). Coreografía: Mecha Fernández. Composición musical: Rony Keselman.

BODAS DE SANGRE de FEDERICO GARCÍA LORCA

La obra de García Lorca, nos habla de la pasión y el amor. Una historia de conflictos y deseos encontrados. La inminente boda de una muchacha y el deseo de dos hombres sobre ella son el hilo conductor. Las pasiones humanas están en el centro de la escena, atravesadas por las miserias, los temores, el rencor y el crimen. Esta gran historia poética rescata la esencia del alma humana, con todas sus contradicciones. La obra escrita en 1931 por el andaluz Federico García Lorca da en el corazón de la tragedia humana. El pasado nos atormenta y actúa en nuestro presente mientras nuestros antepasados ya muertos nos marcan el camino que debemos seguir. El amor no correspondido, la lucha contra uno mismo, el deseo de morir y matar, hacen de esta obra un clásico indiscutible. 

“Bodas de Sangre”, puesta en escena y dirección a cargo de Gustavo Manzanal, es la nueva propuesta que trae Libertablas a la escena porteña. En este trabajo de “Bodas de Sangre” se expone la violencia a través de imágenes, creando un mundo siniestramente poético en el espectador, ya que sabe que es horrible lo que contempla con todos los sentidos pero quiere introducirse más a esa crueldad.  

“Bodas de Sangre” no sólo presenta un manejo de gran parte del texto de Federico García Lorca, también juega como dialoga las manifestaciones retóricas del eje dramático  de Lorca con la búsqueda de una poética dolorosa y potente en la escena, algo muy difícil de lograr.

En “Bodas de Sangre” hay un gran trabajo actoral, desde la parte vocal, ya que se buscó que todos suenen a lo que llaman acá “español neutro”-, hasta un trabajo físico coreográfico; donde la intensidad, los deseos y objetivos, están claro en los personajes; en la obra hay una constante muestra de todos esos sentimientos que están muy latentes y eso hace que la propuesta sea rítmica.

La música es sublime, la voz de la cantante es maravillosa. Hay un diálogo musical en toda la obra de “Bodas de Sangre”; es para quedarse y contemplar que ese hecho violento y desgarrador asombre ante los sentidos una y otra vez.

“Bodas de Sangres” estará sólo 4 sábados a las 21 hs. -del 30 de junio al 21 de julio. En el aula. kraf, florida 681 - 2do subsuelo, esquina Viamonte. Reservas al 15-4422-4449 o más información en www.libertablas.com.ar

Elenco:

Titina Morales es LA MADRE

Agustina Cerviño es LA NOVIA

Monica Felippa es LA MENDIGA y LA CRIADA

Melania Miñones es LA ESPOSA

Federico Howard es LEONARDO

Eugenio Erretegui es EL NOVIO

Raúl Herrero es EL PADRE

Ficha Técnica:

Versión: Mónica Felippa

Música original: Naya Ledesma

Escenografía y vestuario: Alejandro Mateo

Voces en OFF: Gustavo Sternischia, Sonia Córdoba, Matías Rower

Producción general: Grupo Libertablas

Productor ejecutivo: Sergio Rower

Asistente de Producción: Clara Barón

Asistente de Dirección: Matías Rower

Dirección: Gustavo Manzanal

LA DE VICENTE LÓPEZ Y OTROS TEXTOS TEATRALES

“YANINA: El otro día estaba en un boliche, estaba apretando con un pijudo, y dejé la camperita a un costado porque estaba chivando como una negra, y estábamos lo más bien, amasando, amasando, dándole con todo, y el pibe me llevó contra una columna, y me apretaba, y él me da vuelta…” Extracto de “Feliz Navidad” de Julio Chávez

La  colección “Dramaturgia Argentinas” de Ediciones Colhiue siempre trae y propone gratas sorpresas; y no es una excepción “La De Vicente López y Otros Textos Teatrales”, libro que expone la segunda parte de los escritos de Julio Chávez, que además de componer seis escritos, hay –como acostumbra hacerlo- un excelente trabajo de estudio crítico y entrevista a cargo del doctor Jorge Dubatti.

Julio Chávez desde las primeras palabras de cada texto ya marca el espacio y el tiempo en que se van a mover los personajes; aparentemente uno cree que el espacio va a determinar a los personaje, que tal vez ellos deban comprometerse en una situación extrema, pero, como un común denominador de las obras, son los mismos personajes quienes crean estos escenarios límites que viene siendo una suma de cosas hasta llegar a desbordarse.

Las acciones, las palabras que atraviesan a los personajes, son cotidianas, pero la situación que ellos van generando –porque los personajes son el eje principal de cada escrito-, crea una extrañeza de lo común, de situaciones conocidas, llevándolas a un extremo de violencia. Hay que resaltar que Chávez maneja muy bien la acción dramática como una partitura musical, donde cubre muy bien las causas –dejando así en el que el lector las encuentre y complemente en su imaginario-  para que siempre estén expuestas las consecuencias y esto desate las situaciones que son el resultado del desborde de algo que ya venía.

Desde “La De Vicente López” hasta “Lo Otro” Chávez conduce las historias a través de personajes fragmentados por el entorno, envueltos en su propio mundo, que están cansados, agobiados, en circunstancias que los superan y que no los dejan salir; pero ese mundo tiene mucho reflejo de un mundo cotidiano conocido y eso es lo que torna complejo a obras que aparentan sencillez; ya que adquiere la fuerza dramática de las acciones físicas de los personajes que empañan totalmente el deseo límite de terminar con el espacio y el tiempo que los rodea.

Por estas razones recomiendo perderse y re-construir las causas de estos mundos que pululan en “La De Vicente López y Otros Textos Teatrales”.

http://www.colihue.com.ar/fichaLibro?bookId=30919

TRILOGÍA DE LOLA ARIAS

STRIPTEASE / SUEÑO CON REVÓLVER / EL AMOR ES UN FRANCOTIRADOR

“MUJER: Dice que tiene miedo de la oscuridad… las ratas… su madre… el futuro… los aeropuertos… morir de cáncer…la guerra nuclear… los ciegos… la gente sin sentido del humor… su corazón… él mismo…” Extracto de Striptease.

Editorial  Entropía nuevamente nos trae otra gran apuesta de textos teatrales. La trilogía de Lola Arias, que componen las obras: Striptease, Sueño Con Revólver y El Amor Es Un Francotirador, nos instalan en pequeños mundos, muy íntimos, oscuros y que invita a la sensorialidad de las imágines que crean los diferentes escritos.

La trilogía gira alrededor del amor en lugares apocalípticos, que nos quieren ser integrados en ningún sistema, como si fueran los últimos seres existentes. Los tres textos teatrales presentan al amor como un acto de violencia, el amor como una idea pragmática que no termina de desarrollarse, el amor que intenta ocultarse y no quiere mostrarse a flor de piel, no quiere ser expuesto.

El primer texto de la trilogía, Striptease, determina a un Bebé como el eje que organiza todo el relato. Sólo dos personajes toman la palabra, Estos personajes tienen una identidad, pero son genéricos, que se construyen a través del otro y de lo que han vivido. Los tres personajes –Bebé, Mujer y Hombre-  nos envuelven en el pasado para construir: el vacío del presente, la soledad, la urgencia de conectarse con la otra persona.

El segundo texto, Sueño Con Un Revólver, incita a la practicidad de la violencia, ahora son voces que se configuran desde la sexualidad –Femenino y Masculino-, que más allá del relato nos envuelven con sus deseos, con sus preguntas, con interrogaciones, con sus auto reflexiones; la voz se transforma en el acto organizador de este relato que nos lleva a lo más oscuro y violento.

Por último está el texto El Amor Es Un Francotirador, juego teatral de un grupo que se quiere suicidar y cada uno de los componentes puede realizar su último deseo. Desde esta situación extrema Lola Arias nos cierra la idea del amor como un acto violento y nos propone la materialidad de este sentimiento que puede tener en escena.

4 D ÓTPICO

Un grupo de científicos desarrolla protocolos de alta tecnología en un laboratorio de punta. Pero un accidente en uno de los experimentos produce una fisura en el espacio tiempo creando un peligroso acceso a una realidad alternativa. Los riesgos no pueden ser mayores: si no se cierra a tiempo la fisura que conecta ambas realidades, el universo colapsaría con la consecuente desaparición del mundo material.

4D Optico es una comedia de ciencia ficción, donde un elenco integrado por ocho actores debe dar vida a las criaturas que habitan ambas realidades.

Acerca de esta obra, estrenada por primera vez en 2003 en el Teatro Lliure de Barcelona, y en lengua catalana, Daulte escribió:

“De alguna manera, todos habitamos dos mundos, todos somos dos: aquel que somos en nuestros sueños, nocturnos o diurnos, y el dela vigilia. Aquel niño que nunca dejamos de ser (para bien o para mal), y el adulto que se niega a seguir creciendo. Aquel que creemos ser y el que somos para la mirada de los demás.¿Pero qué queda en nuestro cotidiano de esa otra realidad que también habitamos? ¿No seremos en definitiva más que una síntesisde lo que soñamos y lo que la realidad nos ha deparado? ¿Dónde quedó aquel otro yo que no pudo ser?”

“4 D Óptico” es una obra delirantemente lógica, escrita y dirigida por Javier Daulte. Esta propuesta escénica llama la atención por varios aspectos. Como siempre estamos acostumbrados a la maestría que tiene Daulte para montar una historia, crear distintos personajes y situaciones que construyen  poco a poco el universo o en este caso los universos.

“4 D Óptico” es un deleite formal del teatro, utiliza los recursos, los códigos más básicos y comunes del arte escénico para ponerlos al servicio y el soporte de un relato. A su vez, esta estructura formal subraya que: lo que vemos es teatro puro; que utiliza, por mencionar algunos, estrategias del vodevil, de la teatralidad brechtianas, del teatro simbólico, del teatro del absurdo, del de Beckett, del de “La vida es sueño”, entre otras.

En el juego escénico denominado “4 D Óptico” nos presenta dos mundos posibles en la ficción, donde cada mundo se materializa como el real, es decir: la obra va más allá de qué es “real” y qué es “real material”, cual es la “realidad” que estamos presenciado. De esta manera, en la trama, Daulte utiliza algunas hipótesis de la filosofía, la teología y la ciencia para divertirnos de una manera muy ingeniosa, que después de 120 minutos  nos hace pensar y cuestionar sobre las hipótesis.

Para deleitarse, pensar, asustarse y pasarla muy bien “4 D Óptico” está todos los viernes y los sábados a las 22:30, en el teatro El Cubo, Pasaje. Zelaya 3053, reservas: 4963-2568.

Ficha técnica

Elenco: Federico Olivera, Moro Anghileri, Paula Acuña, Héctor Díaz, Laura Paredes, Gerardo Chendo, Andrea Garrote y Julieta Vallina.

Escenografía: Alicia Leloutre

Iluminación: Gonzalo Córdova

Vestuario: Mariana Polski

Prensa: Duche&Zárate

Asistente de Escenografía: Jose Escobar

Asistente de Iluminación: Facundo Stol

Asistente de Vestuario: Manola Aramburu

Diseño de sonido: Mauro García Barbé

Asistente de dirección: Gonzalo de Otaola

Producción Ejecutiva: Javier Madou

Autor y director: Javier Daulte

Producción general: Compañía 4d Optico

LA VERDAD

Dos escritores amigos y la mujer de uno de ellos deciden pasar

unos días de campamento en las sierras. Antes de llegar a destino

se detienen a pernoctar en un campo al costado de la ruta. Unos

hombres aparecen y les piden ayuda para trasladar a una vieja y

famosa actriz a un rodaje ya que el auto se les detuvo. Al intentar

llevarla se enteran de algo que no deberían y lo que antes creían

que era ficción ahora es real. El final llega de repente con una

revelación que los hunde en el misterio.

“La Verdad” escrita y dirigida por Bernardo Cappa nos plantea en un aparente juego divertido las cargas, las culpas que llevamos cada uno y no podemos manifestarlas pero se transforma en un “peso muerto” que nos lleva y nos encierra en nuestras propias miserias.

En “La Verdad” los actores juegan con mucha entrega y compromiso en la situación donde ocultan secretos que se hacen manifiesto en el imaginario del espectador. Cada uno de los actores, junto al director, construyen personajes que carecen de sentido de la vida, como si nunca hubieran jugado una situación extrema o no se hubiesen jugado por nada, hasta el momento del reconocimiento.

“La Verdad” plantea fricciones cuando uno mezcla lo que es real y lo que es ficción, no desde una manera filosófica ni científica, sino desde la representación, desde la telenovela, desde la literatura, desde personajes que tal vez no entienden cuando es ficción y cuando realidad. Dos ejemplos: El primero: cuándo un beso es real y cuándo no; aunque fuese dado en escena, bajo el lente de la cámara y con muchas personas que rodean; el segundo: sobre un skater debe llegar desde un puente hacia otro y lo hace en 24 horas, esa situación crea un debate de cuál es la mejor ruta, con menos tráfico y con el mejor tiempo para que el skater llegue a su objetivo. Desde estas pequeñas narraciones en escena comienzan a cuestionar lo real y la ficción, historias que curiosamente son contadas por los escritores y debatidas por los extraños visitantes.

“La Verdad” nos plantea en un espacio abierto, en el campo, en la noche, en la oscuridad y penumbra, donde supuestamente podemos ocultar mejor nuestras situaciones. Ese espacio está manifestando ese oscuro secreto que guardan los cinco personajes en la escena. Hay una preocupación de no develar en totalidad lo que pasa pero si hay una afirmación de identidad, de lo que uno desea y quiere lograr en la vida, pero por diferentes motivos no logra hacerlo. 

“La verdad” está los sábados 20:00 horas, en el Teatro Beckett, Guarida Vieja 3556, reservas: 4867-5185 ó prensacorreydile@gmail.com

Dramaturgia y Dirección: BERNARDO CAPPA

Elenco: MARTÍN BERTANI, YAMIL CHADAD, CHRISTIAN GARCÍA, SOLEDAD

PIACENZA, RICARDO TAMBURRANO

Asistente: NAIQUÉN ARANDA

Diseño Vestuario: PAOLA DELGADO

Diseño de Luces: CLAUDIO DEL BIANCO

Diseño gráfico: SABRINA LARA

Fotografía: CARO JORQUERA

LA MANCHADA

“Los hermanos Valderrobles decidieron vender el campo que

heredaron de su padre. Sus mujeres aguardan ansiosas la tajada

que les va a tocar. El interesado en la compra es un arquitecto

mezquino y con afanes de genio. Los vínculos desgastados y la

sucesión de hechos pronto los envolverá en una vorágine de

disparates donde cada uno intentará sostenerse en la absurda

disputa. Alrededor, la tierra, corporizada en unos seres extraños,

pronto levantarán su voz.”

“La Manchada” está bajo la dirección de Christian García, quien nos lleva al mundo de la familia disfuncional, donde los hermanos deben aprender a independizarse y tomar la decisión más importante de su vida. La obra también funciona porque hay buenas actuaciones, quienes con pequeños gestos construyen grandes mundos.

Ya desde esta situación de inicio sucede el juego de los hermanos Valderrobles, un juego que nos lleva desde el matrimonio obligado con una mujer extranjera que no habla español pero que entiende mucho más hasta una familia extraña que acecha la casa y a quienes están ahí.

En “La Manchada” los personajes se construyen a través del otro, ese otro son los Pereyras, quienes, según los Valderrobles, los describen como unos monstruos,  que viven como topos, como locos, que sus hijos no saben hablar y al padre que era un sádico y desquiciado.

“La Manchada” es una propuesta muy íntima, es una obra que tiene mucho humor ácido y un juego donde se manifiesta los deseos personales sin pensar en las consecuencias que éstas puedan tener. También refleja el rechazo hacia uno mismo y la proyección hacia el otro de eso que objetamos y somos. Propone la búsqueda de la aceptación de grupos ya que cada uno elegimos con quien podemos estar más cómodos y sentirnos acogidos, o al menos creer que fue una elección correcta.

“La Manchada” está los domingos a las 20:00 en el Teatro Puerta Roja, Lavalle 3636. Reservas: Reservas: 4867-4689 ó prensacorreydile@gmail.com

Elenco:

Luciana Caruso

Pablo Chao

Mariana Gonzalez

Daniela Rico Artigas

Juan Martín Viale

Asistente de Dirección: Margarita Bouquet

Diseño de iluminación: Claudio Del Bianco

Producción General y Vestuario: La Manchada

 Dramaturgia: Creación Colectiva